Allegra Brigata Emiliana

Il Barbiere di Siviglia chiude la breve stagione parmigiana

2011-04-17T22:39:00.002+02:00

Ultimo titolo della ridotta Stagione Lirica parmigiana è Il Barbiere di Siviglia, atteso dal pubblico soprattutto per il debutto del “pramzanissimo” Luca Salsi.

Cominciamo dalla bacchetta del Maestro Battistoni: forse, anche a causa delle poche prove, un’opera che per sua natura dovrebbe essere luminosa e frizzante ne è uscita letteralmente appesantita. Già nell’Ouverture si notava quasi un torpore orchestrale, che poi in tutta l’opera si è mantenuto costante. Per tutta la serata l’orchestra ha mantenuto un certo distacco dai cantanti ed anzi in alcuni momenti ha coperto le voci. Decisamente l’elemento peggiore della serata.

Molto buona la performance del protagonista Luca Salsi, dotato di voce matura, limpida e brillante. Un Figaro divertente, vero deus ex machina della vicenda. Le sue qualità sono emerse già nella celeberrima “Largo al factotum” (anche se all’inizio si è fatta sentire una punta di emozione) , ma la serata è andata in crescendo sulle note di “All’idea di quel metallo” e della scena della bottega; già più sicuro nelle agilità del duetto con Rosina e nel terzetto del secondo atto “Dolce nodo avventurato”.

Il Don Bartolo di Bruno Praticò è spassoso e coinvolgente, anche se con qualche incertezza vocale cui riesce a sopperire con le grandi capacità attoriali.

Neo della serata, oltre alla direzione, si riscontra nel tenore Dmitry Korchak: già il timbro può, alla lunga, risultare stucchevole ma se a questo ci aggiungiamo acuti forzati, note tremule, stonature e voce sporca, il giudizio non può che essere negativo. Nonostante tali problemi ha affrontato la difficile aria “Cessa di più resistere” destando qualche mormorio nel loggione.

La Rosina di Ketevan Kemoklidze è fresca, briosa, sia nella voce che nell’interpretazione. Anche se non è dotata di grande volume, è stata brava nel sostenere il ruolo, sia nelle due arie che nei duetti e nei concertati. In scena è spigliata, in sintonia con il resto del gruppo, in una parola credibile.

Giovanni Furlanetto è stato un Don Basilio molto credibile dal punto di vista scenico, ha però destato qualche dubbio dal punto di vista vocale.

Merita una menzione la Berta di Natalia Roman, dotata di una bella voce, limpida e squillante.

Belle la regia di Stefano Vizioli e le scene di Francesco Calcagnini: l’allestimento, sebbene un po’ minimal, è stato davvero piacevole; la regia è riuscita a creare quell’insieme che ha permesso di apprezzare la serata nel suo complesso.

Da segnalare, finalmente, il ritorno dell’orologio a luce sovrastante il palcoscenico, che dopo due anni è tornato ad accompagnare gli spettacoli del Regio.

a presto :-))

Augnese e Maria Perpetua

Elisir novello a Salsomaggiore Terme

2011-04-17T22:25:00.002+02:00

Dopo l’ultima prima stagionale del Regio, m’è venuta la curiosità di andare a sentire questo Elisir d’Amore nel Teatro Nuovo di Salsomaggiore Terme.
A volte anche le realtà di provincia riservano gradite sorprese. Nel complesso è stata una serata di tutto rispetto e ridanciana con la regia semplice ed efficace di Claudio Sportelli (resa che non è venuta meno per la sconcertante assenza del coro che ha creato qualche “problema” in momenti come quello dell’entrata di Belcore; chi interpretava il Sergente non sapeva cosa dire quando deve affermare che lui ed i suoi militari occupano la piazza, tanto che il suggeritore gli ha dovuto dare l’imbeccata a voce alta). Trovate registiche come quella citata hanno permesso di sopperire a questa mancanza.

Il lavoro di Sportelli è stato improntato alla risata spontaneamente franca. Le gags sono state ottime ed abbondanti, mai volgari come ad esempio il problema di far firmare il contratto con cui Nemorino diventa soldato, con il reclutando analfabeta (che non sa manco come fare la croce) e senza una penna in scena, oppure Nemorino ubriaco, a sua insaputa, che fa l’indifferente e lo sciocco nell’attesa che l’Elisir faccia effetto, tutta giocata proprio su una sbornia eccessivamente euforica. La migliore però è stata alla fine quando Belcore si accomiata da Adina e dichiara di scegliere Dulcamara come suo sposo “Peggio per te. Pieno di maschioni è il mondo: e mille e mille ne otterrà Belcore”. Detta in modo deciso, senza tristezze o arrabbiature con tanto di salutino effemminato. Non mi aspettavo di ridere così tanto quando s’è aperto il sipario e la scenografia era data da una diapositiva raffigurante uno scorcio paesano, Adina e Giannetta in posa come l’Amor Sacro e l’Amor Profano del Tiziano ma in versione moderna visti gli abiti delle artiste.
Il sapore campagnolo, oltre che dalle due efficaci diapositive (una per ogni atto), era ricordato dalla direzione orchestrale di Alessandro Arigoni. Quest’ultima ricordava la campagna sia per i tempi direttoriali (in certi punti degni della vita contadina) sia perché, quando dava un po’ di brio all’orchestra rischiando di coprire i cantanti (come nel terzetto Adina-Belcore-Nemorino del finale d’atto), usava la grazia di Sandrone Pavirone del Bosco di Sotto di Modena. C’è da dire che, a differenza di altre direzioni, quella di Arigoni era sempre elegante ed invitava a canterellare i brani più famosi (e qualcuno nel pubblico c’era, s’era piazzato due file davanti a me, con mia immensa gioia).
Il cast era tutto di giovani validi ai quali auguro una carriera che permetta loro di valorizzare le loro qualità. L’unica nota dolente, mi dispiace sottolinearla, è stato il tenore Claudio Minardi che ha delle doti attoriali di primissima qualità (la sua caratterizzazione del tonto, timido ed insicuro Nemorino è stata da Premio Oscar, c’è bisogno di caratteristi come lui sia nell’opera che nella prosa) ma la voce era opaca, di quelle che a Parma sono etichettate come di quelle che per salire devono prendere l’ascensore. Non ho ben capito se fosse perché era raffreddato o perché che la voce ha eletto residenza dove non deve. La Furtiva Lacrima è stata la prova più lampante, ancor più del “Quanto è bella”, in quest’ultimo punto, per lui, s’è sentita la mancanza del coro già accennata sopra.
Discorso al contrario va fatto per il soprano Sachika Ito che interpretava Adina. La voce è importante, calda con una buona dizione. La recitazione era improntata ad una raffigurazione di una teenager dei giorni nostri, di quelle che fanno passar la voglia di prendere moglie ai singles, interpretazione che difettava di quel pizzico di bastardaggine ormai insito in qualunque Adina.
La cavatina “Benedette queste carte” è stata eseguita bene con quel distacco che è normale quando uno legge col solo scopo di far passare il tempo. Distacco che, purtroppo, ha fatto capolino anche nell’ultima aria dove dovrebbe sparire visto che la ragazza si è sinceramente innamorata di Nemorino.
Il Dulcamara di Carlo Torriani è stato un Dulcamara di chiaro sapore bruscantiniano (il Richiamo a Nemorino per spiegargli come si assume l’Elisir era fotocopiato). Una scelta intelligentissima vista l’importanza del modello di riferimento. Dell’originale manca però la precisione nel sillabato che, col tempo, avverrà, mi auguro. La linea di canto è di buona fattura mostrata meglio nel primo atto che nel secondo. Il duetto con Adina ha visto il “Dottore” non trascinatore del duetto ma i due cantanti si sono dati il cambio, dando così maggiore importanza al lato femminile. Minuzie sottili per una prova che, se non si assesta tra i primi posti, supera quella di diversi altri colleghi in circolazione.
Il Belcore di Juan Micheletti è stato forse troppo umano rispetto a quello a cui siamo abituati. La sua prova è stata valida e sicura.
La cavatina, cantata più guardando Donizetti che non Felice Romani, è la dichiarazione d’amore che sembra sincera, non zuccherosa (al contrario di quella successiva di Nemorino) ma senza quel “copia e incolla” buono per qualunque membro del genere femminile. Questo Belcore cresceva con lo spettacolo. Già nel finale del primo atto era più convincente e trascinante, giocando bene sull'arrabbiatura e la stizza che prova per chi lo deride a viso aperto nonostante l'alito vinoso. Il meglio di sé l'ha dato nel duetto “Venti Scudi” e nel comicissimo originale finale.
Giannetta era Alessandra Sassi.
Assenti ingiustificati il Coro, il Notaio e parte del Pubblico (si stava molto comodi).
Alla fine applausi per tutti.

CAST
Sachika ito - Adina
Alessandra Sassi - Giannetta
Claudio Minardi - Nemorino
Carlo Torriani - Dulcamara
Juan Micheletti – Belcore
Alessandro Arigoni – direttore d’orchestra
Claudio Sportelli - regista
Orchestra filarmonica italiana

Fratelli d'Italia, Torino s'è desta!

2011-03-24T15:19:00.002+01:00

Un bellissimo momento quello iniziale delle recita di domenica 20 marzo de "I Vespri Siciliani" al Teatro Regio di Torino. Ve lo proponiamo in questo nostro video:

Un sentito ringraziamento a Augnese e Maria Perpetua per averlo realizzato :)

Una giornata particolare (Torino e i suoi Vespri)

2011-03-23T10:23:00.001+01:00

Fonte: Teatro Regio di Torino

(Foto di Ramella&Giannese)

Sarà perché arrivare a Torino e trovarla piena di sole e di bandiere tricolori ti mette allegria, e un po’ di groppo in gola. Sarà perché davanti al Regio è appeso un striscione (tricolore anche questo) che dice “presidente non lasciamo che la culla dell’arte ne diventi la tomba”, e allora tanti pensieri ti frullano in testa. Sarà che tutto il pubblico canta l’Inno di Mameli insieme al coro, davanti al sipario chiuso e coperto da una immensa bandiera italiana, e ti vengono in mente tante cose della tua vita, e non solo della tua, tanti fatti grandi e piccoli, belli e brutti, dolci e amari: e pensi come gli inglesi “nel bene e nel male è il mio paese”. Ecco, sarà il contesto o forse no, fatto sta che domenica a Torino è stata una di quelle giornate che non dimentichi.

Perché quando si apre il sipario e iniziano questi Vespri, quel brivido di emozione diventa magia, e quei pensieri che ti frullavano in testa, ti accorgi che li condividi con tanti altri, che quel groppo in gola ce l’abbiamo in molti. Soprattutto hai l’impressione che ce l’avesse anche Livermore mentre pensava questo spettacolo, e che la sua passione, la sua emozione siano autentiche e che sia stato capace di trasmetterle anche a tutti quelli che hanno lavorato con lui.

Questi Vespri sono contemporanei, Palermo è quella di oggi, gli oppressori non sono stranieri ma la mafia e il potere colluso, e gli oppressi siamo noi, siciliani e italiani di oggi, poco eroi e molto cialtroni, rimbambiti da una tv onnipresente, volgare ed ipocrita, grande manipolatrice della coscienze e del senso critico dei cittadini. Anzi dei sudditi, piegati da un potere ambiguo, invasivo, feroce.

E’ una regia “moderna”, ma una volta tanto non ti devi leggere cinquanta pagine di note di regia per capire che cosa volesse dire il regista, perché si capisce tutto subito. E se mancano le alabarde, c’è però un rispetto profondo, autentico della drammaturgia dei Vespri: non mi era mai capitato di avere tanto chiare le dinamiche interne ad un libretto complicato, non avevo mai capito così bene le ambigue motivazioni dei personaggi, non mi erano mai sembrati così avvincenti i Vespri Siciliani.

Livermore ha avuto un’idea, ci ha creduto e l’ha sviluppata con coerenza ed efficacia, e ci sono momenti, in questo spettacolo, che non si dimenticano: Elena che canta “In alto mare, battuto dai venti” durante il funerale di stato del fratello Federico, scena ispirata al drammatico discorso di Rosaria Schifani al funerale di suo marito, ucciso con Falcone a Capaci; una “O tu Palermo” straziante in mezzo alle auto sventrate dalle bombe di Capaci; la solitudine di Monforte, uomo del potere, isolato da un struttura alta sul palcoscenico, che poi scende durante il duetto con Arrigo, quando Monforte diventa un padre respinto; “Mercè dilette amiche” che Elena legge sul gobbo, in uno studio televisivo, in mezzo a ballerine scosciate, vestita di rosso come le veline che hanno sfilato al braccio dei potenti per andare alla festa, a significare che il sistema la vuole fagocitare, normalizzando la sua sete di rivolta, e servirsi ipocritamente di lei e del suo amore per Arrigo; il finale, in cui i membri del Parlamento, tornati finalmente ad una composta dignità, si tolgono la maschera che portavano sul volto. E toccanti le immagini della nostra storia che scorrono sullo sfondo durante “O patria adorata”. Facile retorica? Forse sì, un pochino, ma la forza e l’eleganza della scena la riscatta in pieno.

Fonte: Teatro Regio Torino (foto di Ramella&Giannese)

E’ ovvio che tutto funziona anche perché tutti ci credono, e si sente, e perché Livermore ha a disposizione un cast eccellente, un direttore ispirato e un’orchestra in stato di grazia. Lo spettacolo può essere bello fin che si vuole, ma se poi sul palco ci salgono delle mezze cartucce è ben difficile che il pubblico si entusiasmi. Difficile invece dire chi sia meglio tra Gregory Kunde, Ildar Abdrazakov e Maria Agresta.

Kunde risolve l’ingrata, faticosissima parte di Arrigo da vero fuoriclasse: è un debutto (a 57 anni!) ma da grande professionista ha curato ogni dettaglio, e il suo è un Arrigo sorprendentemente giovanile, affascinante per eleganza di fraseggio, pulizia tecnica e intensità interpretativa. Se in “Giorno di pianto” si sente un po’ di fatica, e se sul finale risolve qualche acuto con un peraltro accettabilissimo falsetto, questo non inficia una prova straordinaria. E allo stesso livello, se non addirittura superiore, è il Procida di Abdrazakov: una voce stupenda, da vero basso verdiano, ricca di colori e di sfumature, ampia e sicura in tutti i registri, morbida e costante nell’emissione, anche quando come in “O patria adorata” canta letteralmente faccia a terra.

Maria Agresta si è accollata tre recite di fila, il 18,19 e 20 marzo, causa malattia della titolare del primo cast Sondra Radvanovsky. Deve avere una bella tecnica, e anche un notevole coraggio per reggere un simile tour de force. Domenica nei primi minuti sembrava in difficoltà, sembrava che la voce non “passasse”: invece già da “In alto mare” ha ingranato la marcia ed è venuta fuori una splendida Elena: una voce forse un po’ leggera per il ruolo, ma il timbro morbido e lucente, l’eleganza del porgere, la tecnica sicura con cui affronta gli scogli di una parte mostruosa le consentono un risultato di livello assoluto.

Leggermente al di sotto il Monforte di Vassallo, che manca un po’ di varietà di accenti e tende a cantare tutto in forte. Ma con tutto ciò, ce ne fossero! Perché nell’insieme il suo Monforte è trascinante, specialmente nel duetto con Arrigo: vere ovazioni per i due alla fine, tanto che Kunde rientra visibilmente emozionato in scena e stringe la mano a Vassallo, mentre il pubblico continua ad applaudire entusiasta.

Fonte: Teatro Regio Torino (foto di Ramella&Giannese)

Altrettanto entusiasmo per Noseda, l’orchestra e il coro: e se lo meritano tutto, che davvero è una giornata di grazia, fin dall’intensissima ouverture, e poi via via in una lettura dell’opera piena di forza e di pathos.

Bravi e corretti anche i numerosi comprimari, e splendido il coro, molto impegnato anche dal punto di vista attoriale.

Ciliegina sulla torta: il registra era nel foyer durante gli intervalli, e si è amabilmente intrattenuto in chiacchiere con noi (invadenti) spettatori. E’ stato bello sentirlo difendere il suo lavoro dalle critiche di una spettatrice nostalgica delle regie tradizionali, accalorandosi nella discussione, senza “tirarsela” per nulla, anzi, tutto felice dei complimenti e quasi emozionato anche lui, insieme a noi.

“Badate, egli ci crede”, e insieme a Lei, signor Livermore, almeno domenica ci abbiamo creduto anche noi, nel miracolo dell’arte che tiene sveglie le coscienze e ci trasforma da sudditi in cittadini.

A cura di

Leonora Prassede

MACBETH SENZA MACBETH

2011-03-06T22:09:00.003+01:00

Non è una presa in giro ma il risultato di quel che s’è sentito oggi a Modena. Va bene che Macbeth può essere interpretato anche senza spina dorsale, ma gli altri organi vogliamo darglieli? Per esempio un cervello che gli permetta di eseguire bene i voleri della “dolce metà”?

La recitazione del baritono Dario Solari è stata molto leggera e delicata. Tanto delicata che non ho capito come ha fatto ‘sto condottiero a meritarsi il posto di Sir di Cawdor. Va be’ che ormai in politica ci vanno tutti ma insomma…
Anche vocalmente il baritono è stato, a mio avviso, deboluccio. La voce non è male anche se più adatta a un altro repertorio come perfettamente evidenziato nell'aria "Pietà, rispetto e onore" dove ha dato espressività a un canto, fino a quel momento a mio avviso abbastanza anemico.

Il direttore d’orchestra, Aldo Sisillo, gli ha dato una bella mano a non emergere pienamente. La direzione, non voglio dire come si mormorava a teatro che è stata “il trionfo dello Zumpappà”, è stata, secondo me, più preoccupata a sottolineare la cupezza della storia che non il mordente voluto da Verdi per sottolineare la bramosia di potere e la determinazione di travolgere chiunque separi i Macbeth’s da quest’ultimo soprattutto nel brano iniziale e nella cabaletta della Lady dove mi è sembrato di sentire una discrasia notevole tra orchestra e cantante.

Per fortuna che la regia di Giancarlo Cobelli ha fatto come lo zucchero a velo sulla torta bruciacchiata. Una regia semplice (come nel sabba demoniaco, lussurioso e dominato da un Satana alato), curata nei dettagli (la camicia da notte degna di una donna maritata che vuole rendersi bella allo sguardo del marito, a parte che Susanna Branchini è già un bel vedere oppure il mettere Sir di Cawdor già tra i morti all'inizio dell'opera) fedele al libretto che permetteva di capire ogni singolo passaggio (come ad esempio la sequenza del delitto di Duncan con la lavatura delle mani nonché l'uccisione delle guardie, da parte della futura regina, che giustificano la lordaggine della Lady evocata perfino nella pazzia). Dopo quella milanese e quella della Cavani ci voleva un toccasana macbettiano per gli occhi!

Le orecchie, come sopra detto, sono state bistrattate parecchio ma non del tutto. Susanna Branchini ha cercato di fare sessanta e sessanta (come si dice in gergo biscolesco). La sua Lady ne esce a testa alta. Non sarà la nuova Gencer ma, come già dimostrò nell’Attila, la sua voce è adatta a questo tipo di repertorio e lo ha dimostrato già sia nell’aria d’entrata sia nella cavatina successiva, entrambe piene di grinta come anche la ripresa del brindisi dove ogni parola esprime rabbia verso il consorte. Vien da dire “Povero marito!!!! Con una moglie così non gli resta che far la parte del Signor Steva di Goviana memoria.”

L’arte recitativa di questo soprano è uscito molto bene nei due momenti in cui deve mettere in cantina l’ingordigia di potere: il Brindisi (dove si evince che è la sua festa e non quella per il nuovo Re) e la Scena del Sonnambulismo (interpretata magistralmente facendo percepire come la sua vita sia identica al piccolo moncone di candela che tiene in mano).

Il resto del cast era formato Roberto Iuliano come Macduff, Pavel Kudinov nel ruolo di Banco, Antonello Ceron (Malcolm) e Daniele Cusari che vestiva contemporaneamente i panni del Sicario e dell’Araldo, , Shoushik Barsoumian (Dama di Lady Macbeth) e Fumitoshi Miyamoto (Medico e Domestico).

Applausi finali per tutti nonostante un pubblico malaticcio, con cellulari suonanti e caramelle scartoccianti.

A cura di
Don Marondio

Il naso: pareri a confronto 2

2011-02-27T14:53:00.000+01:00

Ecco un'altra opinione di alcune amiche che hanno abbandonato il campo dopo una ventina di minuti dall'inizio dello spettacolo. Abbiamo chiesto loro come mai....

Cosa dire di questo Naso? è stata per noi una breve serata, dato che abbiamo lasciato il teatro dopo poco meno di mezzora. Per quello che abbiamo visto e sentito, possiamo dire che si tratta di una musica troppo al di là del nostro gusto musicale, che trasmetteva un senso perenne di ansia ed era accompagnata da un modo di cantare cui, in Italia, non siamo affatto abituati.
Non si tratta di voler vedere sempre le stesse opere, anzi pensiamo che sarebbe stata una scelta più felice, anche in fatto di presenze a teatro, la messa in scena di compositori "minori", poco rappresentati, attingendo magari a quella fucina che è il conservatorio.
Ci dispiace per i numerosi artisti del teatro Pokrovskij, a Parma perché questo è il loro lavoro, che forse in altri contesti avrebbe avuto una risposta migliore.

Augnese e Maria Perpetua

Il Naso al Regio di Parma, pareri a confronto.

2011-02-24T17:55:00.001+01:00

Fonte: Teatro Regio di Parma

Eccoci qui, dopo aver ascoltato Il Naso (Nos) di SŎSTAKOVIČ in un teatro semi deserto, a confrontarci su un titolo che non ha certamente raccolto i favori del pubblico del Regio. La sala era semi vuota già all'inizio dello spettacolo, ma già dopo il primo quarto d'ora si sono registrate le prime defezioni. Durante l'intervallo eravamo la metà del pubblico di partenza, ulteriormente decimato durante il secondo tempo dell'opera. Alla fine però, il poco pubblico rimasto, ha voluto premiare con applausi convinti e anche qualche Bravo gli artisti russi.

Ecco qui un primo parere. Altri ne seguiranno!

Perché è tanto inquietante questa musica?

“Perché è tanto inquietante questa musica? Perché non riesco a dire che mi piace, ma mi sento così coinvolta, e mi emoziona, e mi mette addosso ansia e stordimento?”
Me lo chiedevo ieri sera mentre ascoltavo questo “Naso” al Regio, e non riuscivo a darmi una risposta.
Ho continuato a pensarci mentre tornavo a casa, attraversando il centro tranquillo e silenzioso, le belle vie quiete di una Parma già mezza addormentata. Poi stamattina mentre andavo al lavoro, quelle stesse strade erano piene del traffico di un giovedì mattina, e per un attimo ho “sentito” la voce della città: mi sono accorta che è un suono dissonante, che l’armonia esisterà certo in natura ma ce n’è poca nella nostra vita quotidiana. C’è molto più Šostakovič che Verdi o a Bach, tra gli autobus o in ufficio.
Ecco, lo dico da ignorante, in tutta umiltà, è questo che mi inquieta: non riesco a mettere un po’ di distanza, il grottesco del Naso (o la tragedia di Wozzeck) sono troppo vicini, troppo miei, troppo quotidiani per essere catartici, e quindi consolanti. Non acquietano, inquietano. Mi turbano.
Il mondo, il mio mondo è confuso, rumoroso, dissonante. Mi sento tanto, ma tanto più simile al povero Kovalev che ha perso il naso, che a Rosina o a Violetta. E la gente intorno a me quando si sente smarrita, sola, angosciata, somiglia tanto più a Wozzeck, che a Lucia che muore d’amore accompagnata dalla glassarmonica o dal flauto.
Vivo in mezzo al chiasso dissonante della modernità, e quando morirò sarà probabilmente in una rumorosa e dissonante corsia d’ospedale. Voi che ne dite, sarà questa la risposta?

E comunque, se uno spettacolo ha la forza di scuotere, se riesce a far pensare, vale in ogni caso la pena di esserci stati.

Ps: da ignorantissima, certi momenti “jazzistici” e di sole percussioni mi sono sembrati
entusiasmanti.

Leonora Prassede

Al via la stagione di Parma con Dimitra in grande forma

2011-01-29T11:15:00.000+01:00

Prende il via la stagione del Teatro Regio di Parma con “La forza del destino”, una nuova tappa verso il bicentenario della nascita del Cigno di Busseto.
Regina della serata Dimitra Theodossiou che, a sentirla, davvero non si direbbe essere esordiente nel ruolo di Leonora di Vargas. Ottima la sua prova vocale, accompagnata da una profonda interpretazione del personaggio: combattuta tra l’amore per il padre e la sua terra, e quello per Alvaro in “Me pellegrina ed orfana”, partecipe e commovente nel secondo e nel quarto atto, in particolare bellissimo il suo “Pace, pace mio Dio” per il quale il teatro ha chiesto a gran voce un bis, purtroppo non concesso.

Machado è migliorato dal terzo atto in poi. Probabilmente non è il suo ruolo ideale, ma è riuscito a condurre dignitosamente la serata.
Vladimir Stoyanov è maggiormente credibile in terzo e quarto atto, che in “Son Pereda”, ma nel complesso è riuscito a far emerge al meglio il suo personaggio.
Mariana Pentcheva affronta un ruolo non tanto adatto alla sua vocalità. Il ruolo di Preziosilla è comunque appiattito dalla regia che non lo valorizza. Avendo ascoltato anche la generale, possiamo dire che forse questa sera c’è stata un po’ d’emozione.
Coppia ben riuscita quella del Padre Guardiano e di Fra’ Melitone, rispettivamente Roberto Scandiuzzi e Carlo Lepore. Solenne il primo (anche se con qualche incertezza vocale) quanto buffo il secondo.
Ottimo come sempre il Coro, che da’ prova di grande professionalità e amore per il teatro.
Direzione del Maestro Gelmetti, che è tornato alla partitura verdiana con tempi a tratti sostenuti. In alcuni momenti troppo alta l’orchestra che copre i solisti.
Nota dolente la scena curata da Stefano Poda, troppo distante dalle reali ambientazioni della storia e a tratti incomprensibile. Probabilmente una lettura più attenta dei dettagli e delle ambientazioni avrebbe giovato alla nostra vista.
Tutto sommato, però, possiamo dire che è stata una serata piacevole, dopo le prime recite del recente Festival che hanno offerto numerosi spunti di riflessione e critica e sulle quali molto abbiamo detto e scritto.

Augnese e Maria Perpetua in compagnia di Don Marondio

Viaggio a PingReims

2011-01-10T17:27:00.000+01:00

VIAGGIO A PINGREIMS

Opera ad Atto Unico

Scena Prima

Servitori, contadini e contadine a Parmières, nell'albergo termale "Il Tenor d'Oro", preparano le stanze e le sale per gli ospiti illustri che si preparano a partire insieme per assistere all'incoronazione della Diva Ping Regina di tutti i teatri.

Madama Augnese, proprietaria dello stabilimento, dà ordine alla servitù di affrettare i preparativi per il viaggio, intonando la celebre aria “Orsù con salami e prosciutti riempite i bagagli”. Giunge però notizia che il carro con il bagaglio dei nobili ospiti ha avuto un incidente e giungerà in ritardo.

Scena Seconda

Madama Augnese si affretta nelle stanze dell’albergo a comunicare agli ospiti la notizia di tale incidente che farà tardare la partenza: la parigina Contessa di Claudeville, pazza per la moda e segreta amante del cavalier Tomfiore, giovane ed elegante ufficiale francese, piange disperata per il bagaglio disperso e, rivolta agli armadi vuoti intona la mesta aria “Senza le vesti partir degg’io”, in cui piange anche per aver perso le preziose tessere del suo passatempo preferito.

Scena Terza

Nelle stanze attigue, il barone di Vasconok, ufficiale tedesco fanatico per la musica chiacchera con Don Ilivaro, grande di Spagna, che presenta al barone la bella vedova polacca Settimia Religioska, di cui è innamorato. Nella cavatina “Di Polonia le belle vedove – ch’al mio sguardo avvampan d’amor”, Don Ilivaro canta al barone del fausto incontro avvenuto poco tempo prima nei giardini di Varsavia, dove la bella Settimia era intenta a cogliere fiori.

Entra in scena il conte Devotenskof, un gentiluomo russo anch’egli innamorato di Settimia Religioska, e Ilivaro, ingelosito, inveisce contro il rivale con l’aria “Non più amerai la dolce polacca”. Il conte risponde intonando una dolce canzone rivolta alla cara Settimia “Nei loggion il tuo volto ch’io veda”. La vedova polacca in lacrime ascolta la canzone dell’amato Devotenskof, e disperata prega segretamente la Diva Ping che possa farle coronare il sogno d’amore con il giovane russo. La rivalità tra i due prosegue, ma giunge nella stanza l’improvvisatrice italiana Marinna, che con la sua arpa suona lo struggente “Di tale amor proteggi la sorte, oh Diva!”. Marinna invita tutti a dimenticare i rancori. Nel sestetto finale “Amori, dissidie e tradimenti!”, i presenti si congedano e tornano nelle loro stanze per proseguire con i preparativi.

Scena Quarta

Don Marondo, giurista e appassionato di antichità, si aggira solitario per le stanze dell’albergo, compilando un inventario delle rarità operistiche possedute da ogni ospite. Tra le registrazioni, Don Marondo trova un nastro della celebre aria “Giorno di pianto” eseguita dal grande tenore Scanigliato. Volendo rivivere quell’indimenticabile momento, il giurista si reca nella sala da gioco dove un antico grammofono permette di ascoltare ancora questa preziosa registrazione. Marondo, deliziato dalla soave voce del tenore, chiude gli occhi sognante, ma è interrotto dal pianto di Lord Ivanney, colonnello inglese, segretamente innamorato di Marinna, che piange le sue pene d’amore.

Intanto, rientra in albergo, dopo un lungo e fruttuoso giro per acquisti in città, il giovane ed elegante Cavalier Tomfiore. Come ogni giorno, ha ordinato fasci di fiori per le ospiti dell’albergo. Ha fama, infatti, di gran seduttore. Nel riporre i nuovi e costosi capi nelle pregiate armadiature dell’albergo, Tomfiore intona la celebre aria “Questa e quella griffate pur sono”.

Don Marondo va dal Cavaliere per annotare nel suo inventario le registrazioni possedute dal giovane. Vedendolo impegnato nella contemplazione del vestiario lo deride, ricordandogli come, nella vita, siano più importanti gli abbonamenti per le Stagioni d’opera e gli acuti e i vibrati del grande Scanigliato. Don Marondo esegue l’aria “Non più acquisterai cavaliere amoroso”, ma Tomfiore non sembra persuaso. Si congeda da Marondo ed esce dalla stanza.

Scena Quinta

Madama Augnese convoca tutti gli ospiti nella sala da pranzo. Gli ospiti accorrono e Augnese comunica a tutti che è impossibile intraprendere il viaggio per Pingreims perché non si riescono a trovare cavalli. Gli ospiti, affranti, cantano la loro tristezza: non potranno vedere la loro Regina incoronata e portata in trionfo. Intonano il mesto coro “Nostra diva, sì cara e perduta”.

Madama Augnese, colpita dall’intensità del dolore dei suoi ospiti, propone loro di recarsi ad acclamare la Diva quando farà ritorno a casa e intanto festeggiare in albergo con un grande banchetto. Gli ospiti si avviano verso le stanze, per fermare i preparativi e organizzare i festeggiamenti.

Il Cavalier Tomfiore si attarda nella sala, pregustando il momento in cui potrà omaggiare la Regina con un mazzo di fiori profumati, cercando di sedurla e facendola cadere ai suoi piedi. Tomfiore sorride e intona la famosa cabaletta “Attendimi Regina, tu mia diventerai”. La contessa di Claudeville, da sempre innamorata del giovane, ascolta di nascosto il suo proposito: infuriata e piena di gelosia torna nella sua stanza, lanciando invettive e anatemi contro il giovane e la Regina.

Tomfiore ascolta le grida della contessa, ma, credendosi irresistibile, pensa alle nuove conquiste. Alla scena assiste, nascosto, Don Marondo: divertito per la fine dell’amore della contessa, si prepara a terminare la sua lista di rarità operistiche.

Scena Sesta

È sera. Gli ospiti sono tutti radunati nella sala da pranzo. Dopo un brindisi dedicato alla Regina, i detti si accomodano intorno alla tavola imbandita.

Don Ilivaro vigila sulla bella Settimia: il Devotenskof, infatti, cerca sempre di attirare la sua attenzione. Don Marondo, Lord Ivanney e Marinna si scambiano le ultime novità sulle vicende amorose degli ospiti dell’albergo. Il Cavalier Tomfiore cerca, invano, di farsi perdonare dalla bella Contessa di Claudeville, che però ha già rivolto le sue attenzioni verso il Barone di Vasconok.

Madama Augnese, felice, invita tutti gli ospiti a brindare, ognuno nella propria lingua, alla lunga vita della Regina Ping. Gli ospiti accolgono l’invito e Marinna, con la propria arpa, accompagna il concertato finale “A te, oh diva, leviamo i calici”.

A cura di

Augnese e Maria perpetua

La solita Traviata?

2011-01-10T17:09:00.000+01:00

La Traviata al Teatro Fraschini di Pavia

Reduce dal terzo appuntamento con la stagione del circuito lombardo, debbo rilevare anche quest’anno, la presenza di un cartellone che si rivela una fucina di ottime scelte ( vuoi per gli interpreti, vuoi per le regie o per l’originalità dei titoli), tanto da giustificare le trasferte da diverse regioni d’Italia confermando il buon livello qualitativo che aveva già ampiamente dimostrato lo scorso anno. Questa volta si trattava di un titolo che solitamente funziona da “riempisala” per il pubblico locale ma che poteva fungere da deterrente per chi si muove da fuori zona (io sessa non ero particolarmente invogliata a spostarmi per vedere un titolo già visto innumerevoli volte e magari con interpreti più blasonati) invece anche questa volta ne è valsa la pena: merito soprattutto della bella regia de Carlo Cigni e della brava interprete principale Iolanda Auyaunet che, senza voler gridare al miracolo, ha saputo delineare un buon personaggio e non è certo seconda ad altre colleghe che si esibiscono su palchi più importanti.

Ma procedendo per ordine: la regia era affidata ad una collaudata conoscenza del circuito, (quel Carlo Cigni che lo scorso anno realizzò la deliziosa e originale regia della Figlia del Reggimento). Questa volta Cigni ha ambientato la vicenda negli anni 40/50 avvalendosi di poco o nulla per delineare gli ambienti: due pareti grigie rifinite di cornici a stucco giusto per creare l’idea di un interno borghese ed una scena vuota riempita solo di sedie trasparenti (forse a simboleggiare il mondo vacuo e inconsistente dei salotti in cui si muove Violetta), unici tocchi di colore: l’enorme lampadario rosso, l’abito rosso e nero di Violetta ed i dettagli rossi che illuminavano gli abiti neri dei partecipanti alla festa di lei. La stessa stanza poi si rivelerà nella scena finale in tutta la sua devastante solitudine con il lampadario appoggiato a terra in un angolo e le stesse sedie riunite al centro e coperte da un cellophane pronte per essere portate via una dopo l’altra dall’ufficiale giudiziario venuto a pignorare i mobili e che, in un estremo gesto di pietà, viene convinto da Annina a lasciare almeno una ultima sedia per Violetta ormai sfinita dalla malattia. Quell’unica sedia su cui siede la protagonista, viene utilizzata anche all’inizio dell’opera, collocata in proscenio durante l’ouverture, ove a scena ancor vuota Violetta entrerà e su di essa siederà pensosa venendo raggiunta da una scarna figura in nero simboleggiante la morte che la affiancherà sedendole accanto. (figura che tornerà nella scena finale ad accompagnare Violetta verso il passo estremo). E per rimanere sul quadro finale è molto bello il particolare delle scarpe rosse del primo atto abbandonate in un angolo della stanza vuota (e sapientemente illuminate da un fascio di luce) che Violetta tenterà inutilmente di indossare in un ultimo anelito di vita, quando le verrà annunciato l’arrivo di Alfredo, senza però riuscire a reggersi sui tacchi ed accasciandosi miseramente. Altri momenti molto belli sono stati quello del “largo al quadrupede” ove dalla finestra aperta entrano insieme agli schiamazzi del carnevale anche manciate di coriandoli della folla festante in contrasto con la tragedia che si consuma all’interno, o la scena del trasferimento in campagna risolta in maniera semplice ma efficace con il pavimento cosparso di fiori bianchi a simboleggiare un prato fiorito. La recitazione è stata improntata alla accentuazione degli aspetti più passionali dei caratteri: la scena del confronto tra Germont padre e figlio ad esempio non si limita ad una semplice rimbrotto paterno ma si accompagna ad un sonoro ceffone (e qui si crea involontariamente un risvolto comico in quanto subito dopo il ceffone parte la cabaletta “no non udrai rimproveri” che fa un po’sorridere considerato la perdita di self control appena dimostrata dal padre) oppure la scena del lancio del denaro da parte di Alfredo contro Violetta alla festa di Flora viene espressa in maniera piuttosto violenta con la poveretta strattonata malamente e gettata riversa sul tavolo!

Sul versante del canto la protagonista come dicevo sopra è stata una Violetta più che soddisfacente: partita un pò intimidita forse nel tentativo di risparmiarsi per il secondo atto (o forse perchè la recita a cui io ho assistito io era la prima in assoluto di quel titolo in tutto il circuito per cui probabilmente ha giocato anche l’emozione) ma via via che lo spettacolo proseguiva è diventata sempre più sicura di sé liberando un canto sciolto ed emozionante il timbro non è bellissimo ma il canto è corretto gli acuti ben emessi: la sua Violetta convince e sa emozionare! Un pò al di sotto ,ma tutto sommato dignitosi gli altri interpreti: a partire dall’Alfredo di Jean-François Borras forse un po’leggero ma corretto, al papà Germont di Damiano Salerno un pò scolastico ma apprezzabile! Buona la direzione di Pietro Mianiti e sempre ben preparato il coro del Circuito Lombardo che anche questa volta ha fornito un’ottima prova. Spettacolo dunque molto ben riuscito, elegante gradevole che rendeva meritevole una trasferta fuori città.

La Traviata
di Giuseppe Verdi
Melodramma in tre atti
musica di Giuseppe Verdi
su libretto di Francesco Maria Piave, dal dramma La Dame aux camélias di Alexandre Dumas figlio
Prima rappresentazione Venezia, Teatro La Fenice, 6 marzo 1853
Personaggi ed interpreti
Violetta Iolanda Auyaunet
Alfredo Germont Jean-François Borras
Giorgio Germont Damiano Salerno
Flora Marianna Vinci
Gastone Saverio Pugliese
Barone Douphol Mirko Quarello
Dottor Grenvil Luciano Leoni
Annina Mila Pavlova
Marchese D'Obigny Pasquale Amato

Direttore
Pietro Mianiti
Regia
Andrea Cigni
Scena e costumi
Dario Gessati
Costumi
Agnese Rabatti
Light designer
Fiammetta Baldiserri
Nuovo allestimento
Coro del Circuito Lirico Lombardo
Maestro del coro
Antonio Greco
Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano
Coproduzione dei Teatri del Circuito Lirico Lombardo
Teatro Fraschini di Pavia, Teatro Grande di Brescia, Teatro Ponchielli di Cremona, Teatro Sociale di Como - As.Li.Co.

A cura di
Lucia Pinghella

Gala di Danza al Regio di Parma in favore della Croce Rossa

2010-12-20T21:40:00.050+01:00

"Pas de quatre" Gala di danza, Teatro Regio di Parma

Una serata all'insegna della danza per qualche componente dell'Allegra Brigata! Il Comitato Nazionale Femminile della Croce Rossa Italiana e il Teatro Regio di Parma hanno organizzato una serata di Gala con la partecipazione di Gilda Gelati per la raccolta di fondi da destinare all'Unità Pediatrica e Oncologica dell'Azienda Ospedaliera Universitaria di Parma. Oltre alla ballerina parmigiana si sono esibiti per il pubblico del Regio Marta Romagna, Alessandro Grillo, Gabriele Corrado, Stefania Ballone, Marco Messina, Lara Montanaro, Lienz Chang, Francesca Podini, Giuseppe Conte, Christian Fagetti e Salvatore Perdichizzi.

Particolare successo ha riscontrato tra il pubblico parmigiano il "Pas de quatre" interpretato però da quattro ballerini. La cosa ha suscitato dapprima stupore con rumoreggiamento insistente, poi curiosità e infine il pubblico è esploso ad applaudire continuamente. Una interpretazione bellissima ed autoironica che ha coinvolto il pubblico e raccogliendo vere e proprie ovazioni. Uno spettacolo nello spettacolo :)

I nostri complimenti a tutti i ballerini per la bellissima serata che ci hanno offerto.

Programma della Serata

- Il lago dei cigni (Marta Romagna, Alessandro Grillo, Gabriele Corrado)
- Direfarebaciare (Stefania Ballone e Marco Messina)
- Vals para dos (Lara Montanaro e Lienz Chang)
- La morte del cigno (Francesca Podini)
- Spartacus (Gilda Gelati e Gabriele Corrado)

- Sogno di una notte di mezza estate (Gilda Gelati e Alessandro Grillo)
- Per una volta (Stefania Ballone e Lara Montanaro)
- Apollon Musagète (Marta Romagna e Gabriele Corrado)
- Pas de quatre (Giuseppe Conte, Christian Fagetti, Marco Messina, Salvatore Perdichizzi)

Buon Compleanno a Parma Lirica!!!

2010-12-18T00:37:00.000+01:00

L'associazione Parma lirica ha iniziato oggi i festeggiamenti per i suoi 40 anni di attività e lo ha fatto alla grande con un bellissimo concerto!
Il tenore Celso Albelo, la moglie Virginia Wagner e il baritono Luca Salsi hanno offerto al pubblico un concerto degno delle grandi occasioni!
Purtroppo la neve caduta abbondantemente poche ore prima del concerto ha impedito alla maggior parte del pubblico (diciamocelo non solitamente molto giovane) di raggiungere la sala da concerti).
Standing Ovation per la performance di "Mes Amis" dalla Figlia del Reggimento. L'ultimo di 9 perfetti do è stato tenuto incredibilmente a lungo. Grande prestazione quella del Baritono parmigiano Luca Salsi. La voce è ormai matura per affrontare ruoli importanti. Ottima anche la prova del soprano Virginia Wagner.

Luca Salsi - "Eccomi solo alfine…O vecchio cor, che batti" I due Foscari di G. Verdi
Celso Albelo - "Spirto gentil" La favorita di G. Donizetti
Virginia Wagner - "L'aria dei gioelli" Faust di C. Gounod
Luca Salsi - "Nulla!... Silenzio!" Il Tabarro di G. Puccini
Celso Albelo e Virginia Wagner - "Duetto: Una parola, O Adina" L'Elisir d'amore di G. Donizetti
Luca Salsi - "Prologo" I Pagliacci di R. Leoncavallo
Virginia Wagner - "Io son l'umile ancella" Adriana Lecouvreur di F. Cilea
Celso Albelo - "Una furtiva lagrima" L'Elisir d'amore di G. Donizetti
Celso albelo e Luca salsi - "La donna è un animale..." L'elisir d'amore di G. Donizetti
Celso Albelo - "Ah! Mes amis!" La Figlia del Regimentodi G. Donizetti
Virginia wagner - "Adieu, mon petit table" Manon di J. Massenet
Luca Salsi - "Pietà, rispetto, onore" Macbeth di G. Verdi

Al pianoforte Simone Sabina

La Traviata riapre le porte del Carlo Felice di Genova

2010-12-13T13:15:00.000+01:00

Grande riapertura del Carlo Felice di Genova con una Traviata da ricordare!

E’ stata davvero una bella serata il 9 Dicembre al Carlo Felice, che ha avuto come protagonisti assoluti Francesco Meli e Luca Salsi: entrambi hanno dato una lettura intensa ed efficace dei loro ruoli (rispettivamente: Alfredo e Giorgio Germont) con una voce priva di difetti, limpida e ben poggiata.

Il primo atto è stato, in realtà, deludente: il direttore d’orchestra, Fabrizio Maria Carminati, ha completamente coperto i cantanti senza, peraltro, offrire grandi emozioni musicali; Norah Amsellem è stata una Violetta senza spessore, con una voce a tratti “metallica”, che in alcuni momenti aveva anche dei brutti difetti di pronuncia; “fuori dal coro” Francesco Meli, peccato però che l’orchestra lo ha fatto emergere poco.

Il secondo atto è stato decisamente più convincente: bravissimo sin da subito Francesco Meli, che ha eseguito “Lunge da lei” e “Oh mio rimorso, oh infamia” con voce piena e sicura; grande prova di Luca Salsi, un Giorgio Germont davvero credibile, sia nella voce che nell’interpretazione, molto bravo nel duetto con il soprano che, proprio nel secondo atto, è riuscita a delineare una Violetta molto più intensa e vocalmente priva di grandi difetti. Ben calibrata l’orchestra, che ha accompagnato i cantanti sottolineando le diverse sfumature musicali che caratterizzano tutto il primo quadro. Bella la scena della festa in casa di Flora con Zingarelle e Matadori coinvolgenti e un bellissimo concertato finale.

Nel terzo atto, poi, una Violetta “nella norma”, portata pero’ spesso fuori tempo da un’Annina, Raffaella Zanardi, non in grado di reggere un ruolo, non certo importante, ma che se è eseguito male si fa notare! Ancora una volta bravissimi Francesco Meli e Luca Salsi, tra l’altro davvero in sintonia.

Deludenti un po’ tutti i comprimari, tranne Matias Tosi che vestiva i panni del Dottor Grenvil. Piacevole, invece, la scena: pochissimi gli arredi sul palcoscenico per lasciare spazio a bellissime scene dipinte a mano, riflesse in una enorme parete fatta di specchi, che nel terzo atto, sulle note di “Prendi, quest’è l’immagine” ha reso protagonista il pubblico della platea.

Sicuramente una serata da ricordare, dal punto di vista musicale ed anche perché rappresenta un momento importante per il Teatro Carlo Felice………. ho pero’ sentito molto la mancanza dell’Aber!

A cura di
Augnese e Maria perpetua

Gobeth

2010-12-07T11:23:00.000+01:00

Gobeth

Atto primo

Scena prima
Il giovane Gobeth con l'amico Gjinquo entra nel parco della sua antica villa. Il suo aspetto nobile e i suoi abiti eleganti contrastano con l'aria triste ed abbattuta. Egli si lamenta coll'amico della sua sfortuna: nonostante appartenga a una nobilissima stirpe, imparentata con le Case regnanti europee, è caduto in miseria ed è stato costretto a sposare una donna più vecchia di lui, ricca e spregiudicata, dal carattere dispotico, maniaca degli spettacoli operistici e teatrali, ai quali Gobeth suo malgrado è costretto ad accompagnarla. Egli è convinto di poter aspirare grazie al suo fascino e alla sua bellezza, alla fama e al successo. L'amico saggiamente lo invita a considerare i vantaggi di questa unione: la vita comoda, i begli abiti, le auto, tutto gli viene da Lady Gobeth ("Tutte le vanità")
Gobeth non pare convinto.

Scena seconda
Ma ecco che a trarlo dalle sue malinconiche riflessioni giungono tre carampane dall'aspetto inquietante che gli si fanno intorno insinuanti e gli predicono che presto salirà agli onori delle cronache, e che lo attendono fama, fortuna e infine un trono.
Gobeth entusiasta si avvia verso la villa.

Atto secondo
Nel lussuoso boudoir, mentre riordina i numerosissimi programmi di sala e le foto autografate dagli artisti, lady Gobeth si lascia andare a rabbiose riflessioni sulla condotta del giovane sposo. Disordinato, spendaccione, preoccupato solo del suo look, il nobile che ha impalmato per averne promozione sociale si è rivelato una completa delusione: la Lady sfoga la sua frustrazione in un veemente monologo ("Viene e s'affretta a spendere")

Scena seconda

Lady Gobeth medita il delitto

Giunge alla Lady un plico che le annuncia che Re Vascano, di cui in teoria Gobeth potrebbe essere erede, soggiornerà nella loro villa durante una missione ufficiale.
La perfida dama intravede la possibilità di sfruttare l'occasione per liberarsi del marito che la sta precipitando nella miseria e per ottenere l'agognata promozione nel jet set internazionale.
Arriva Gobeth e racconta alla Lady la profezia delle tre carampane.
Negli occhi della Lady si accende una luce satanica: ecco la soluzione, Gobeth dovrà uccidere il re e salire al trono. In ogni caso, che il delitto raggiunga o no lo scopo, susciterà grande clamore, e la spregiudicata Lady saprà approfittarne per salire alla ribalta delle cronache mondane. Quindi con grande forza apostrofa il marito nell'aria "Il conto langue" e nella successiva cabaletta "Sveglia, infermo, oppure sbrocco" e lo convince a compiere l'omicidio.
Insieme prefigurano il loro radioso avvenire nel duetto "Ora le corti ed il jet set"

Scena terza
Lady Gobeth riceve le tre strane donne, che si rivelano essere conduttrici televisive, Leo Nasciarelli, Viola De Pippi e Mariantonia Maggiuzzi. La lady non si fa sfuggire l'occasione e concorda una diretta da villa Gobeth durante la visita di re Vascano.
Le tre si accordano per la trasmissione nel rondò "Tre volte inquadrala, la lady in fregola"
Intanto lady Gobeth scaccia dalla villa l'amico Gjinquo, temendo che la sua alacre perspicacia possa far fallire i suoi piani, e che egli possa metterla in ombra con la sua personalità.

Atto terzo

Scena prima
Il re è giunto e si trova nella sua stanza, nell'anticamera Gobeth si accinge a consumare l'orrendo crimine. Ma mentre sta per entrare dal re, si accorge di non avere l'arma che l'ignaro Gjinquo gli aveva prestato (aria "Dove ho messo il pugnal?")

Lady Gobeth in mondovisione

Scena seconda
Affannato corre a cercare l'aiuto dell'amico, ma si imbatte invece in Lady Gobeth che si trova in collegamento tv in mondovisione.
Furiosa per l'interruzione e per l'incapacità del marito, ella gli rivolge una sequela di maledizioni tratte dalle opere da Monteverdi ai giorni nostri, materia in cui si rivela ferratissima. Il re Vascano richiamato dal trambusto, è impressionato dalla sua personalità e dalla sua competenza e le offre il ruolo di soprintendente alle stagioni liriche del suo Paese. Trionfante alla prospettiva di mettere in scena opere neglette con regie avveniristiche, la lady comunica al marito che se andrà e canta la sua gioia ("Una pacchia è qui, signori") mentre lo sconcertato Gobeth si preoccupa del suo avvenire di sposo abbandonato e soprattutto povero ("Era racchia, ma signora")

Scena ultima
Ma ecco il colpo di scena: la De Pippi, deus ex machina, colpita dal fascino telegenico di Gobeth, gli offre il ruolo di tronista nella sua trasmissione, e uno stuolo di belle pretendenti entra cantando "Gobeth dov'è?"

Gobeth tronista dalla De Pippi

Apoteosi finale del nobile giovane nell'aria "Beltà, contratti, Briatore"

A cura di
Leonora Prassede

Madama Butterfly al Teatro Regio di Torino

2010-12-06T16:49:00.002+01:00

Foto Ramella&Giannese - Teatro Regio di Torino

È un pugno nello stomaco questa Butterfly firmata Damiano Michieletto: una lettura lucida ed illuminata di un libretto che non ha nulla dell’aura edulcorata di cui solitamente si ammanta quest’opera, una lettura che avrà forse deluso lo zoccolo duro degli irriducibili sognatori che non vogliono altro che abbandonarsi ad una zuccherosa storia d’amore! Di romanticismo ce n’è ben poco in questa visione, ma a ben vedere , ce n’è poco anche nel libretto di Illica e Giacosa: basta porre attenzione a quello che dice Pinkrerton durante la trattativa con Goro per l’acquisto della casa: “Brindo al giorno in cui mi sposerò con vere nozze a una vera sposa americana” (chissà perché prima non l’avevo mai notata questa frase)……

È chiaro invece perché questa frase di solito passa quasi inosservata: perché tutti noi vediamo solo quello che vogliamo vedere: e quello a cui ci hanno abituati le classiche trasposizioni di Butterfly è la romantica storia d’amore in cui identificarci (si certo, nel finale Pinkerton è un po’ mascalzoncello, si stanca presto di questa giovane gheisa, ma vogliamo illuderci che Butterfly sia stata, anche se per poco tempo, amata veramente, che il suo abbandono sia stato determinato da cause di forza maggiore ove la lontananza ha poi giocato a suo sfavore, ma mai ci siamo particolarmente indignati verso Pinkerton!) Michieletto invece ci fa indignare: ci fa vedere la storia per quello che è: un’attualissima squallida storia di turismo sessuale ai danni di una minorenne nel lontano oriente e Pinkerton: un ricco americano abituato a comprare tutto ciò che gli serve compreso il sesso! Così il duetto d’amore tra i più celebri del melodramma viene spogliato di tutto il suo romanticismo e reso nella sua dolorosa crudezza: come una dichiarazione a senso unico di una Butterfly innamorata ad un Pinkerton che ripete parole vuote mentre beve e si ubriaca in attesa di mettere le mani addosso con lascivia alla sua preda!.. Paradossalmente il duetto così proposto, risulta ancora più commovente di quanto lo sarebbe stato in una versione “classica” in quanto viene ingigantita la solitudine e la vittimizzazione di lei! E tutto ciò senza tradire assolutamente Puccini ed i suoi librettisti (Ma vi siete mai resi conto del cinismo di cui è intriso tutto il dialogo con Sharpless del 1° atto ad esempio?: frasi come “La comperai per novecentonovantanove anni, con facoltà, ogni mese,di rescindere i patti. sono in questo paese elastici del par, case e contratti.” o quella che esprime il suo “facile vangelo”: “Dovunque al mondo lo Yankee vagabondo si gode e traffica sprezzando rischi, Affonda l'áncora alla ventura….La vita ei non appaga se non fa suo tesori fiori d'ogni plaga, d'ogni bella gli amor.”e ancora : “il suo talento fa in ogni dove. Così mi sposo all'uso giapponese per novecentonovantanove anni. Salvo a prosciogliermi ogni mese ”…Sono frasi che abbiamo sentito innumerevoli volte quando abbiamo assistito a quest’opera eppure non ci abbiamo mai fatto caso e c’è voluto Michieletto con questa lettura che io ho trovato “illuminante” per porvi attenzione.

Ma andiamo con ordine : l’ambientazione creata, è la periferia di una grande città orientale (non tanto il Giappone quanto un oriente più generico forse più simile ad Hong Kong o Singapore) un paese comunque toccato dal consumismo americano tutto panelli pubblicitari, bancarelle di cianfrusaglie a poco prezzo e donne esposte in vetrina altrettanto in vendita. In questa lettura Michieletto riesce a dare un’anima anche ai personaggi minori e così ecco Goro trasformato in pappone/faccendiere sempre pronto a ricavare qualche buon affare dai suoi loschi giri, lo zio Bonzo simbolo della tradizione e della spiritualità relegato su di una sedia a rotelle ovvero reso impotente da questo mondo basato solo sul consumismo e dove la religione non conta più nulla, Kate Pinkerton trasformata in una specie di Ivana Trump cinica ed arrogante che non esita nemmeno lei a tirare fuori i soldi per procurarsi ciò che desidera e strappare il bambino dalle braccia di sua madre e poi il bambino (bravissimo attore tra l’altro) a cui viene dato spazio rendendolo protagonista di un episodio di bullismo da parte di coetanei che non lo riconoscono come uno di loro. In mezzo a questa atmosfera di cinismo e squallore brilla come un faro un piccolo momento di poesia: quello del coro a bocca chiusa (pezzo che solitamente non mi prende un gran che e che mi limito a sopportare con indifferenza ) mentre qua m’è parso un piccolo gioiello: pura poesia supportato poi da questo momento di dolcezza in cui i figuranti che reggono lanterne colorate si aggirano nella penombra a vegliare il sonno di Butterfly quasi una visione onirica del mondo di dolcezza che lei sogna!

Se lo spettacolo funziona bene è anche per la perfetta coerenza tra la parte musicale e quella scenica ovvero: si capisce che il maestro Pinchas Steinberg ha lavorato a stretto contatto con Michieletto per restituire anche sul piano musicale quelle stesse sensazioni che si ricavano dal piano visivo, ovvero una lettura secca energica che non indugia in facili melasse ma aggiunge drammaticità al testo. Sullo stesso registro si sonno mantenuti i protagonisti: due solidi professionisti che non avranno brillato per particolari raffinatezze ma che hanno saputo infondere con un canto corretto e ben proiettato il giusto tono alla’opera! Dotati entrambi di grande squillo forse i loro limiti sono stati: per Hui He la tendenza un po’ all’urlo in acuto e per Pisapia quella di cantare tutto un po’ sul “forte” senza eccessive sfumature ma tutto sommato questo stile si sposava perfettamente con le esigenze sceniche perchè imprimeva al personaggio la necessaria "durezza". Molto bravo il terzo protagonista: Simone Alberghino che è riuscito a delineare con la presenza scenica ed il bel timbro brunito uno Sharpless dapprima elegante e distaccato poi compartecipe e commosso dal dramma di Butterfly Altrettanto buoni i vari comprimari a partire dalla Suzuki di Giovanna Lanza, Yamadori di Paolo Maria Orecchia (l’unico però la cui caratterizzazione scenica non mi ha convinto perchè presentato come un vecchio molto “male in arnese” e quindi comprensibilmente rifiutato da Butterfly) lo zio Bonzo di Riccardo Ferrari e il Goro di Gregory Bonfatti (molto più convincente scenicamente che vocalmente ma comunque un personaggio che riesce a calamitare l’attenzione) buoni tutti gli altri e ottimo come al solito lo splendido coro del Regio! Uno spettacolo insomma di grande impatto emotivo, che funziona bene e certamente non lascia indifferenti!

Madama Butterfly
Tragedia giapponese in tre atti
Libretto di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa
dal racconto di John Luther Long
e dal dramma di David Belasco
Musica di Giacomo Puccini

Personaggi Interpreti
Madama Butterfly(Cio-cio-san) soprano Hui He
F.B. Pinkerton, tenentedella marina U.S.A. tenore Massimiliano Pisapia
Sharpless, console U.S.A.a Nagasaki baritono Simone Alberghini
Suzuki, servente di Cio-cio-sanmezzosoprano Giovanna Lanza
Goro, nakodo tenore Gregory Bonfatti
Il principe Yamadori baritono Paolo Maria Orecchia
Lo zio bonzo basso Riccardo Ferrari
Il commissario imperiale basso John Paul Huckle
L'ufficiale del registro baritono Franco Rizzo
Yakusidè basso Marco Sportelli
Kate Pinkerton mezzosoprano Roberta Garelli
La madre di Cio-cio-sanmezzosoprano Daniela Valdenassi
La cugina soprano Anna Maria Borri (
La zia soprano Maria de Lourdes Rodrigues Martins
Il figlio di Butterfly mimo Luca Bosso

Direttore d'orchestra Pinchas Steinberg
Regia Damiano Michieletto
Scene Paolo Fantin
Costumi Carla Teti
Luci Marco Filibeck
Assistente alla regia Roberto Pizzuto
Assistente alle scene Daniele Pietrobon
Assistente ai costumi Andrea Grazia
Maestro del coro Claudio Fenoglio

Orchestra e Coro del Teatro Regio

A cura di
Lucia Pinghella

POWDER HER FACE ovvero L’arte della fellatio (Bologna 9/11/2010)

2010-11-24T10:25:00.000+01:00

Anche quest’anno, nel solco della ormai consolidata collaborazione con il teatro di Lugo di Romagna, il comunale di Bologna ha cooprodotto un’opera che è andata in scena nei giorni scorsi (Precisamente il 9 e l’11 di novembre) dopo l’esordio primaverile al teatro Rossini di Lugo. Trattasi dell’opera moderna di Powder her face scritta nel 1995 dal compositore britannico Thomas Adès su Libretto di Philip Hensher tratto da una storia vera: l’ascesa sociale e conseguente caduta della Duchessa d’Argyll che negli anni ‘60 scandalizzo i salotti inglesi per i suoi eccessi sessuali e fece parlare le cronache mondane per la sua miliardaria causa di divorzio.

La storia prende in considerazione quella sua parte di esistenza che va dagli anni 50 (ovvero quando Ethel Margaret Whigham, proveniente dalla ricca borghesia londinese, divorziò dal primo marito: il miliardario americano Charles Sweneey, per sposare Ian Campbell Duca d’Argyll) al 1993, (quando finì in miseria cacciata dalla suite dell’albero in cui si ridusse a vivere negli ultimi venti anni sommersa dai debiti per finire a morire pochi anni dopo In una modesta clinica londinese).

Ma Ecco come Lady Margaret Whigham Sweneey sì trovò a diventare Margaret Campbell, duchessa di Argyll: dopo il divorzio dal primo marito, conobbe Ian Campbell Duca d’Argyll (nobiluomo dalle finanze alquanto dissestate a causa del dissoluto tenore di vita) che vide in lei la “gallina dalle uova d’oro” atta a rimpinguare il patrimonio perduto così la sposò senza pensare di modificare minimamente il suo consolidato stile di vita da scapolo, ma recandole in cambio in dote il titolo nobiliare di “duchessa”! Margaret donna ricca, bella e piena di successo, non si crucciò poi troppo delle scelleratezze del marito ma gli rese pan per focaccia dedicandosi alla frequentazione dei salotti mondani ed alla soddisfazione dei più sfrenati appetiti sessuali facendo parlare di se per la collezione dei numerosi amanti e le spregiudicate pratiche sessuali (tra le quali la fellatio a cui si favoleggia fosse particolarmente dedita). Il disinvolto libertinaggio della duchessa però, offrì il destro al marito per dare il via ad una miliardaria causa di divorzio, che si trascinò per anni concludendosi con la dura e moraleggiante sentenza di condanna del bacchettone giudice in carica e mise in piazza parecchi risvolti piccanti coinvolgenti i personaggi più in vista dell’alta società londinese causandole l’allontanamento dai salotti “bene” frequentati sinora. Si ridusse così a vivere per una ventina d’anni in albergo accumulando debiti e finendo piano piano in miseria. Rimase comunque sulla breccia fino al 1990, quando venne espulsa dalla sua suite dell'Hotel Dorchester per insolvenza, lasciando un debito di 33mila sterline e trasferendosi così nella casa di cura St. George di Pimplico dove nel 1993 morì.

La struttura formale di Powder her face è per quadri (esattamente otto) dove sono cristallizzate Ie situazioni salienti della vicenda. La struttura musicale invece è quella di un’opera da camera per un organico di 15 elementi in cu le percussioni la fanno da padrone. Come molte opere novecentesche si fonda essenzialmente su un declamato che si sviluppa su un impianto musicale parecchio dissonante anche se occasionalmente si può trovare qualche accenno di aria chiusa con una sorta di melodia più “classica” diciamo. E’ interessante però il fatto che questa dissonanza si sviluppi da una base di diversi generi musicali perfettamente riconoscibili legati alle atmosfere musicali dell’epoca in cui si snoda la vicenda. Nella parte iniziale ad esempio vi è una ‘allusione al jazz di Cole Porter (compositore molto in voga nei salotti dell’epoca che addirittura compose una canzone dedicata alla duchessa) in altri punti invece la musica richiama le atmosfere di Kurt Weill, di Alban Berg, e Stravinsky , mentre su finale i tanghi di Piazzolla.

E’ una di quelle opere che hanno la caratteristica di tante opere novecentesche ovvero: si fonda piu’ sulla teatralità che sul canto pertanto mi risulta difficile giudicare l’aspetto vocale in quanto, in mezzo a tanta dissonanza, non essendoci una linea melodica vera e propria e fondandosi in gran parte il canto sul declamato, non riesco mai a capire se quello che al mio orecchio risulta distorto è voluto o è un errore. Se vogliamo comunque tentare un analisi delle voci si può dire che qualche difetto c’era : Olga Zhuravel era un po’ ingolata, il tenore Mark T. Panuccio un po’ troppo tendente all’urlo, il basso Nicholas Isherwood tendente essenzialmente al forte e l’altra interprete femminile: Zuzana Marková, squillnate in alto ma un po’ più debole in basso. Comunque, ad esser sinceri, l’aspetto vocale in questo tipo di opere non mi importa tanto purchè l’insieme funzioni, perché quello che ti prende è come dicevo l’aspetto teatrale.

La regia gioca dunque un ruolo fondamentale e Pier Luigi Pizzi secondo me è riuscito in gran parte (anche se non completamente) a centrare l’obiettivo. Sicuramente l’aspetto glamour dell’allestimento è stato il punto di forza dello spettacolo che ha saputo attrarre l’occhio dello spettatore coinvolgendolo sapientemente: egli ha creato infatti, un’unica scena costituita da un’elegante e lussuosa stanza d’albergo completamente rosa fuxia (dalle pareti agli arredi agli accessori) nell’ambito della quale si muovevano i personaggi altrettanto eleganti e di affascinante presenza scenica complici oltre all’aspetto fisico gli splendidi costumi. In praticolar modo è perfetta nel ruolo della duchessa la bella e fascinosa Olga Zhuravel che riesce ad incarnare perfettamente questo tipo di personaggio pieno di charme e di aristocratica eleganza. Altrettanto affascinante l’altra interprete femminile che (come avviene per gli altri interpreti dell’opera ad eccezione della duchessa) interpreta più ruoli (la cameriera, la giornalista, una passante, l’amante del duca.. ) ed offre pure uno splendido nudo integrale. Insomma Pizzi ha creato un quadro perfetto del mondo vacuo e salottiero dell’alta società londinese di quegli anni: annoiata e perversa sotto un’apparenza rigidamente formale ed è riuscito risolvere con eleganza anche la scena “cool” della fellatio con la collocazione tra le cortine del sontuoso letto a baldacchino che permette di lasciar vedere quel tanto che basta per far intuire quello che sta succedendo senza trasformare la scena nel set di un film porno! L’allestimento però ha un limite, ovvero: quello di annullare lo spazio temporale della vicenda facendola risultare appiattita in uno statico presente ed insieme all’annullamento temporale viene a perdersi l’evoluzione dello stato sociale e psicologico della protagonista. Questo aspetto l’ho riscontrato soprattutto leggendo, (dopo aver già visto la messa in scena), iI libretto dell’opera ove ci sono note di regia ben precise ad indicare ad esempio che la scena iniziale e quella finale (che ne è la ripresa) dovrebbero essere ambientate in una squallida stanza di albergo recante le vestigia di un tempo che fu, simbolo del degrado morale e materiale in cui è scivolata la duchessa e, si dovrebbe respirare un’aria di malinconica nostalgia in stile “Viale del tramonto” .Tutto questo invece dall’allestimento di Pizzi non traspare assolutamente visivamente se non in qualche gesto (come nel quadro finale quando la duchessa, cacciata dal direttore dell’albergo per insolvenza, tenta come ultima chance di salvezza, la profferta di un’ennesime prestazione orale vedendosi però rifiutata e cadendo a terra annientata) Ciò non toglie comunque che lo spettacolo sia stato apprezzato dal pubblico, scarso ma entusiasta della prima, da cui è stato accolto con successo e applaudito calorosamente all’unanimità e con convincimento!

POWDER HER FACE ovvero: l’arte della fellatio
BOLOGNA 9/11/10

Opera da camera in due atti di Thomas Adès
Libretto di Philip Hensher

direttore Philip Walsh
luci Vincenzo Raponi
regia, scene e costumi Pier Luigi Pizzi
InterpretI
Duchess Olga Zhuravl
Hotel Manager, Duke, Laundryman, Other guest Nicholas Isherwood
Electrician,Lounge Lizard, Waiter, Priest, Rubbernecker, Delivery Boy Mark T. Panuccio
Maid, Confidante, Waitress, Mistress, Rubbernecker, Society Journalist Zuzana Marková

A cura di
Lucia Pinghella

Er FIghende Albaner

2010-11-18T16:25:00.004+01:00

L'albanese volante

(Er FIghende Albaner)

Il Nokius errante pei mari

Atto unico
Musica di Wurter Sturmentrapp
Libretto di Leonor Röstfrieten

Personaggi

L'albanese volante          Baritono
Il nostromo Göband        Tenore
Sentania                        Soprano
Pinglinde                         Mezzo
Vask Ovi                         Basso

Coro dei marinai e dei mercanti e delle mercantesse.

Scena: un tetro porto del Nord.

Scena prima

Er fighende...

I marinai in sosta nel porto ingannano il tempo raccontando storie di marineria. Essi narrano la triste vicenda dell'Albanese volante e del suo vascello Nokius, condannati a vagare sui mari in eterno per aver maledetto il mago Ioebhs Appöl. Solo l'amore di una fanciulla innocente potrà liberarli dal sortilegio.

Scena seconda
Ed ecco entrare nel porto il vascello fantasma: il Nokius ha le nere vele a brandelli, le scialuppe senza remi, dagli alberi pende il sartiame aggrovigliato, al posto dell' ancora è legata una grande roccia scura.

Il nostromo Göband

Ne discendono l'Albanese, visibilmente alterato, e il nostromo Göband, che invece è ben vestito e accuratamente pettinato.
Tra loro si svolge una grandiosa scena, le loro voci si intrecciano in un duetto di volta in volta solenne, burrascoso e malinconico, a cui fanno da contrappunto e sottofondo le voci del Coro dei Marinai.
L'Albanese maledice la sua sorte tragica, il sempiterno vagare di oceano in oceano. Il giovane Göband gli ricorda che in questo suo girovagare egli sta diventando un eroe per molti, visto che essi ricorrono a lui per ogni problema.
A questo punto l'Albanese vieppiù infuriato ricorda a Göband l'infinito elenco di riparazioni di ogni genere che si è già sobbarcato, e dichiara di essere stanco. E a ciò si aggiungono le peripezie dovute a Göband stesso: non ricorda il nostromo di quando ha scordato l'ancora nel porto di Vöron, di quando ha perso i remi delle scialuppe, di quando ha dimenticato di ammainare le vele durante la tempesta? E non pensa a quante volte ha sbagliato la rotta, conducendo il Nokius ad incagliarsi sulle secche o a sfracellarsi contro gli scogli?

E a quante volte il Nokius ha rischiato di andare a fuoco a causa della sua imperizia nel spegnere i bracieri?

Scena terza

L'allegra Pinglinde

Göband tenta di calmare la furia dell'Albanese, e per sua fortuna sopraggiunge un folto gruppo di mercanti e mercantesse che iniziano gioiosamente ad allestire un variopinto mercato. Tra loro brilla per maliziosa vivacità Pinglinde: ella è ben felice di vedere l'Albanese, che già in passato ha incontrato in vari porti, trovando sempre occasione di fargli aggiustare qualcosa. L'Albanese sbianca alla sua vista e tenta di riguadagnare il suo vascello, ma Göband lo trattiene attratto dalla vista delle mercanzie esposte.

Scena quarta
Ed ecco accadere il miracolo: una musica estatica (il tema di Sentania) annuncia l'arrivo di una fanciulla splendente di gioventù e di innocenza. Tra Sentania e l'Albanese scocca uno sguardo, una sovrumana scintilla, ed essi sono legati per sempre.

La bella Sentania

I due, sconvolti dalla profondità dei sentimenti, si lasciano dandosi appuntamente all'isola del Faro di lì a un'ora.

Scena quinta
Ma Pinglinde, intuendo che l'amore di Sentania metterà fine alle peregrinazioni dell'Albanese e quindi ai suoi provvidi interventi riparatori sulle sue merci, trattiene Sentania e la conduce verso il mercato, dove la giovane si abbandona ad un'orgia di acquisti perdendo la nozione del tempo.

Scena sesta
L'Albanese che ha raggiunto a nuoto l'isola perché ovviamente Göband aveva scordato di ormeggiare la scialuppa, non vedendola giungere canta la sua disperazione.

Ma ecco compare provvidenziale il buon mago Vask Ovi che gli consegna la mappa del mercato e gli dà le indicazioni per raggiungere Sentania e liberarla dal malefico influsso di Pinglinde.

Il grande Mago Vask OVI

Scena settima e ultima
Sentania e l'Albanese possono ricongiungersi, e liberi dalla maledizione vivere insieme per sempre.
Nella grande scena finale essi inneggiano all'Amore che infonde al creato la vita, mentre Pinglinde promette a Göband abiti lussuosi e lozioni per i capelli se le rivelerà dove i due andranno a vivere in modo da poter ancora chiedere i servizi dell'Albanese. Göband felice accetta e canta la sua gioia davanti ad forziere ricolmo di ricchezze.

A cura di
Leonora Prassede

Maria Stuarda al Teatro "Pavarotti" di Modena

2010-11-17T11:34:00.001+01:00

Maria Stuarda - Il finale

Serata d’apertura della stagione d’opera al teatro Luciano Pavarotti di Modena dai toni trionfali! Merito soprattutto della star della serata: la sempre splendida Mariella Devia protagonista di un titolo che non veniva rappresentato a Modena dal lontano 1962. Nome quello della diva (anzi dell’”antidiva”: perchè di questo si tratta nonostante abbia tutte le carte in regola per tirarsela da “vera diva”) che è bastato per muovere le folle da tutta Italia e far vedere un teatro di Modena gremito come solo in poche altre occasioni è successo e soprattutto così vitale e pieno d’entusiasmo come raramente capita: segno evidente che la qualità paga sempre!

L’atmosfera si è subito surriscaldata al suo semplice apparire in scena quando il parterre è esploso in un prolungato applauso (alla faccia dell’etichetta) costringendo il direttore a fermarsi per qualche minuto poi, con l’attacco della prima aria, ha iniziato a deliziarci con la sua linea di canto perfetta, la magistrale tenuta dei fiat, gli splendidi legati ed il fraseggio curato: un mostro di tecnica da far impallidire colleghe più giovani e blasonate. Ha continuato poi ad emozionarci con la superba interpretazione dell’invettiva ed il commovente splendido finale dove inizialmente era parso essersi leggermente trattenuta per poi esplodere nello splendido sovracuto conclusivo.
L’affiancava un cast non altrettanto all’altezza, sebbene abbastanza dignitoso: la punta più debole è stata senz’altro l’antagonista Elisabetta intepretata da Nidia Palacios di voce piuttosto “ballerina” nonchè di timbro più simile a quello di un soprano scuro che di in vero mezzosoprano: peccato perché il ruolo è parecchio esteso ed avrebbe meritato un ‘interprete della stessa caratura dell‘altra regina in modo da mettere in scena due vere antagoniste alla pari il chè avrebbe rafforzato l’esecuzione e valorizzato la resa di entrambe le interpeti. Dalla sua comunque la Palacios diciamo che aveva la presenza scenica abbastanza autorevole per essere credibile nel ruolo di una regina.

Nel ruolo di Leicester al previsto Adriano Graziani indisposto è subentrato all’ultimo minuto il tenore turco Bülent Bezdüz al quale va fatto tanto di cappello per esserne uscito onorevolmente nonostante il mancato tempo per un’ adeguata preparazione: la voce era di volume piuttosto piccolo ma ha cantato con gusto ed è stato corretto ed ha risolto elegantemente la prova in un ruolo estremamente ingranto. Il Lord Talbot di Ugo Guagliardo è partito inizialmente abbastanza sottotono ma poi si è ripreso e nei momenti in cui il suo ruolo lo richiedeva è riuscito a mettersi in luce: gli è riuscito molto bene sia il duetto con Stuarda che la sua aria solistica! Buono il Lord Cecil del sempre corretto baritono albanese Gëzim Myshketa. Buoni coro e orchesta guidati dalla bacchetta non particolarmente ispirata ma funzionale allo spettacolo di Antonino Fogliari (ormai una scelta consolidata in questo ruolo).

L’allestimento è la ripresa di una vecchia regia di Francesco Esposito (che ha curato personalmente anche i costumi ) pensata per il Festival donizettiano di Bergamo una decina d’anni fa e realizzata a basso costo dai laboratori carcerari di un istituto di pena di Napoli (cosa di cui il regista va molto fiero) ed ora riproposta nella coproduzione tra i teatri di Modena e Piacenza! Si fonda su un’idea di base che non sarà originalissima ma che ho trovato abbastanza condivisibile, ovvero l’idea di “prigione” di cui entrambe le regine si trovano loro malgrado a fare le spese, ovvero: quella reale di Stuarda e quella psicologica di Elisabetta, costretta dalla ruolo che ricopre a reprimere i propri sentimenti ed i propri desideri di donna per sottostare alla ragion di stato. L’impianto scenico infatti è caratterizzato da un grossa grata che incombe dall’alto sulla scena e dalle sbarre che circondano il retro della stessa dietro le quali sullo sfondo sta seminascosto dall’oscurità il coro/popolo d’Inghilterra (scelta quest’ultima, spiegata dal regista in conferenza stampa,come la necessità di far apparire il popolo come un entità che nell’ambito della vicenda è sempre rimasto in disparte non si è mai schierato apertamente a favore di una delle due parti, ma ha sempre osservato da lontano gli avvenimenti nella necessità di non inimicarsi il potente di turno!) Per il resto l’impianto scenico sI inserisce nel filone tradizional/minImal ovvero: una scena quasi vuota caraterizzata da un pavimento di metallo che rende un poòdifficoltoso il cammino costringendo ad un incedere cauto e qualche semplice elemento scenico a richiamare di volta in volta l’ambientazione: ovvero il trono nella prima scena lo sfondo con gli alberi nella scena dell’incontro nel bosco e qualcun tavolo ecc Sorretto per la maggior parte dal punto di vista visivo dai bei costumi d’epoca ben curati e riprodotti con perizia. Serata conclusasi come riportato in apertura in un’ovazione unanime a coronare un inizio di stagione che speriamo suoni di buon auspicio anche per tutto il resto della stagione!

Gli applausi finali

MARIA STUARDA
Tragedia lirica in tre atti. Libretto di Giuseppe Bardari,
da Maria Stuart di Friedrich Schiller
Musica di Gaetano Donizetti
Edizione critica a cura di Anders Wiklund
Editore proprietario Universal Music Publishing Ricordi s.r.l., Milano

Personaggi e interpreti
Elisabetta Nidia Palacios (6 novembre) / Veronica Simeoni (7 novembre)
Maria Stuarda Mariella Devia (6 novembre) / Maria Costanza Nocentini (7 novembre)
Roberto, conte di Leicester Bülent Bezdüz
Giorgio Talbot Ugo Guagliardo
Lord Guglielmo Cecil Gezim Myshketa
Anna Kennedy Caterina Di Tonno
Direttore Antonino Fogliani
Regia e costumi Francesco Esposito
Scene Italo Grassi
Luci Fabio Rossi
Maestro del coro Corrado Casati
Assistente ai costumi Françoise Raybaud Pace
Orchestra Regionale dell’Emilia-Romagna
Coro del Teatro Municipale di Piacenza
Allestimento dell’Opéra Royal de Wallonie di Liegi
Coproduzione Fondazione Teatri di Piacenza, Fondazione Teatro Comunale di Modena

A cura di
Lucia Pinghella

Grazie Signora Verrett!

2010-11-07T21:37:00.000+01:00

Scusandoci coi nostri lettori se quest'anno non abbiamo ricordato tutte le dipartite (alcune veramente importanti per il panorama lirico) vogliamo recuperare ricordando questo grandissimo Mezzosoprano (che fece incursioni sopranili) che ci ha lasciati pochi giorni or sono.
Shirley Verrett nasce, liricamente parlando nel 1957, cantando nello Stupro di Lucrezia di Britten. I primi anni di carriera la vedono impegnata in opere che, oggi, se non sono sconosciute certamente sono pochissimo rappresentate come Lost in the Stars di Weill.
Solo nel 1962 inizierà ad affrontare opere a noi più note come Carmen (Macerata) e Dalila (Scala di Milano), che resteranno i suoi cavalli di battaglia.
Il suo repertorio divenne, in breve, vastissimo spaziando da Eboli a Ulrica, da Amneris (di cui è certamente tra le interpreti di riferimento) a Norma (dove interpreterà entrambi i ruoli anche se Adalgisa le è più congeniale).
Con la magnifica voce che si trovava si permette il lusso di cantare ruoli sopranili e/o al confine tra il mezzosopranile ed il sopranile. Il pensiero vola alla sua Lady Macbeth (di cui fu un'interprete di riferimento) con cui inaugurò la stagione scaligera 1975-1976. Edizione giunta a noi in disco e che non manca in nessuna casa di melomane. Dal 1996 si dedicava all'insegnamento avendo deciso di far calare il sipario sulla sua carriera di cantante e, purtroppo, nel 2010 il sipario è sceso anche sulla sua vita.

Chiedo venia se parlo di questa donna come se fosse ancora tra noi ma, dopo aver sentito l'Elisabetta della Maria Stuarda a Modena (ruolo che Shirley Verrett tolse dal dimenticatoio nel lontano 1967 con Leyla Gencer come "cugina"), mi piace ricordare che l'epoca d'oro, della quale la Verrett è stata forse una degli ultimi "ingressi", non sia finita ma che presto ricomincerà.

DISCOGRAFIA ESSENZIALE
Lucrezia Borgia (Maffio) M. Caballè (Lucrezia), A. Kraus (Gennaro), E. Flagello (Alfonso), Perlea (Direttore), Edita RCA (quest'edizione oltre essere da pelle d'oca è anche un reperto storico visto che è la nascita della carriera di Monserrat Caballé);
Macbeth (Lady) P. Cappuccilli (Macbeth), N. Ghiaurov (Banco), C. Abbado (Direttore), Edita da Deutsche Grammophon;
Samson et Dalila (Dalila) R. Cassily (Samson), R.. Massard (Direttore), Edita da Opera D'Oro;
Maria Stuarda (Elisabetta I) M. Caballé (Stuarda), O. Garaventa, G. Fioravanti, Dirige C. F. Cillario, Edita da Opera D'Oro.
Carmen (Carmen) P. Domingo (Don José), J. Van Dam (Escamillo), K. Te Kanawa (Micaela), Dirige G. Stolti Edita da Opera d'Oro;
Norma (Adalgisa) B. Sills (Norma), P. Plishka (Oroveso) E. Di Giuseppe (Pollione), J. Levine (Direttore), Edita Deutsche Grammophon;
Messa da Requiem K. Ricciarelli, P. Domingo, N. Ghiaurov, Dirige C. Abbado, Edita da Deutsche Grammophon;
Tosca (Floria Tosca) L. Pavarotti (Mario Cavaradossi), C. MacNeil (Vitellio Scarpia), Dirige Conlon; Edita Decca

La Diva Oltraggiata

2010-11-06T16:41:00.011+01:00

La Diva Oltraggiata

Opera in quattro atti
Musica di Gerlando Pertusilli
Libretto di Usberto Roccaperzia

Personaggi
La Diva Ping, Protettrice dei Teatri, a tempo perso dipendente del Municipio del Villaggio Soprano
Ulpia Derisi, Nobile Dama di severi costumi Mezzosoprano
Vasco, amico e sodale della Diva Basso
Telduro, cantante lirico Baritono
Devoto Devoti, adoratore della Diva Tenore
Brondi, Ministro della Cultura del Villaggio Baritono
il Gran Ciambellano del Ministro Tenore

Coro di Dipendenti del Municipio, Amici Devoti della Diva, Soprintendenti teatrali, Musicisti, Cantanti e Spettatori

Atto primo: La Protettrice dei Teatri

Scena prima
Villaggio emiliano sulla piazza si affacciano comune, bibilioteca e teatro.
Il coro apre la scena inneggiando alla Diva Ping e alla sua capacità di essere ubiquitaria, ma non solo. Apparentemente la Diva Ping salta di comune in comune, di biblioteca in biblioteca, di teatro in teatro.
Suona la campana e le dipendenti comunali escono dall’ufficio e si riversano in piazza. Arriva tra loro la Diva Ping in abitino verde pisello. Recitativo inneggiante all’ultimo libro letto e maledicente la collega cagaminkia. Segue struggente aria per aver perso la prima rappresentazione dell’Onegin nel suo piccolo villaggio. L’aria è malinconica e piena di dolore; la voce richiesta è puramente lirica e dotata di legato in zona centrale. Arriva un fidato messo che gli dona la notizia a che il prode Vasco (basso) ha acquistato per lei i biglietti per la seconda. Segue cabaletta in cui beante di felicità sogna che arrivi presto il momento della tanto agognata recita. Chiusura con Mib sopracuto.

Scena seconda: in un retropalco del teatro
Ulpia Derisi, crudele fustigatrice dei costumi canori, si lamenta del favore di cui godono gli spettacoli al momento in scena, e dello strepitoso stato di forma di molti cantanti, che mette a repentaglio la superiorità del luminoso passato remoto del belcanto. Ella sospetta che tanta grazia sia dovuta alla benefica influenza della famosa Ping, che ormai stende la sua ala protettrice su tutti i palcoscenici dell’orbe terracqueo. Entra il malvagio Ministro Brondi, e Ulpia ne approfitta per convincerlo che tutti i mali della lirica sono causati dalla nefasta influenza della Ping. Eliminata lei, anche i cori e le orchestre più riottose saranno ridotte alla ragione. Il ministro promette di cogliere qualunque occasione per allontanare la Ping dai teatri.

Atto secondo: L'Oltraggio

Scena prima: nel foyer del teatro
La Diva Ping, circondata da un gruppo di ammiratori, tra cui Vasco e il Devoto Devoti, narra nell'aria "Ove siete, teatri ameni" le sue peregrinazioni tra città e borghi alla ricerca di rare rappresentazioni. Dopo un accorato intermezzo corale, inneggiante alla Protettrice e alla sua benefica presenza ovunque, la diva intona la cabaletta "Ma tu, divin Dieguito"

Scena seconda, interno del teatro
Inizia l'Onegin, ma il destino avverso ha collocato la Ping a ridosso del palcoscenico, lontano dal gruppo degli adoratori. Un tremendo colpo di sonno la abbatte e il russare rimbomba nella platea. Vasco da lontano ode ma non la può svegliare.

Scena terza
Il baritono Telduro, impegnato sulla scena come Onegin, riconoscendo le soavi note emesse dalla diletta Ping, si interrompe inopinatamente con un grido soffocato che fa accorrere da dietro le quinte la cagnetta Bertrad. Scompiglio, confusione, spettacolo interrotto.

Scena quarta, tribunale del villaggio
La Ping viene accusata di traviare i giovani cantanti e di provocare discredito nel mondo del teatro e bandita per sempre da tutti i teatri. Lamento straziante della poveretta, nell'aria "Me perduta, ove la lirica" seguita dalla pugnace cabaletta "Voi saprete in cielo e in terra"

Atto terzo: L'Esilio

Scena prima:davanti al teatro.
In gramaglie, pallida, affranta, la Ping si trascina presso il teatro, cercando di sbirciare l'interno, mentre il coro dei Devoti intona il maestoso“O signora, dai loggioni natii”. La diva si allontana meditando l'espatrio

Scena seconda: nei sotterranei del Circolo della Lirica
I Devoti commentano la ria sorte della loro signora, e giurano di lottare fino alla morte per por fine all'oltraggio. Coro “E se la tromba impavido”

Scena terza: nel Ministero della cultura del villaggio
Il Ministro e il suo gran ciambellano commentano stupiti l'atmosfera di mestizia e il generale abbassamento di qualità delle rappresentazioni che da qualche tempo si riscontrano nei teatri. Perfino la famosa Deborah Stroncatore ha clamorosamente steccato il sopracuto dell'aria del Cavoletto di Bruxelles nella “Cuoca alla Reggia”. Perplessità e sgomento del coro dei Soprintendenti.

Atto quarto: a teatro

Scena prima
Vasco arringa i Devoti e li chiama alla lotta ne "Per lei diletti amici"
e nella cabaletta "Strappiam, orsù, i biglietti"

Scena seconda
nei camerini, i protagonisti dell' opera in scena si scambiano nostalgici ricordi dei bei tempi in cui la Ping portava la gioia e l'entusiasmo tra loro, e concordano di fare qualcosa di clamoroso per riportare la loro Protettrice ai fasti che le competono.

Scena terza
in platea: nel bel mezzo dello spettacolo, Vasco e i Devoti si alzano in piedi e proclamano lo sciopero degli spettatori, finchè la Ping non sarà riconosciuta innocente e riammessa nei teatri. I cantanti si uniscono a loro nel vivace rondò “Tutti la vogliono, tutti la cercano”.

Scena ultima e finale:
Il Ministro Brondi cede e riconosce il suo torto, confessando di essere stato sobillato dalla perfida Ulpia Derisi. Si dichiara pentito e ritira il bando.
Si aprono le porte del teatro e la Diva Ping viene portata in trionfo in platea. Ella circondata dai Devoti e applaudita da musicisti e cantanti, intona la solenne aria “O tu Sassuolo” e la cabaletta “Riedo al soglio”. Tutti i presenti cantano il concertato finale “Diecimila anni alla nostra Protettrice”.

A cura di
Leonora Prassede

Un'altra perdita per il mondo della lirica: Shirley Verrett

2010-11-06T13:44:00.000+01:00

Un addio commosso da tutti noi alla grande Shirley Verrett ;(

Jessica, c'hai provocati... Mo veniamo a vederti :)

2010-11-02T11:09:00.000+01:00

Amici, non possiamo non andarci. Ho visto i video che girano sul tubo e pare che Jessica Pratt abbia relaizzato una Sonnambula divina.
Venerdì Cremona ci attende...

L'Elisir d'Amore al Teatro alla Scala

2010-10-28T00:50:00.000+02:00

Marco Brescia & Rudy Amisano, Archivio Fotografico

del Teatro alla Scala

Spettacolo costruito probabilmente su misura per Rolando Villazon che ne è l’indiscusso mattatore: si avvale di una regia che ne è il suo punto di forza talmente bella e coinvolgente da far passar inosservati anche gli evidenti limiti vocali. L’ambientazione è la campagna padana degli anni 50/60 ricostruita in maniera straordinariamente realistica (vi ho trovato tutti gli ambienti e le atmosfere e i sapori della mia infanzia, con tanto di catasta di balle di fieno coperta dalle gomme da camion sulla sommità, la trattoria sulla strada con la scritta dipinta mano sulla facciata, il capanno degli attrezzi, i campi arati con i tralicci della luce) tutto cos’ veritiero da sembrare realtà non finzione con un chiaro richiamo anche ai film del neorealismo italiano di Risi o di De Sica.

I movimenti delle masse poi, sono curatissimi nei più piccoli particolari: ed ecco le amiche ’”partecipi” di Adina che sussurrano e si entusiasmano o sbirciano sognando anche loro sulle schermaglie amorose della coppia, i passanti in bicicletta che salutano, i “curiosi da bar” che incitano la disputa tra i rivali in amore ecc..Villazon dà vita ad un Nemorino timido, a volte tenero a volte impacciato, un personaggIo poetico che ispira a volte tenerezza e a volte ilarità (senza però scadere nel macchiettismo) tanto da offuscare i 2 buffi che qui non risultano così divertenti quanto lui: come non sorridere quando ebbro di elisir fa l’ingresso in scena sul trattore andandosi a schiantare contro ad un palo o quando si stende sotto alla ruota della motoretta di Adina per dimostrarle il suo amore,(non mancando di sbirciare di sottecchi e sue reazioni), oppure quando si nasconde sotto la pedana della pista da ballo. Come non intenerirsi quando o si arrampica furtivo su per le balle di fieno per sbirciare il corteggiamento del suo rivale o se ne sta mortificato in disparte strofinandosi l’orlo della maglietta o si ranicchia disperato jn un angolino ai margini della pedana da ballo. I buffi della situazione, come dicevo prima, che di solito catalizzano l’attenzione dello spettatore, qua rimangono quasi in secondo piano anche se la cifra la cifra del Nemorino di Villazon non certo l’ilarità ma piuttosto una tenera malinconia che ti cattura facendoti amare smodatamente questo personaggio al di là del canto. La voce di Rolando in effetti è già di suo particolare: i timbro è scuro e dotato di scarso squillo (io non ho avuto l’occasione di ascoltarlo dal vivo prima dei recenti problemi di salute ma dall’ascolto in disco mi avevano colpito queste caratteristica già quando era ancora in buona forma vocale) oggi a queste caratteristiche (che già ne fanno risultare un Nemorino straniante se si confronta ad esempio con la luminosa interpretazione di Pavarotti) si aggiungono i problemi ed i limiti conseguenti al recente intervento alle corde vocali: la voce è quasi sempre al limite, tirata al massimo la “furtiva lagrima” è stata poi, per me, il punto più basso della sua interpretazione: con la voce che è sembrata per ben due volte sul punto di spezzarsi e con l’acuto finale spianato per ben 2 volte (anche nella ripresa )eppure…eppure nessuno ha contestato, nessuno ha buato nè in questa occasione né durante il corso dello spettacolo, nè alla fine e questo non credo per piaggeria ma proprio perchè, come è capitato anche a me, eri così coinvolto dal personaggio che non te ne importava più niente del canto si è verificato qualche cosa di inspiegabilmente magico che ha frenato anche i più accesi detrattori (nel senso che anche i tanti amici con cui ho chiacchierato nel foyer , che ne hanno ferocemente criticato i limiti e che di solito non si fanno scrupolo di esprimere dissenso, chissà perchè questa volta sono stati frenati e non credo si sia trattato solo di pietismo o rispetto per i problemi di salute perchè questo non ha impedito di farlo ugualmente con altri artisti reduci da problemi simili, ma credo piuttosto non siano stati spinti ad inferire come soggiogati dall’immensa personalità di questo artista, la profonda umanità che esprime in scena e che lo rende “vero” lo fa amare a prescindere e lo si applaude comunque per quello che ti ha trasmesso ( ora si potrebbe certamente obiettare che stiamo parlando di lirica non di prosa e che il canto dovrebbe aver la prevalenza nel giudizio: io so solo che quando mi accosto ad uno spettacolo di lirica lo prendo per un “unicum” e non m’ importa quanto abbia pesato quell’ingrediente o quell’altro, l’importante è che il bilancio sia positivo e per me questa volta lo è stato ampliamente. Ma veniamo ora agli altri interpreti: Irina Lungu è un’Adina deliziosa scenicamente, aiutata da un fisico fresco e giovane e da un aspetto più che gradevole, vocalmente: canta correttamente ma a me lascia sempre un po’ lì, non mi emoziona particolarmente (è un po’ “un acqua senza sale” come si dice) anche se indubbiamente non le si può imputare alcun difetto particolare. Ambrogio Maestri nel ruolo di Dulcamara è molto bravo: canta correttamente ed ha una voce enorme che corre facilmente e sa controllare benissimo usandola con gusto ; delinea un personaggio forse più scaltro e maneggione che buffo ma questo è stata sicuramente più dovuto all’impostazione registica che ad un scelta personale, impostazione che è stata sicuramente voluta anche per l’altro buffo: il Belcore di Gabriele Viviani anche al quale è stata impresa una cifra meno comica e più seriosa aiuta anche dall’ambientazione moderna che lo vede vestire i sobri panni del carabiniere aniziché i caricati pennacchi delle divise ottocenteche a cui siamo abituati. Vocalmente Viviani è stato un po’ discontinuo con la voce che tendeva ad assotigliarsi e non particolarmente incisivo nel delineare il personaggio

Della regia ho già ampliamente parlato sopra e non posso che rinnovare gli elogi per la felice scelta della trasposizione in epoca moderna, per la magistrale gestione delle masse e per la cura dei più piccoli dettagli e a proposito di ”masse” non si può dimenticare il coro che oltre alla consueta bravura ha mostrato strepitose doti attoriali ed in fine: la direzione affidata al maestro Donato Renzetti che inizialmente aveva dato secondo me un ‘ impostazione un po’ troppo pomposa e solenne (soprattutto nell’ouverture) e dei tempi un po’ lenti ma che via via ha saputo alleggerire donando la giusta leggiadria e dinamicità. Serata insomma da cui si è usciti contenti con il cuore scaldato e pieno di leggerezza.

Maria Billeri: MEDEA!

2010-10-25T16:57:00.012+02:00

I fasti dell’Allegra Brigata si rinverdiscono in questi giorni. Nonostante il tempo passi, si cresca, si viaggi per lavoro, ci si radichi e sradichi in nuove città e diverse culture o si lotti contro la routine questo gruppo di amici, che tanto riempie le mie giornate e il mio cuore, resta unito nel segno della bella musica. Dopo aver tanto letto e sentito parlare di questa Medea ci siamo decisi ad assistere all’ultima rappresentazione dell’opera di Cherubini al Teatro Sociale di Como sabato 23 ottobre. E’ inutile che mi dilunghi in noiosi preamboli. Già molto è stato scritto. Vorrei semplicemente ringraziare di cuore l’artista Maria Billeri. Dico artista perché la sua performance è stata ARTE .
A fronte di inutili ben più ricchi festival (che parafrasando il grande basso Michele Pertusi: si servono di Verdi più che servire il maestro) il circuito lombardo, affidandosi alla talentuosa quando sconosciuta ai più Billeri, ha messo in scena una emozionantissima Medea. Purtroppo il teatro di Como era semivuoto e inspiegabilmente, a mio parere, a meno che non si avvalori la tesi del mio vicino comasco: “Como è ricca e ignorante” ha sentenziato, spiegandomi inoltre che la maggior parte dei palchi vuoti è di proprietà privata. Comunque sia, la protagonista Maria Billeri nei panni della maga Medea ha offerto una interpretazione personale davvero convincente. Tanto convincente da impressionarmi. La voce è robusta (è arrivata in fondo all’opera senza nessun segno di stanchezza vocale), il centro davvero incredibilmente corposo. Sorvegliata nel canto, conscia dei propri mezzi. Le salite all’acuto non si sono mai trasformate in grida, e sono sempre state intonate. L’unica cosa che a mio parere, modestissimo per altro, trovo migliorabile è che tanto i centri sono enormi e voluminosissimi tanto l’acuto sembra risultare chiuso in un volume paradossalmente più contenuto. Le intenzioni vocali si sono sempre accompagnate ad una gestualità ed una recitazione davvero studiata ed efficace. Finale: ENTUSIASMANTE! Umilissima quando sono andato a salutarla nei camerini, gli auguro di frequentare ancora questo ruolo in ben altri teatri. Ricordo che l’ultima produzione di Medea al Regio di Torino era passata senza emozione e direi che l’avevo piuttosto dimenticata, nonostante il ruolo fosse sostenuto da Anna Caterina Antonacci. Doppiamente brava a Maria Billeri quindi!Bella voce quella del soprano Eleonora Buratto nei panni di Glauce. Purtroppo non sempre intonatissima. Luca Tittoto, nei panni di Creonte, sfoggia una voce molto seducente e corretta. Brava anche la Neris di Alessandra Palomba . Il Giasone di Lorenzo Decaro non mi è piaciuto. La voce è brunita ma la salita all’acuto è molto molto faticosa e l’ingolamento è evidente e a tratti fastidioso.Bella e funzionale la regia di Carmelo Rifici che con una messa in scena neoclassica piuttosto semplice, ma intelligente ed efficace riesce ad allestire la composizione di Cherubuni. Il regista ha ambientato la vicenda di Medea in un museo all’epoca a cui risale la stessa composizione dell’opera (1797). Molto belli i costumi di Margherita Baldoni in stile impero.Bravissimo il maestro Antonio Pirolli, alla guida de’ I Pomeriggi Musicali, che sa trovare un equilibrio tra gli aspetti più settecenteschi e quelli più romantici e carichi di pathos.I “grandi” teatri dovrebbero imparare qualcosa da produzioni come queste.PS Da evitare il bar-ristorante del teatro…12 euro una zuppetta scarsa scarsa mi sembra un po’ esagerato ;)

Nucci chiude il Verdi Festival per quanto mi riguarda

2010-10-25T15:13:00.004+02:00

Solo Leo Nucci poteva tener desta l'attenzione per mezzo concerto con le arie di Verdi dell'Album Piave che, lode al motivo che spinse il Cigno di Busseto a scriverle (garantire un'entrata sicura alla vasta famiglia del suo librettista preferito, colpito da paralisia), ma, secondo il mio parere che condivido, sono di una bruttezza ma di una bruttezza pari alla Fame.

Meno male che "Papà Leo" ha pensato bene di recitare ed interpretare i brani che cantava.

Iniziando con un "Deh pietoso oh Addolorata" con testo di Goethe cantato con il tono mesto del Baciapile che si interroga sulla Deposizione di Cristo dalla Croce e sullo sguardo della Madonna davanti al cadavere del figlio. E' seguito l'Esule col tono triste di chi è lontano dagli affetti.

Per far riposare Nucci, il Pianista Paolo Macarini (mai sentito prima ma che ha mostrato una gran dimestichezza col piano) ha suonato la Seduzione e, dopo 2 brani con testo di Maffei, lo Spazzacamino (che per fortuna è giunto a noi in cd cantato da Mariella Devia).
I due brani di Maffei erano "Ad una stella" (qui mi dispiace dirlo ma ho contato le parole per vedere quando finiva... la tortura alla goccia mi è sembrata una delizia a confronto) ed il Brindisi (qui cantato da Nucci fingendosi ubriaco facendo ridere la platea). La prima parte si è conclusa occhieggiando alla seconda ovvero con recitativo, aria e cabaletta di Ezio dall'Attila (una lezione di canto anche se il ruolo del perfido non si confà a Nucci che lo ha risolto con occhio scrupoloso allo spartito ed interpretativamente sull'austerià di questo condottiero).

La seconda parte invece è stata svolta più nei prati di casa nostra anche se l'inizio ha mostrato una chicca. La morte di Macbeth. Sono contento di averla sentita ma devo dire che se Verdi l'ha tolta dall'edizione definitiva aveva i suoi buoni motivi. E' tutta piatta. Si sente la vita che lascia questo tiranno, il quale capisce i suoi errori (ma è un bis in idem perché li ha già capiti poco prima nel "Pietà, Rispetto e Onore", non eseguita ieri sera). Seguendo con i Vespri dove ha riproposto il ruolo presentato interamente in questo festival.
Dopo un Notturno pianofortistico tratto dal Falstaff si è volati verso il gran finale con un Credo cesellato e tutto giocato sulla recitazione. Il canto non aveva niente di diabolico e le scelte canore potevano spiazzare ma l'idea dell'uomo che riflette, per i cavoli suo, su temi universali come Dio e la morte è una scelta stupenda, se non fosse che aveva già cantato tanto e che l'aspettava ancora l'aria delle Corna di Ford (troppo gigioneggiata e credo che con un Falstaff ben giocato avrebbe dato leggermente fastidio) ed i bis (che con Nucci sono sempre garantiti) ci sarebbe stato da chiedere a Nucci di rifare quel Credo.
Dopo le ovazioni ha cantato il suo cavallo di battaglia verdiano dove non ha rivali neanche all'orizzonte:il "Cortigiani".
Seguendo con "Eri tu" dal Ballo ed infine la tesi di laurea baritonale. Nemico della Patria risolta in maniera splendida.
Ha salutato la platea applaudente, in modo incredibile e di difficile descrizione, con una canzone di Bergonzi che potrebbe essere l'inno del Mondo Piccolo di Guareschi se non fosse che, nel brano, il personaggio guarda l'Altare e, nella pala raffigurante la Madonna con Bambino, ricorda l'abbraccio di sua madre quando lui era piccolo.
Chi è conoscitore di Don Camillo saprà bene che guardando l'Altare ci si trova a conversare col Cristo e la Madonna è attaccata alla colonna accanto all'acquasantiera.
Grazie ancora ai due artisti, a Verdi e... Verdi Festival at salut!

A cura di
Don Marondio

Boris Godunov al Teatro Regio di Torino

2010-10-22T14:48:00.004+02:00


Boris Godunov
Fonte: Teatro Regio di Torino

Altra “perla” del week-end operistico scorso è stata il Boris Godunov andato in scena a Torino domenica 17 ottobre nella ideazione “ibrida” di Noseda/Konchalovsky (basata cioè sull'originale del 1869 ma con variazioni consistenti nella presentazione sia del quadro di San Basilio che di quello di Kromy e per giunta di seguito e non separati dalla morte dello Zar). Al di là degli storcimenti di naso di puristi per questa scelta, lo spettacolo è molto bello sia musicalmente che visivamente con un taglio drammatico e quasi shakespeariano che tende a mettere in primo piano l’aspetto intimistico e umano anzichè la vicenda corale (un esempio ne è la scelta di fare finire l’opera con la morte di Boris).

Dal punto di vista musicale ne è uscita una lettura asciutta, drammatica e più incisiva. Come ci ha spiegato nel corso di una chiacchierata nei camerini il maestro Noseda: egli ha fatto questa scelta per caricare di tensione e togliere anche ogni vago accenno di romanticismo che potesse esservi stato introdotto dalle riletture di Rimskij-Korsakov e Šostakovič (per quanto parlare di romanticismo con Sostakovich potrebbe sembrare una bestemmia sic) Nel corso della chiacchierata poi, il maestro Noseda, sempre cordialissimo e disponibile al dialogo, ci ha parlato delle sue scelte e ci ha fatto vedere in quale punto della partitura ha operato il taglio accennando alle perplessità che aveva avuto circa la possibilità che l’unione delle due parti amputate potesse risentire della cesura creando un senso di sfasamento e di come ha risolto questo problema riducendo il numero dei violoncelli e dei violini. A lui premeva mantenersi il più possibile aderente allo spirito originario del compositore pur discostandosi dalla partitura originaria con qualche rimaneggiamento. Il risultato è stato comunque una concertazione splendida: ricca di drammaticità, molto dinamica in perfetta sintonia con la regia molto teatrale di Konchalovsky che presenta un allestimento scarno con una scena quasi vuota ove appaiono solo pochi elementi incisivi giocata molto sull’uso sapiente delle luci e dei bellissimi costumi strettamente aderenti agli originali dell’epoca.

La compagni di canto tutta di ottimo livello si è avvalsa dell’intensa interpretazione nel ruolo di Boris del basso bulgaro Orlin Anastassov molto convincente sia dal punto di vista vocale che recitativo il quale nonostante la giovane età è riuscito a creare un personaggio credibilissimo ricco di introspezione psicologca accompagnato da un canto sicuro ben modulato un voce con un bel timbro scuro e possente ma ricca di sfumature e mi ha piacevolmente sorpresa dopo l’esito non particolarmente entusiasmante del Mefistofele romano dove il volume mi era parso limitato e il timbro un po’ opaco).

Per proseguire con i settore “voci gravi” (decisamente quello che ha svettato come miglior livello nella pur generale bravura di tutto il cast) i due bassi interpreti di Pimen e Varlaam ovvero: Vladimir Vaneev che ha sostituiva il previsto Sergeij Aleksaškin nel ruolo di Pimen e Vladimir Matorin che ha interpretato Varlaam: due voci possenti caratterizzate. la prima da accenti più baritonili e da un colore meno sfolgorante mentre la seconda da un volume ragguardevole e bel timbro (rivelatasi tra l’altro una piacevole conferma dal momento che l’interprete non è certo di primo pelo” e c’era chi dubitava potesse ancora fornire prestazioni a questo livello).

Fra i tenori si è distinto in particolar modo Peter Broder nel ruolo del perfido ed ambiguo Sujskij così come Evgenij Akimov .nel ruolo del’innocente.

Leggrmente al di sotto delle aspettative Ian Storey nei panni di Grigorij: con una voce potente ma a volte un po’ discontinua pur rimanendo comunque ad un buon livello.

Tutti bravi gli altri con una menzione particolare la Ksenija di Alesndra Marianellli , l’ Andreij Ščelkalov di Vasilij Ladjuk, i e la voce bianca del bravissimo Pavel Zubov, interprete di Fëdor.

Ed in fine : “LAST BUT NOT LEAST”: Il grande coro del regio protagonista assoluto che ha avuto modo di sfolgorato per tutta l’opera mostrando il meglio di se complici i numerosi pezzi corali di cui l’opera si compone!

Insomma un’altra giornata di grande spettacolo in questo di questo week–end all’insegna della buona musica!

Boris Godunov
Domenica 17 Ottobre 2010

Dramma musicale popolare
in due parti, otto quadri e un epilogo
Libretto di Modest Musorgskij
dalla omonima tragedia di Aleksandr Puškin
e dalla Storia dello Stato russo di Nikolaj Karamzin
Musica di Modest Musorgskij
Personaggi Interpreti
Boris Godunov basso Orlin Anastassov
Il pretendente Grigorij tenore Ian Storey
Pimen basso Vladimir Vaneev
Il principeVasilij Šujskij tenore Peter Bronder
Varlaam basso Vladimir Matorin
Jurodivyj, l'Innocente tenore Evgenij Akimov
Andrej Ščelkalov baritono Vasilij Ladjuk
L'ostessa mezzosoprano Nadežda Serdjuk
Ksenija soprano Alessandra Marianelli
La nutrice di Ksenija mezzosoprano Elena Sommer
Fëdor voce bianca Pavel Zubov
Misail tenore Luca Casalin
Mitijucha basso Oliviero Giorgiutti
Mikitič basso John Paul Huckle
Un boiaro di corte tenore Matthias Stier
Lavickij basso-baritono Bruno Pestarono
Černikovskij basso-baritono Riccardo Ferrari
Chruščov tenore Alessandro Dimasi
Direttore d'orchestra Gianandrea Noseda
Regia e luci Andrei Konchalovsky
Regista collaboratore Irkin Gabitov
Scene Graziano Gregari
Costumi Carla Teti
Collaboratore alle luci Vinicio Cheli
Assistente alla regia e interprete Karina Arutyunyan
Assistente alle scene Angelo Linzalata
Assistente ai costumi Katia Marcanio
Movimenti scenici Ramune Chodorkaite
Maestro del coro di voci bianche Claudio Fenoglio
Maestro del coro Roberto Gabbiani

Orchestra e Coro del Teatro Regio
Coro di voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio "G. Verdi"
Nuovo allestimento
in coproduzione con Palau de les Arts Reina Sofía di Valencia
e Fondazione Lirico Sinfonica Petruzzelli e Teatri di Bari

A cura di
Lucia Pinghella

Guillaume Tell al Parco della Musica in forma di concerto

2010-10-21T14:41:00.000+02:00

Non delude nemmeno il secondo week end ottobre in quanto ad offerte operistiche: sabato 16 alla Sala S. Cecilia dell’ Auditorium Parco della Musica a Roma è stato rappresentato un autentico capolavoro esecutivo: l’esecuzione in forma di concerto del Guilleme Tell di Rossini in edizione quasi integrale (Mancavano il terzetto Mathilde - Edwige - Jemmy del quarto atto e la preghiera "Toi qui du faible es l'esperance". ed i ballabili) diretto dal maestro Antonio Pappano con l‘esecuzione degli splendidi organici dell’orchestra e del coro di S. Cecilia ed un gruppo di solisti di ottimo livello.
Fortunatamente dell’esecuzione in questione rimarrà memoria per i posteri perché verrà realizzato dalla EMI un cd ove verranno inseriti pure i ballabili omessi in questa esecuzione ma recuperati in una prossima serata di danza che si terrà a dicembre. Tornando all’esito della serata si può dire che è stata un delle più belle esecuzioni d’opera ascoltate ultimamente, dal punto di vista musicale ineccepibile: Pappano ha impresso una lettura molto asciutta dinamica con ritmi serrati e priva di quelle tendenze romantiche verso cui altri direttori hanno indugiato prendendo spunto dal fatto che l’ultimo Rossini comincia va a risentire delle influenze verdiane. Lui invece ha dato un lettura più vicina al classicismo mettendo in evidenza ogni singola sfumatura come nelle prime note soffuse della famosissima ouverture e nel bellissimo crescendo del finale. Altrettanto brava la compagnia di canto (anche se un filino sotto al livello del trittico: drezione-coro-orchestra): Si comincia con un “cameo” di lusso: Celso Albelo nel ruolo di del pescatore ovvero: parte breve che presenzia solo nel primo atto e che di solito viene affidata ad un comprimario con risultati spesso deludenti (perchè la sua aria è veramente impervia) invece Albelo l’ha risolta splendidamente con acuti talmente svettanti da far impallidire il collega Osborn deputato al ruolo di Arnold. John Osborn da parte sua pur con acuti non così sfavillanti è oggi forse il miglior interprete sua piazza di questo ruolo: il suo canto è stato impeccabile nonostante una partenza forse un po’ troppo cauta nel primo atto (probabilmente dovuta all’emozione della “prima” o alla scelta di trattenersi un po’ per conservare le energie per la temibile aria del quarto atto): aria che ha risolto magistralmente soprattutto tenuto conto dei tempi velocissimi staccatigli da Pappano. Altro protagonista: “il protagnista”ovvero: “Guglielmo” interpretato da Gerald Finley ottimo baritono dalla voce brunita, molto bravo tecnicamente e con un ottimo fraseggio, forse leggermente monocorde quindi è risultato un po’ freddino e meno coinvolgente di quanto lo sia stato Pertusi nel 2007 (a quanto mi dicono) ma dal momento che io non lo vidi non ho termini di paragone ed io l’ho trovato ottimo! E veniamo ora all protagonist femminile Mathilde interpretata dalla bellissima Malin Bystrom: l’interprete che più ha suscitato tra i presenti pareri contrastanti: i pignoli le hanno contestato una vocalità un po’ troppo aspra e acuti tropo urlati in realtà quella degli acuti a me è parsa una pecca molto lieve (sarà che in fatto di “acuti urlati” ero ben collaudata dal Trovatore parmense) ma a me è parsa brava certo è giovane ed abituata ad un altro repertorio (pare sia un’ottima interprete mozartiana) probabilmente deve maturare un po’ la parte ma ha un ottimo volume e ottime agilità, altra interprete che mi ha piacevolmente sorpreso il soprano Elena Xanthoudakis nel ruolo di Jemmy: voce acutissima da usignolo che era partita un po’ in sordina perché la sua parte è limitata, l’avevo sottovalutata un po’ all’inizio anche se i suoi acuti nei concertati svettavano su tutti ma si è fatta valere notevolmente nel terzo atto dove ha quasi offuscato la protagonista. La terza protagonista femminile è il mezzo soprano Marie-Nicole Lemieux nel ruolo di Edwige, con una altrettanto buona prestazione un po’ meno preciso il basso Carlo Cigni nel ruolo del “cattivo” Gessler, pur con una prestazione comunque onorevole e buoni tutti gli altri dal basso Frédéric Caton nel ruolo di Melchtal , il baritono Dawid Kimberg (Leuthold) il tenore Carlo Bosi (Rodolphe) ed il basso Davide Malvestio (Chasseur) tutti artefici di una serata memorabile di grande musica.

Rossini, Guillaume Tell del 16/10/2010

Orchestra e Coro dell'Accademia di Santa Cecilia
Antonio Pappano direttore
Gerald Finley Guillaume, baritono
John Osborn Arnold, tenore
Malin Bystrom Mathilde, soprano
Elena Xanthoudakis Jemmy, soprano
Matthew Rose Walter, basso
Marie-Nicole Lemieux Edwige, mezzosoprano
Celso Albelo Pécheur, tenore
Carlo Cigni Gessler, basso
Dawid Kimberg Leuthold, baritono
Frédéric Caton Melchtal, basso
Carlo Bosi Rodolphe, tenore
Davide Malvestio Chasseur, basso

A cura di
Lucia Pinghella

Maria Callas: on line il sito della Callas International Archive

2010-10-18T22:54:00.003+02:00

Prendendo spunto dall'edizione discografica che la Gazzetta di Parma ha pubblicato per far conoscere i vespri siciliani (la famosa edizione live del 1951 con Maria Callas) vorrei far conoscere questo sito dedicato all'artista greca scomparsa 33 anni fa. E' vero che di siti dedicati a lei ma se continuano a fiorire significa che ci ha lasciato qualcosa e che ha ancora tanto da dirci e insegnarci...

La recensione sui Vespri siciliani di questo Festival offre molti spunti di discussione su questa cantante.

Questo archivio (http://sites.google.com/a/callas-international-archive.com/www/) non è soltanto un punto di ritrovo informatico ma bensì una vetrina che permette di far conoscere la fondazione Ercole Carcano (sita a Mandello del Lario sul lago di Como, la coincidenza del posto con i nomi dei recensori è casuale) e stuzzicare la curiosità di vedere e/o sentire materiale di non facile reperimento come ad esempio la partecipazione della Callas al primo concorso canoro della sua vita sotto mentite spoglie tra l'altro) o le prove del Don Giovanni.

A mio avviso dovrebbero anche esserci i famosissimi puritani che la Callas cantò insieme a Ettore Bastianini (dove si rimpianse che non ci fosse un duetto tra i loro personaggi).

L'archivio però non è solo audio e/o videografico ma anche formato da una vastissima galleria fotografica nonché i programmi di sala di tantissime recite tenute nei più importanti teatri del Mondo. Tra le ultime acquisizioni ci sono anche il catalogo della Viscontiana (magnifica mostra tenutasi a Parma anni or sono con foto e bozzetti di opere liriche che hanno visto Luchino Visconti come Regista nonché l'abito usato da Maria Callas nella famosa Traviata del 1955 ancora impregnato del pathos della grande artista) e la pochette che portò nella famosa serata del 1951 di cui ci è giunta la registrazione audio di cui sopra e altri importanti oggetti.

Vi auguro buona visione sia del sito che anche della fondazione

Nota: come ci hanno segnalato (vedi commenti) il sito è edito da Callas International Archive e non dalla Fondazione Carcano come erroneamente riportato nel post.

Come si cambia: Vespri Siciliani capitolo II

2010-10-18T20:39:00.001+02:00

Il tenore Kim Myung Ho, studente al quinto anno del Conservatorio

durante lo spettacolo.

Riuscire ad indovinare che cast si troverà ad ogni rappresentazione prevista per questo Festival, sembra ormai più difficile che centrare 5 numeri al lotto. Ennesima sostituzione quella di ieri, nella pomeridiana de “I Vespri Siciliani”. Armiliato, a letto con una forte influenza, è stato in extremis sostituito dal giovane tenore coreano Kim Myung Ho, studente del quinto anno del “Boito”.

Che dire? È stata una serata ricca di emozione, sottolineamo, di emozione, non di tensione. Le altre rappresentazioni sono state un po’ segnate da patemi d’animo sugli acuti. Ieri, invece, la Dessì è stata più controllata, rilassata. Ci è piaciuta molto in “Arrigo! Ah parli a un core”, ha dato un’interpretazione sentita, e in tutto il quarto atto si sentiva molto trasporto ed emozione.

Nucci ha tratteggiato un bellissimo e paterno terzo atto, forse complice il “tenere a battezzo” il nuovo e spaesato Arrigo. Il trionfo di Prestia, dopo il prossimo “O tu, Palermo”, sarà scolpito su qualche arco commemorativo. Sembra quasi irreale che, in questo Festival, si possa ascoltare una voce così interessante. Eppure accade. Stranezze parmigiane….

Ma veniamo a Kim Myung Ho, un Arrigo emozionato, ma che ha avuto molto sangue freddo. Ha affrontato la recita leggendo dallo spartito, ma ha mostrato molta sicurezza e precisione, è stato nei tempi, anche perché pare avesse assistito alle prove. Siamo curiose di riascoltarlo: con qualche prova in più e una conoscenza più approfondita del ruolo, può dare delle soddisfazioni all’udito.

Quello che ci si chiede è come mai, visti i problemi di salute di Armiliato già dalla prima rappresentazione, il Sovrintendente non si sia attivato per cercare un sostituto: siamo al Festival Verdi e non in un piccolo teatrino di una sperduta provincia. Non si può pensare di affrontare un Festival che si ritiene d’alto livello e affidare una recita ad uno studente. Molto bravo, ha salvato una recita, e bisogna dargli merito per questo, ma non è rispettoso e giusto, nei confronti del pubblico, mandare in scena una rappresentazione sull’orlo dell’improvvisazione.

Continuiamo a non amare la scelta della trasposizione storica, ci ricorda troppo “Senso” di Luchino Visconti, con tanto di lancio di tricolori dal loggione. E poi, visto che già di cronaca ne abbiamo fin sulle punte dei capelli, fino a che punto era veramente necessaria la scena dello stupro collettivo?

Ma forse, considerati tutti gli eventi del Festival 2010, la regia di questi Vespri è il male minore.

A cura di
Augnese e Maria perpetua

Una splendida Devia cesella La Traviata al Comunale di Bologna

2010-10-18T15:39:00.000+02:00

Ma Dio esiste??? Questa domanda è molto difficile. Sappiamo tutti quanti filosofi e scienziati si sono cimentati a trovare la soluzione a questo dilemma che rimane tutt’ora fonte di accesi dibattiti! Ebbene, noi abbiamo la risposta: Dio c’è! Come facciamo a dirlo? Beh semplice, andate mercoledì sera a Bologna a sentire cantare Santa Mariella da Imperia!!!

Essa è la prova vivente della perfezione canora. La capacità di cesellare ogni singola nota a suo piacimento è qualcosa che affascina e lascia a bocca aperta. I fiati interminabili ti rapiscono in estasi e ti fanno immergere nella bellezza infinita di questo melodramma verdiano. Spesso ci siamo chiesti ieri: ma questa donna respira?????? No perché sembra che sia collegata ad un polmone artificiale a grande portata. Intere frasi, dove una qualsiasi collega, ben più giovine, respirerebbe almeno 3 – 4 volte, sono cantate alla perfezione in un fiato unico; se non ci fossi stato a sentirla dal vivo non c’avrei creduto. E che dire degli attacchi di Ah fors’è lui che l’anima, Amami Alfredo, Alfredo Alfredo di questo core, Addio del passato…. Che meraviglia sentire cantare con una tecnica tale che rasenta veramente la perfezione. Un piacere per le orecchie. Certo, nel registro grave e centrale ci sono momenti in cui si percepisce l’età non proprio tenera, ma è veramente poca cosa nel confronto al resto. Ovazioni a non finire, ovviamente, da parte di un pubblico in delirio, soprattutto negli applausi finali dove letteralmente il pubblico la acclamava con cori e ovazioni. Cose d’altri tempi. Per concludere, se non si fosse capito, ripeto che è stata una meraviglia che vale la pena di andare a sentire. Mai soldi del biglietto furono spesi sì bene e mai freddo e umido bolognesi sono stati sì piacevoli. (Approfitto per ringraziare i due amici che hanno permesso di godermi Mariellona nazionale ieri pomeriggio trovandomi i biglietti)

Ovviamente il cast era composto anche da altri membri. Gli uomini della Famiglia Germont non mi hanno fatto impazzire. Il figliuolo ha una voce non indifferente che arriva molto bene e dal timbro piacevole. Non so da quanto tempo canti, ma è evidente che necessita ancora di tanto lavoro per diventare un buon tenore. Complice, probabilmente, anche la regia, la sua è stata una prova un po’ piatta e incapace di trasmettere emozione. Il canto spesso è apparso forzato, soprattutto la salita all’acuto, ma la sensazione è quella di cantante cosciente dei suoi limiti che ha cercato di gestire al meglio il proprio mezzo. Qualche momento fuori tempo e con una ritmica tutta personale c’è stata con Marioti che ha fatto i salti mortali per riagganciarlo, ma complessivamente la sua prova è stata dignitosa. Il padre, come per il figlio, ha un mezzo che si fa sentire senza problemi ma ci ha dato l’impressione di un canto rigido con la voce controllata a difficoltà non appena si sale di registro.

Quello che non mi ha fatto impazzire è stata l’orchestra e la scelta dei tempi in generale. Tutto lo spettacolo è sembrato piatto e monotono con tempi a volte letargici. La stessa impressione mi ha fatto anche il coro. Era come assistere ad una recita con cantanti che cantano malvolentieri, giusto perché sono obbligati a farlo. Un po’ spenti insomma, ma questo penso che fosse per esplicita scelta del Direttore e/o del regista.

L’ambientazione e i costumi mi hanno lasciato indifferente e non hanno aiutato, a mio parere, alla realizzazione del dramma. Piuttosto mi è sembrata inflazionata la scelta del sesso lesbico alla festa a casa di Violetta o del tipo gay stile checca iper effemminata. Quest’ultimo, ormai, è cosa superata da tempo. Ho trovato particolarmente anonima anche la scelta della proiezione della corrida con successivo amplesso del toreador con la bella gnocchetta (che aveva delle gran belle tette però, questo va sottolineato). Lo sclero di Alfredo quando, appreso della fuga di Violetta, è insieme al padre mi è parso fuori luogo. In quel momento lui è distrutto, solo dopo aver letto della festa vorrà la vendetta. Infine, nell’ultimo atto, l’idea (non proprio nuova) della figurante che simboleggia Violetta sistemata in mezzo ad una stanza vuota ( per indicare l’estrema solitudine e decadimento della vita di Violetta???) non mi ha molto convinto. Non metto in dubbio che la cosa possa piacere tanto ma a me non ha detto proprio nulla e poco mi ha aiutato nella percezione del dramma di Violetta.

Alla fine comunque lo spettacolo funziona ed è stato salutato da applausi per tutti, con ovazioni e tripudi per la Devia ai quali ci uniamo convintissimi anche noi.

Brava Mariellaaaaaaa!!!!!!!!!!!!

Al loggion fa grave offesa chi manca di coraggio (Festival Verdi: la prima de "I Vespri Siciliani")

2010-10-16T19:22:00.002+02:00

Ricorderemo questo Festival Verdi come il Festival delle seconde.

Come per la prima de “Il Trovatore”, anche quella de “I vespri siciliani” è stata segnata da incertezze e indisposizioni.

Dopo aver visto l’anteprima giovani e la prova generale, eravamo fiduciose che sarebbe stata una serata interessante, con armonia tra buca e palco, con un ottimo coro e un cast ben assemblato, nonostante le difficoltà della regal coppia.

In loggione molti avevano la nostra stessa aspettativa, ma il ritardo di circa venti minuti aveva già lasciato intendere che il clima della serata non sarebbe stato dei più distesi.

Sin dal primo atto abbiamo iniziato a guardarci tutti con aria interrogativa: sembrava uno spettacolo completamente diverso da quello visto in prova generale. Appare difficile dare un giudizio complessivo sulla serata e il cast. Il clima non rilassato ha amplificato i noti punti deboli di alcuni cantanti; inoltre la regia, che si poteva solo apprezzare dalla platea, ha completamente dimenticato che in un Teatro esistono il III e IV ordine di palchi ed il Loggione.

Dopo un lungo intervallo, la serata è stata in continuo evolversi: Armiliato ha manifestato forti difficoltà vocali nel terzo e quarto atto, dopo il quale è stato annunciato un suo stato di indisposizione e tuttavia la volontà di proseguire la serata. A quel punto il pubblico, del loggione in particolare, ha manifestato un forte dissenso: l’annuncio dato prima dell’ultimo atto è sembrato a tutti pretestuoso. L’ultimo atto è trascorso tra un deludente Bolero e la voglia di tutti di andare a casa. Ma abbiamo resistito, per goderci i cantanti al proscenio, e qui Armiliato, pur giustificato dall’annuncio dell’indisposizione, ha indisposto noi, non affrontando da solo la ribalta. Più per questo, che per la cattiva prestazione, il loggione si è espresso a suon di “buuuuu”. Forse, se l’annuncio fosse stato dato prima dell’inizio, la serata sarebbe stata diversa.

Ad ogni modo, rendiamo onore a chi un merito, in quella serata, ce l’ha: notevole, infatti, l’interpretazione di Procida da parte di Giacomo Prestia, coinvolgente nella sua performance in platea, ha saputo emozionare tutti con il saluto alla patria ritrovata e l’invito alla riscossa.

“Il vostro fato è in vostra mano”, canta Elena nel primo atto: forse, da questa frase, avremmo dovuto capire il presagio di una serata infausta.

A cura di

Augnese e Maria perpetua

dulcis in fundo:Attila di Avatar con musica verdiana

2010-10-15T23:06:00.022+02:00

Il Verdi Festival 2010 arriva alla sua ultima prima. Attila.
Questo titolo poco eseguito a noi parmigiani è ben noto per averlo visto pochi anni or sono cantato da un cast stellare: Michele Pertusi, Dimitra Theodossiou, Roberto Servile e Walter Fraccaro.
Quest'edizione invece mette in campo tutti artisti giovani e agli inizi di carriera (tenore a parte a noi ben noto sia per la gradevole prestazione de I Lombardi alla Prima Crociata sia per un'interpretazione discutibile di Iacopo Foscari).
Finalmente si dà la possibilità ai giovani di emergere e non i soliti nomi.

Per cavalleria inizierò a parlare di Odabella (interpretata da Susanna Branchini). Il soprano ha una bella potenza vocale adatta per i ruoli Gencer anche se a volte gli acuti sono presi un po' troppo di grinta, (questa i nemici prima che con la spada li ammazza coi si bemolle molto affilati). In effetti non so se per Attila sia meglio morire o pigliarsi per moglie una donna così battagliera.

Attila (interpretata da Giovanni Battista Parodi, debuttante nel ruolo) ha il dono di aver una bella voce di basso anche se, col tempo continuando a frequentarlo, affinerà meglio il personaggio. Essendo il debutto, l'artista si è preoccupato di servire lo spartito riuscendoci discretamente. Bella lettura del famosissimo sogno, la resa è di una verosimiglianza stupenda di chi si sveglia dopo un incubo.
Il tempo, da galantuomo qual'è, rivelerà meglio i meriti che questo artista potrà mostrare con questo "flagello di Dio".

Ezio (interpretato da Sebastian Catana) ha deliziato le orecchie con una bella voce baritonale, non raffinata ma efficace per un soldato pronto a vendersi la progenitura per il piatto di lenticchie. l'aria del secondo atto risolta bene anche se non è emersa molto l'infingardia di questo Romano che, se fosse dei giorni nostri, ce lo troveremo in qualche ufficio pubblico.

Zyian Afteh era il Papa che ferma il capo degli Unni. Voce non monumentale ,come richiede qualunque figura religiosa nell'ambito lirico, ma ha fatto tutto quel che Verdi gli richiede sapendo trascinare il non facile finale d'atto.

Foresto aveva voce e volto di Roberto De Biasio.

Il Coro del Teatro Regio di Parma, diretto da Martino Faggiani, è stato all'altezza dell'aspettativa mostrando un ottimo lavoro di squadra ed impeccabile musicalmente in tutte le pagine corali.

Gradita sorpresa la direzione del giovanissimo Andrea Battistoni che ha dimostrato di saper tenere agganciati palco e buca. Direzione col giusto tocco badilesco senza mai eccedere ma che non ha mai coperto i cantanti (in certi punti anche Von Karajan avrebbe fatto fatica a sopraffare tanto materiale vocale). Complimenti per la splendida resa dell'aurora sulla laguna veneta (vorrei averla io tutte le mattine dalle mie finestre uno spettacolo naturale come quello reso da questo direttore d'orchestra.

La regia di Pierfrancesco Maestriniha puntato sul fatto che l'Attila di Verdi non ha niente in comune con il personaggio storico. Ha creato una fantastoria dove i Romani e gli Unni sono 2 popoli tipo "Avatar" o "Aida degli Alberi" pur rispettando il libretto passo per passo. I cambi di scena erano rese con splendide diapositive che ricordavano certi videogiochi cd "Giochi di ruolo". La scena finale era Attila trafitto su uno scudo che da orizzontale diventava verticale come se volesse mostrare il cadavere di Attila. Bella cura dei particolari sempre presente in ogni momento dell'Opera.

Applausi per tutti anche da madre natura che ha "applaudito" a modo suo. Con tante belle goccioline di pioggia.

Bellissima rappresentazione di "Les dialogues des Carmélites" a Nizza

2010-10-13T19:43:00.000+02:00

Spettacolo di una bellezza ammaliante: Carsen come al solito, con pochissimi elementi, utilizzando il gioco delle luci ed i movimenti scenici riesce a creare la scene, l’atmosfera l’ambiente e l’intensità del dramma come nessun altro. La scena si apre su di uno spazio che non è altro che una semplice scatola grigia con il pavimento cosparso di abiti da monaca aperti come tante croci, poi ecco che il dramma inizia subito senza alcuna ouverture e come dal nulla la scena si riempie di una folla di popolani che avanzano lentamente fino ad invaderla completamente fermandosi immobili in proscenio (una immagine che ricorda il famoso di dipinto di Pellizza da Volpedo “ll quarto stato): con questa semplice presenza vagamente minacciosa Carsen riesce ad evocare il clima della rivoluzione francese dell’epoca del “Terrore”.

Dalla massa di popolani poi esce un semplice elemento scenico: una poltroncina settecentesca che da sola evoca l’ambientazione del primo quadro (ovvero la casa del marchese resa semplicemente dalla presenza di questa poltrona d’epoca e dall’abbigliamento dei presenti). Ed ecco che entra in scena Blanche una Karen Vourc'h deliziosa sia come presenza scenica, sia dal punto di vista recitativo e vocale , peccato che nel corso dell’opera, (ed in particolare negli ultimi quadri quando la sua parte si fa più drammatica e il canto più concitato), la sua linea di canto perde un po’ di quella precisione e soavità che mi aveva incantato all’inizio: gli acuti si fanno un po’ striduli, la voce più aspra ed un po’ meno corretta, comunque nel complesso ha fornito una buona prestazione completata da un’ottima recitazione. Altrettanto bravo il resto del cast con particolare attenzione alla Mere Marie di Sophie Koch con un canto molto misurato e convincente per non parlare della prova superlativa Sylvie Brunet nel ruolo della vecchia priora. Inaspettatamente ottima poi, la prestazione di June Anderson nel ruolo della nuova Priora, la quale mi ha notevolmente sorpresa per l’autorevolezza del canto (nonostante il suo stato vocale ultimamente non mi fosse parso certo dei migliori) in questo ruolo comunque, è stata veramente convincente a dimostrazione che “la classe non è acqua”. Buoni più o meno tutti gli altri con qualche appunto per la Costance di Hélène Guilmette con un canto a mio avviso un po’ troppo isterico e ricco di acuti selvaggi abbastanza fastidiosi (anche se debbo dire che dopo tutto il suo canto un po’ “sopra le righe” era abbastanza giustificato dal personaggio che interpretava e pur urtandomi un po’ i nervi è servito senz’altro a rendere alla perfezione il carattere un po’ troppo esuberante e impertinente della novizia. La direzione era affidata alla superba bacchetta di Michel Plasson, giustamente osannato dal pubblico di Nizza (che sicuramente lo ama perché lì è di casa) ma che è sicuramente uno dei maggiori specialisti in musica francese e lo ha dimostrato. Nei momenti più lirici egli ha saputo incantare con un suono fluido e avvolgente (come nel momento della vestizione d Blanche momento di grande emozione (complice anche la sapiente regia che fa emergere, dal capannello di monache che la aiutano nella vestizione e che piano piano si disperde, una Blanche in abiti monacali che rimane sola in scena illuminata solo sul volto da una potente luce bianca che scende dall’alto quasi un illuminazione divina) Nei momenti drammatici invece Plasson è riuscito mirabilmente a creare un clima di forte tensione e crescente emozione con suoni secchi incalzanti e determinati. Magistrale lo splendido finale dove la dolce e sofferta melodia della preghiera viene squarciata dai secchi colpi metallici dell’acciaio come una lama ce entra nella carne e squarcia l’animo creando un emozione ed una tensione altissima mentre la scena vede avanzare le monache nelle loro vesti bianche (quasi agnelli sacrificali) che ondeggiano con movimenti fluidi scandendo la loro dolente preghiera mentre ad una ad una cadono a terra ad ogni sciabolata d’acciaio disegnando col proprio corpo tante croci simboliche. Spettacolo insomma a dir poco entusiasmante che vale la il prezzo di qualsiasi trasferta. consiglio a tutti caldamente.

Les dialogues des Carmélites
di Francis Poulenc

Direction musicale Michel Plasson
Mise en scène Robert Carsen*
Décors Michael Levine*
Costumes Falk Bauer*
Lumière Jean Kalman*
Réalisée par Jean Kalman*
réalisé par Jurgen Kolb*
Chorégraphie Philippe Giraudeau*
La marquis de La Force: Jean-Philippe Lafont
Blanche: Karen Vourc'h*
Le chevalier: Frédéric Antoun
L'aumônier du carmel :Paul Agnew*
Geôlier: Jean-Philippe Lafont
Madame de Croissy: Sylvie Brunet*
Madame Lidoine: June Anderson
Mère Marie de l'Incarnation: Sophie Koch*
Sœur Constance de Saint Denis: Hélène Guilmette*
Mère Jeanne de l'Enfant Jésus: Julia Brian*
Sœur Mathilde: Bérengère Mauduit*
Officier: Richard Rittelmann
Premier commissaire: Thomas Morris
Second commissaire: Bernard Imbert
Thierry: Ioan Hotensche
M. Javelinot: Thierry Delaunay
Orchestre Philharmonique de Nice
Chœurs de l'Opéra de Nice
Production De Nederlandse Opera

A cura di
Lucia Pinghella

Addio a Joan Sutherland

2010-10-11T19:33:00.000+02:00

Un addio commosso a Joan Sutherland (Sydney, 7 novembre 1926 – Ginevra, 11 ottobre 2010), il grande soprano. E visto che siamo in pieno Festival Verdi la ricordiamo così...

Compiuto è il rito: appena concluso il massacro de "I Vespri Siciliani" al Regio di Parma

2010-10-11T02:20:00.000+02:00

Era il 10 ottobre 1813 - Buon Compleanno Maestro!!!

Per "onorare" il compleanno del Maestro il Teatro Regio ha deciso di iniziare le recite de "I Vespri Siciliani". Doveva essere la rivincita per il Festival dopo una penosa partenza. Ahimé purtroppo la serata è andata proprio male. Il tenore si è ammalato proprio nel finale (non che avesse brillato prima, anzi), il soprano domani ci diranno che era indisposta causa qualche venticello dispettoso e che..., beh insomma avete capito. Non è stata un gran serata, anzi, forse è una di quelle serate che andrebbero dimenticate alla svelta.

Possiamo già predire i titoli della Gazzetta di Domani: Grande successo e pioggia e di applausi per i protagonisti di questi Vespri. E la storia continua....

Bolero - Daniela Dessì

Parte il Festival Verdi al Regio di Parma

2010-10-06T12:50:00.003+02:00

Eccoci, ci siamo. Anche per quest'anno il Teatro Regio di Parma ha dato via all'attesissimo Festival Verdi 2010. Il programma completo di tutto il Festival lo trovate nelle pagine on line del teatro.
Ebbene, noi non potevamo certo mancare. Infatti eravamo tutti lì, o quasi, seduti lassù in piccionaia tra il volgare, ma che dico volgare, il meglio definito pubblico di merda del loggione per assistere alla prima de "Il Trovatore" (Ahimé, essendoci mischiati con questi volgari parmigiani siamo ricaduti anche noi nella definizione di pubblico di merda..., ma chissene...)

Ecco quindi che scende un telo bianco, di quelli usati per proiettare le presentazioni, e in pieno stile trash "coronas" parte un filmato auto-celebrativo di dubbio gusto. (ultimamente il trash va molto di moda) Che cose c'entrasse con Verdi e con la sua celebrazione questo non è dato sapere. Noi l'abbiamo filmato, (appena possibile lo carichiamo) ahimé non tutto perche la cosa ci ha presi impreparati. Lo abbiamo fatto per farvi vedere quanto si vive bene a Parma! (o, a meno che voi non siate ragazzini di colore o altra gentaglia. In quel caso avreste a che fare con i vigili, ma questa è una storia differente che nella pubblicità non trova spazio)

Autocelebrazione del Comune di Parma (si sentono pure i commenti dei loggionisti :D)

Il maestro Termikanov ci ha messo un po' prima di presentarsi al pubblico, però alla fine è arrivato e questa volta, a differenza di tutto il cast e di tutte le volte che doveva suonare a Parma, stava bene. Sì lo so che è una cosa difficilissima da credere, ma era in piena salute, ve lo garantiamo noi che lo abbiamo seguito per oltre due ore alla direzione del Trovatore. Il Direttore non ha convinto il pubblico, o almeno è stata la figura forse più discussa in loggione durante l'intervallo. Eh sì perché sembrava fosse da solo in teatro. Per carità, il suono dell'orchestra non lo mettiamo in dubbio, ma i tempi staccati certe volte erano strazianti. Mancava una lettura complessiva personale dell'opera, il lavoro sul cast, sul coro. Si capisce benissimo che ci ha lavorato poco e niente. Ci siamo chiesti: ma ha mai provato quest'uomo prima di andare in scena????? Mi dicono che c'era all'ante-generale e alla generale. E poi? Chi sa qualcosa si palesi e parli!!!!!!
Su Azucena non v'è molto da dire, mai visto un loggione tanto conforme nel giudicare la prova del mezzosoprano Taràsova indegna di qualunque teatro d'opera in questo ruolo. Eh sì perché il mezzosoprano c'entrava con Verdi come i cavoli a merenda. In palese difficoltà già dalle prime note ha optato per una riscrittura veloce della partitura. Laddove non era in grado di cantare ha semplicemente recitato (o declamato secondo alcuni :-O), pure questo fatto male. Abbiamo quindi assistito al SUO Trovatore che per carità, può far impazzire i grandi critici della letteratura, ma non l'ignorante e becero loggione di Parma. Ah, quest'ultimo è stato proprio maleducato e irrispettoso di una signora simpaticissima che ha preso solo un fracasso di soldi per fornire una prestazione che è stata solo scandalosa! Eh insomma sì, ammettiamolo, al giorno di oggi non è educato contestare. Il tutto andrebbe accolto se non altro con un applauso di cortesia per far vedere che noi siamo superiori a tutti!!!(a tutti chi???) Tra l'altro, la cosa grave, è che ha contestato anche qualcuno dalla platea!!!??? Ma vi rendete conto????? Insomma il mondo non è più quello di una volta... (e meno male, altrimenti la recita non sarebbe nemmeno terminata e ci avrebbero arrestati tutti!!!)

Oh, ma non è mica finita. La Fantini era malata ma ha cantato lo stesso senza preannunciare l'indisposizione. Lo dico perché io l'ho saputo solo il giorno dopo che non stava bene. Però mi chiedo, se uno non sta bene mica canta, soprattutto se ha la sostituta. Ad ogni modo va ammesso che la signora ce l'ha messa tutta per offrici una prestazione di qualità, ahimé non sempre ci è riuscita. Eh sì perché la sensazione era di un canto eseguito con fatica, con suoni che diventavano duri e aspri appena si cimentava nella tessitura alta. Gli acuti sono stati tutti castrati, le agilità eseguite non erano dei capolavori e soprattutto, la cosa che più credo abbia un po' stizzito il pubblico del loggione (che ricordiamo è volgare becero e di merda, non si sa mai che qualcuno ne perda memoria) è il piattume generale che ha mostrato nel canto. La sensazione che ci ha trasmesso è quella della scarsa importanza data alle parole. Il canto è stato monocorde. Un po' come quei professori in università che dopo 10 minuti che spiegano hanno già addormentato mezza aula. Nel canto è mancato il trasporto, la passione e l'emozione. Ecco, questa è forse la maggior critica che le si può rivolgere. Poi pazienza se le è rimasto un acuto in gola e gli altri li ha evitati come la peste. La Leonora appassionata, innamorata, addolorata e alla fine morente, alla prima era assente. Tuttavia il loggione alla fine ha preferito rimanere in silenzio, senza applaudire e senza contestare sonoramente anche se qualche buu alla fine è stato lanciato (Oh ma sti parmigiani....)
E veniamo ad Alvarez... Eh che dire. Nel 2006 era tutt'altra cosa. Non l'abbiamo riconosciuto e non l'abbiamo apprezzato. Il canto ci è parso uscire con molta fatica, certe agilità forse sarebbe stato meglio evitarle. Nel complesso non ha funzionato e non ha soddisfatto e il loggione è rimasto freddo e muto. Qualcuno ha contestato, ma nulla di importante. Certo, v'è da dire che per lui cantare accanto alla Taràsova non è stato facile (se non altro perché egli ignorava Il Trovatore cantato dal mezzosoprano) però non ci sono scuse che tengono. Marcelo alla prima ci ha delusi.
Oh chi rimane? ... Ah Leo nel ruolo del Conte di Luna. Beh l'onnipresente Leo è corso in salvataggio alla recita in seguito al protrarsi della malattia di Sgura che ha preferito rinunciare alla prima (scelta saggia la sua). Leo non è partito proprio bene e il loggione (sti loggionisti hanno proprio rotto eh!!! Che lavor!!!) non hanno mancato a sottolineare la cosa rumoreggiando disturbando, quindi, i grandi critici delle prime file della platea (mi chiedo sempre come faccia questa gente a dormire la notte dopo aver disturbato in tal misura sì perfetto Trovatore! Mah!) Poi Leo, che non canta certo da due giorni, ha saputo destreggiarsi. Nonostante ciò anche noi grandi fan ci siamo rimasti un po' male eh, diciamocelo. E via durante l'intervallo a parlare e discutere. Chi diceva che ormai l'età si sente e chi dice che il Conte di Luna non è mai stato un suo cavallo di battaglia nemmeno da giovane. (oh, tra i beceri del loggione c'è anche gente che è fan di Bruson, immaginatevi le scene) Alla fine però Leo è l'unico che strappa il vero applauso della serata in conclusione de "Il balen del suo sorriso".

Orbene chi manca? Oh i comprimari. Beh questi hanno offerto una prestazione dignitosa, certamente migliore dei protagonisti, ma la serata era andata a ramengo e in pochi hanno prestato attenzione alle loro prestazioni. E poi c'è il coro, il mitico coro a cui il pubblico (di merda) di Parma vuole veramente tanto tanto bene, se non altro perché hanno sempre confermato, di recita in recita, di essere un coro professionale e preparato che ci ha sempre offerto grandi soddisfazioni anche in serate veramente brutte (e il Signore sa quante ce ne sono state negli ultimi anni!!!). Ecco, diciamo che questa volta dal coro ci si aspettava qualcosa di più. Spesso tra loro e la buca ci sono stati degli scollamenti che avremmo preferito non sentire.

Per il resto credo che l'orchestra abbia cercato di seguire puntualmente le indicazioni del Maestro offrendo un suono pulito, omogeneo e non cacciarone come spesso, ahimé, accade a Parma. Purtroppo le intenzioni del maestro non hanno tenuto conto del palcoscenico.

All'uscita in proscenio dei quattro protagonisti sono partiti i buuu, senza distinzioni. Alle uscite singole pesantemente contestata il mezzosoprano e Termikanov.

Il video delle contestazioni finale (da Youtube)

Cenerentola di Rossini ovvero come fu che Angelina andò al ballo con l'ambulanza anziché con la carrozza!

2010-08-27T09:50:00.019+02:00

Il titolo è un modo comico per ringraziare la Signora Pizzolato che ha dimostrato una grandissima prova di professionalità concludendo la recita nonostante un infortunio in scena durante l'apertura del Codice delle Zitelle nel primo atto. Le auguro a nome di tutto il blog una pronta guarigione.
Lo status incidentato ha inciso minimamente solo nel Rondò ma un'inezia vista la minima differenza con lo standard solito delle prestazioni di questo grandissimo mezzosoprano.
In compenso il resto del cast era di altissimo livello (a parte le sorellastre che, a mio avviso, erano troppo preoccupate a far da contr'altare a Cenerentola più che a far corpo unico con Don Magnifico e l'aria di Clorinda, già brutta per colpa di Angiolini, l'aiutante di Rossini, ha mostrato questo aspetto) ed è sempre un piacere dover scrivere una recensione dove l'unico problema è non far l'agiografia dei cantanti.

Brownlee ha dimostrato che le recite del Barbiere di Milano non sono state un caso sporadico. Il duetto con l'Angelina della Pizzolato era a rischio diabete dalla dolcezza del canto di entrambi. Personalmente ho apprezzato di più l'aria del secondo atto dove i virtuosismi erano da restare a bocca aperta. La voce è più corposa di certi suoi colleghi (per capirci ad esempio, Juan Diego Florez) ma riesce a farci quello che vuole in un'opera come la Cenerentola (leggerissimamente meno ad esempio nel Pace e Gioia del Barbiere).
Paolo Bordogna ha mostrato un Don Magnifico perfetto. Crudele ma non troppo e con belle gag (è una delle poche volte che mi diverto con l'aria del cantiniere con la difficioltà. dovuta all'alcool, di dire "AFFLIGGETELO"). La prima aria partita col tono non pimpante tipico di chi si sveglia (lo devo dire: la famiglia del Mulino Bianco che alle 7 del mattino si alza bella carica non esiste!!!), nel "Sia qualunque delle figlie" ha mostrato un sillabato molto buono, migliorato nel duetto "Un segreto d'importanza" (qui affiancato da un Alaimo che ha rispettato tutte le note).
Nicola Alaimo, nei panni di Dandini, ha dato una buona interpretazione risolvendo con la recitazione i problemi dell'aria a freddo. La voce si è scaldata e dal quintetto in poi volava sullo spartito di Rossini.
Alex Esposito nei panni del Precettore si è mostrato a proprio agio, anche se il confronto con il suo predecessore (Ulivieri nella precedente edizione) ha messo in risalto la voce meno ampia. La tecnica però ha permesso di riuscire bene in tutta la partitura soprattutto nella difficile aria rossiniana (l'edizione era completa anche con le parti dell'aiutante del compositore Pesarese, ma tra l'aria scritta dal Maestro e quella della prima recita si è scelta l'aria riscritta da Rossini).
Completavano il cast il Coro del Comunale di Bologna, Manon Strauss Evrard come Clorinda e Cristina Faus come Tisbe.
La regia era quella nota di Ronconi dove la casa di Don Magnifico pare la vetrina della Emme Lunga e il palazzo di Don Ramiro l'esposizione di un negozio di camini. Regia tradizionale con qualche scena per me non comprensibile come ad esempio il fatto che Don Magnifico dorma in scena, non si sveglia quando il coro dei servi del Principe invitano le sorellastre al ballo (cantandogli praticamente sopra le orecchie) ma scatta come una molla quando le figlie fanno "Ps Ps" davanti al comodino.
La direzione di Yves Abel coniuga benissimo l'elemento fiabesco (come ad esempio i pianissimi di inizio dell'Ouverture) con la teatralità che richiede un'opera lirica senza mai creare scollamento tra palcoscenico e buca.

Sigismondo a Pesaro ovvero "Rossini musicò IL PAZZO DI BERGERAC"

2010-08-24T11:25:00.016+02:00

Dopo impegni vari si ritorna a esprimere il nostro parere sugli spettacoli a cui abbiamo assistito. Hip Hip Hurrà.

E attacchiamo subito con una recensione per niente facile, di un'opera poco conosciuta come il Sigismondo musicato da Rossini con musica divina e un libretto più inverosimile e zoppicante di quel che uno può immaginare.
L'opera si apre quando la storia è già iniziata. Il Re Sisigmondo è impazzito: egli teme la vendetta di Ulderico, padre della moglie Aldimira, che ha fatto uccidere per infedeltà. Aldimira è viva, poichè salvata da un fedele del Re Sigismondo all'insaputa di tutti poiché Aldimira è stata vittima di una trappola del perfido Ladislao, che ha inventato tutto.

Aldimira incontra di nuovo Sigismondo, sotto falso nome, seducendo il re, che la vuole sua sposa; lei accetta, ma vuole rivedere il genitore, che sta proprio per scontrarsi con Sigismondo.
Ladislao intanto rivela a Ulderico il delitto e che Aldimira non è viva, scatenando l'attacco. Sisigmondo perde la battaglia ma non muore (come invece capita spesso ad esempio a Tancredi), ma salva Aldimira dalla spada di Ladislao.
L'inganno viene svelato, Ladislao è incarcerato, e l'opera si conclude nel tripudio generale.

Partiamo dalle laudi dei cantanti applauditi sempre ad ogni pezzo chiuso. Sono stati applauditi non per cortesia ma perchè regalavano emozioni come se fossero Babbo Natale il 25 dicembre...
Niente fuori tempo, non una sbavatura, non un'imprecisione con particolare nota per Daniela Barcellona, la quale oltre a cantare la non semplice parte del Re Sigismondo ha dato una prova recitativa degna dei grandi attori cinematografici del passato con cura dei particolari ed una fedelissima riproduzione dei gesti di chi ha perso la virtù della mente.
Se un giorno la signora Barcellona dovesse lasciare il canto (mi auguro il più tardi possibile) la andremo ad applaudire come attrice. Non va dimenticata la precisione canora nei duetti, nelle arie in cui deve saper mostrare col canto la pazzia del Monarca e soprattutto nella grande aria vera prova del nove per chi volesse cimentarsi in questo ruolo.

L'altro elemento femminile del cast era Olga Peretyatko nei panni della sventurata Aldimira (esco un attimo dall'argomento per complimentarmi con questo soprano perchè dopo una recita di Sigismondo e meno di 8 ore di riposo ha cantato egregiamente sia la morte di Didone che le Nozze di Teti e Peleo bissando il rondò che ha la stessa musica di "Nacqui all'affanno"). La sua prestazione è stata molto bella anche se la voce non è oceanica e qualche volta nei duetti si perdeva un po', non dico che spariva, sia chiaro! Una minuzia che non ha inficiato più di tanto e che, se non fosse stato Rossini che ha usato lo stesso stile per duetti assai più conosciuti, (penso ad esempio a quelli tra Amenaide e Tancredi) non me ne sarei nemmeno accorto.

Antonino Siragusa, nei panni di Ladislao, ha mostrato le sue doti già nell'aria "L'immago Tiranna" anche se ha dato il meglio di sé nella cabaletta, "Della pace il bel sereno", mostrando tutto il virtuosismo presente nello spartito. Il resto della sua serata per quanto lo riguarda è andato in crescendo dimostrando di essere uno dei migliori tenori rossiniani in circolazione.

Andrea Concetti si rivela un caratterista operistico che sa sfruttare bene i pochi momenti che Rossini e Foppa hanno concesso a Ulderico ed a Zenovito (interpretati bene e trovando una loro personalità, cosa non facile visto il tonnellaggio degli altri personaggi). Un esempio per tutti è stato il dialogo (più che duetto) tra lo suocero di Sigismondo e Ladislao dove non è mai calato il pathos drammatico della scena, a dire il vero non tra le più felici del catalogo rossiniano.

Buoni il coro ed i comprimari. Magnifica direzione d'orchestra di Michele Mariotti che ha dimostrato di saper guidare buca e orchestra (direttore che sta iniziandomi a piacere dopo un periodo in cui non mi rendeva giubilante se dovevo andarlo a sentire).

E mo' comincia il mal di fegato. Sì. Non mi sono mai tanto incaz...volato per una regia operistica. Peccato perchè l'anno scorso la sua Scala di Seta mi era piaciuta tanto.
Il primo difetto di questa regia è che ci bastano i cantanti che urlano perchè non sanno cantare. Se la locandina, come in questo caso, di questi artisti non ne fa salire manco uno sul palcoscenico perchè farceli ricordare per forza coi richiami delle comparse? Soprattutto mentre la musica di Rossini chiederebbe solo di esser sentita in silenzio.
Mi è stato risposto che la pazzia è il filo conduttore del Sigismondo e quindi il manicomio viene giustificato dal fatto che Sigismondo ha perso il senno. Con questo discorso allora il Simon Boccanegra dev'essere ambientato negli studi di Chi l'ha Visto? e la Fedora in quelli di Blu Notte!

Secondo difetto: Se il libretto mi dice Foresta che c'entra la Domenica delle Palme? Oppure Micheletto ha confuso il Sigismondo per Macbeth e ci ha messo la Foresta di Birman?
Stesso discorso vale per la sala del castello di Sigismondo che ricordava molto il Bar del Bertram Hotel di Marpliana memoria.
Per favore qualcuno dica al Regista che il Pazzo di Bergerac è stato scritto da Simenon quando Rossini si era già ritirato!

Per chi avesse soltanto seguito alla radio questo spettacolo ricordo che il primo atto era ambientato in un manicomio diretto da Zenovito, colui che salva la Regina, dove il Re, riconosciuto come tale, veniva cioccato in corsia in mezzo agli altri matti comuni (dev'essere un manicomio Repubblicano!). Mentre il secondo atto, dove i matti comparivano assai meno (va a capire perchè alcuni hanno avuto l'onore di fare la gita al castello!!!), lo spettacolo si sarebbe anche potuto guardare dato che la regia diventava assai più fedele al libretto. Lo stomaco purtroppo era già inversato.

Mi auguro che venga fatto il cd di questo spettacolo così il buono non va disperso. Più che buono lo chiamerei "La Fiera del Belcanto Rossiniano".

Werther a parma:Si chiude in bellezza

2010-05-22T20:09:00.017+02:00

Scusate il ritardo, cari lettori, ma c'è stato un po' di lavoro in parrocchia e soprattutto un po' di caos a causa degli scioperi indetti dai vari teatri contro il Decreto Bondi.

Ora per fortuna possiamo ritornare a recensire come si faceva un tempo. Queste recensioni, non mi stuferò mai di dirlo, dove bisogna solo rischiare di non incensare troppo sono le più belle.

Da mazzuolare nel Werther che ha chiuso la stagione del Teatro Regio di Parma c'era soltanto la regia di Marco Carniti della quale non ho capito il senso. Per esempio nel primo atto inizia davanti alla casa del Podestà poi non si capisce più se si è dentro o fuori o addirittura se Werther entra in questa casa come se fosse Casper. Questa è solo una delle tante scelte registiche da me non ben recepite nonostante le tre recite viste ma tutta la regia è piena di queste trovate come ad esempio la spinetta che "è rimasta così come quando te ne sei andato" (dice Charlotte) e passa dal salotto alla soffitta (quest'ultima più piena di roba che la mia cantina, c'è da notare che ne ha deò miracoloso il fatto che i personaggi riuscissero a muoversi agevolmente in quel baito).

Meno male che l'orecchio ne esce assai più festoso. Michel Plasson dirige bene, accompagnando i cantanti senza coprirli. Anche se le note basse mi sembravano leggermente troppo cariche ma sono sottigliezze.

Francesco Meli ha dipinto un Werther da manuale. Già con il suo ingresso "O Nature" mostrava le carte sfumando le parole dove servivano. Le "poesie" pipparole di Werther non avevano mai il tono artefatto ma erano le normali declaratorie di un poeta.
Inutile dire che il "pourquoi me reveiller" è stato un successo salutato dall'ovazione del pubblico ad ogni recita. Certo, col tempo migliorerà la recitazione ancora acerba anche se, personalmente, non mi ha disturbato dato che Werther, sarà anche un poeta, ma visto anche come bamboccione eternamente indeciso e tiratardi come pochi non sfigura.

La Charlotte di Sonia Ganassi (al ritorno dopo il lieto evento) è una prova maiuscola. Una donna che, nonostante l'amore che prova per Werther, non si sottrae agli impegni imposti dalla società e dal giuramento alla madre. Una Charlotte appassionata sia nel duetto del corteggiamento del primo atto sia sofferente nel dare l'estremo saluto al suo amante suicida. La scena delle lettere e il successivo duetto con la sorella (più che un duetto pareva una gara di bravura con Serena Gamberoni) sono state una delizia per le orecchie.Questa pagina mi ha particolarmente colpito per come si amalgamavano bene la gioia di Sophie con "l'augello dell'aurora" (già usignoleggiato fin dall'inizio del secondo atto)onnipresente e "l'erosione della disperazione" mai gigionata di Charlotte.

Se il repertorio italiano (soprattutto quello donizettiano) ben si attagliano alla voce e alla tecnica di Sonia Ganassi, anceh il repertorio francese le si adatta bene. Mi auguro di sentirla presto in altre opere di questo repertorio.
Serena Gamberoni e Giorgio Caoduro (rispettivamente Sophie e Albert) hanno saputo ritagliarsi i loro spazi anche se non aiutati dallo spartito e dal libretto.
Giorgio Caoduro ha ben cantato il duetto con Werther (un Meli ormai svuotato dal dolore dopo un "Un autre est son epoux" emozionante e cantato come se il personaggio fosse al limite della pazzia) mostrando tutta la voglia di cavarsi dalle scatole un rivale che potrebbe diventare pericoloso.
Per quanto riguarda Sophie, oltre a quel che è stato detto sopra, bisogna ringraziare Serena Gamberoni di aver portato un po' di allegria in una storia che, altrimenti, sarebbe sempre cupa e/o soffocante.
Il coro era diretto da Martino Faggiani, mentre le voci bianche da Sebastiano Rolli.
Come dice Don Alfonso "Saldo amico finem laudam", più Laudam di così non saprei cosa si potesse fare! (una regia forse più agevolmente comprensibile?)

Lucia di Lammermoor a Genova: Le orecchie stracontente... gli occhi meno!

2010-03-26T22:08:00.032+01:00

Si passa dalla Dogaria di Genova al Teatro Carlo Felice (ci manca solo una bella mangiata di trofie col pesto poi abbiamo fatto il pieno di genovesità!!).
Mentre a Parma continuano le recite di Simon Boccanegra, nella città Superba va in scena, ancora per pochi giorni, Lucia di Lammermoor di Gaetano Donizetti, su libretto di Salvatore Cammarano che ha fatto una magnifica opera di sfoltitura delle digressionanti descrizioni che Walter Scott compie ne "La Sposa di Lammermoor", romanzo ora di difficile reperimento ma che in passato era molto famoso.

Quest'edizione è composta dal seguente cast:
Giorgio Caoduro (Enrico)
Jessica Pratt (Lucia)
Stefano Secco (Edgardo)
Enzo Peroni (Arturo "lo sposino")
Roberto Tagliavini (Raimondo)
Ornella Vecchiarelli (Alisa)
Francesco Piccoli (Normanno)
Regista Gilbert Deflo, Scene e Costumi Wiliam Orlandi,
Direzione orchestrale Daniel Oren

Questa è il cast della recita domenicale a cui assistetti.

Partiamo dalle note dolenti ovvero gli ultimi nomi in fondo alla locandina. Daniel Oren è stato un direttore che ricordavo molto bravo con esecuzioni splendide (come il Rigoletto a Piacenza o Nabucco in Arena), stavolta, a parte aver accorciato l'opera che sembrava un riassunto di Lucia (l'edizione era quella anni '50).Un plauso per aver tagliato il duetto della torre dove abbiamo perso l'occasione di sentire un'altra pagina cantata da Giorgio Caoduro ma tale perdita è ampiamente compensata dall'averci risparmiato di aver sentito la controparte di questo duetto, il tenore che sentii già a Parma (vi rimando alla recensione per i commenti).

Altro difetto di questa direzione oreniana è la discontinuità.A momenti sublimi come la direzione nella pazzia si accostano pagine come il sestetto dove l'effetto era molto puntato sul fatto che Casa Ashton è allo sbando e il matrimonio dovrebbe tenere uniti un po' tutti...
Col parentado Oren non c'è riuscito molto bene nel tenere tutti uniti ma con le guardie sì. Non ho mai sentito il coro iniziale così coperto... Sarà un residuo meteo di questo inverno molto nevoso! Se un corista avesse voluto uscire dal coro lo avrebbe potuto fare tranquillamente che non si sarebbe sentito manco se fosse stato Corelli!
Passiamo ai costumi che non davano molto fastidio anceh se lo stile ottocentesco in una storia da cappa e spada c'entrava poco. Quel che dava fastidio era il troppo nero presente anche nei tessuti oltre che nelle scene (di cui parlerò tra poco). Va bene che finisce con 3 funerali ma loro mica lo sanno(e manco il povero Raimondo, il quale avrà molto da lavorare, con le benedizioni, certamente più che sul palcoscenico dato che con tutti quei tagli aveva praticamente solo la scena in cui narra la morte dello sposino; ne approfitto per fare i complimenti a Roberto Tagliavini che ha saputo cogliere al volo l'unico momento che aveva per mostrare che mezzi e tecnica abbia, gli auguro una carriera piena di bei momenti magari più lunghi).
I movimenti erano di quelli che ti fanno gustare l'opera., nei quali non c'è da correre con lo sguardo da destra a sinistra per seguire tutti, pochi ma usati dove debbono essere messi. L'unico veramente censurabile è stato quello delle guardie sulle panche che sembravano i frati dell'opera di Verdi che non si può nominare sia all'apertura del sipario che quando ritornano dalla ronda (poverini erano stanchi, forse anche denutriti viste le ristrettezze economiche del Padrone!). Se quelle panche le avessero date ai nobili parenti le due scene sarebbero state un po' più gradevoli, secondo mio parere che condivido!
La scenografia era sempre eternamente nera ed estremamente spoglia. Presumo fosse per significare il degrado di Casa Ashton.
Poteva andar bene per il capanno delle guardie (che più grezzo è meglio è anche se le panche facevano un brutto effetto già descritto), ci stava per la cappella innevata esternamente del finale (unica vera scenografia meritevole di elogi) e anche per la landa desolata dove si trovano i due segreti innamorati (che tra l'altro non dovrebbe poi essere il cimitero dove è sepolta Mrs Asthon? E perché l'ambientazione di questa scena la cioccano sempre nei posti più isolati?) ma che perfino il lampadario della sala più bella del castello sia nero e che venga abbassato nel muso degli invitati ancora presenti proprio no! Stesso discorso valga per le pareti nere effetto Teatro La Fenice di Venezia.
Per farla breve, un gran brutto vedere...
Meno male che c'erano le voci (tenore a parte che, sebbene abbia ridotto alcuni spigoli della prestazione di Parma, nella sostanza non si è discostato di molto da allora e per questo rimando i lettori alla recensione già fatta all'epoca).
Il resto è all'altezza dell'opera. Per Cavalleria parleremo prima di Jessica Pratt (Lucia). E' molto maturata dall'ultima volta che l'ho sentita. I suoni sono pieni e più solidi. Le colorature della pazzia non sono solo note belle da sentire ma usate per sottolineare l'estraneità dalla realtà di questa ragazza (suoni che ricordano in certi punti la Scotto, come certi gesti tipo l'usare i capelli come una tenda per sottolineare lo stato mentale di Lady Ashton). Il duetto con il fratello poi è da manuale. Ogni nota sottolinea il "non capire", un cervello che è ovunque meno che di fronte a Enrico (qui interpretato da Giorgio Caoduro che ha giocato tutto il brano ed il ruolo sul fatto che Enrico Ashton è un Lord più che l'antagonista della storia) pur non dimenticando che è un'opera ed infatti la stretta è cantata a una voce dai due interpreti.
Giorgio Caoduro mi ha insegnato che Enrico Ashton può essere convincente anche se non carica la mano sul lato truculento. Già dall'inizio l'aria e la cabaletta sono ben solide dal punto di vista musicale anche se la voce è leggermente fredda. Difetto che però ci sta con chi "n'ha ben d'onde d'esser turbato".
Roberto Tagliavini ha mostrato quel che già ci ha fatto vedere ne "I due foscari", ovvero che anche nei personaggi di spalla con un solo momento per emergere a lui bastano anzi... Più che il canto (ahinoi molto tagliato in quest'edizione) è uscita la recitazione credibile, di quei preti che invogliano ad andare a Messa.
Bravi gli altri comprimari... Insomma, per tirare le somme, nonostante le ombre è una gran bella Lucia che merita di essere vista... ehm scusate, Ascoltata!
Ora, se il Buon Gilberto non ci fa qualche scherzo da Prete (tanto per restare in tema), per qualche mese non dovremmo più parlare della Superba!

Leo Nucci premiato dall'Associazione Loggionisti del Regio di Parma

2010-03-24T10:37:00.002+01:00

Ieri sera, durante l'intervallo della prima del Simon Boccanegra, Leo Nucci è stato premiato dalla Associazione Loggionisti del Teatro Regio di Parma per quanto ha dato alla lirica durante tutta la sua carriera.
Di seguito il video amatoriale che siamo riusciti a girare ieri sera. :-)

Simon Boccanegra:in cd in tempo di pausa

2010-03-06T08:31:00.049+01:00

La prossima opera che andrà in scena al Teatro Regio di Parma sarà il Simon Boccanegra di Verdi. Opera tratta dal vero anche se leggermente romanzata Simone fu il primo Doge della Repubblica, acclamato a vita il 23 dicembre 1339. Il titolo della Repubblica di Genova a quel tempo era, in realtà, più propriamente chiamato - secondo il dialetto genovese - Duxe (Duce).

Con la nomina di Boccanegra ebbe inizio l'età dei Dogi perpetui e della cosiddetta egemonia popolare che avrebbe contraddistinto governo nella Repubblica di Genova.
Nel 1363 Boccanegra morì, probabilmente avvelenato forse per mano di sicari delle famiglie Adorno e Fregoso che da quel momento calmarono la loro lotta per contendersi il controllo del dogato.
Simone, nel 1339, salì al trono a furor di popolo (e questo è raccontato in modo romanzato e stringato nel Prologo) ma dopo fu deposto dal Trono. Nel 1356 (dopo aver imposto l'esilio ai suoi nemici che si erano tanto prodigati per mandarlo via) Boccanegra ritornò al soglio e ci restò fino alla morte. Questo lasso di tempo è quello preso in considerazione nel resto dell'opera (ovvero nei 3 atti successivi al Prologo).

Anche l'opera di Verdi seguirà questo andazzo. Debutta nel 1857 ma é un fiasco. La prima edizione (a noi nota grazie all'incisione con Sesto Bruscantini nel ruolo del Doge) non piace probabilmente per la tinta musicale omogenea per le due ore abbondanti e soprattutto perché non basta la scena dell'elezione a dare la forza allo spettatore di seguire la trama assai complicata. Infatti nel rifacimento viene tolta la scena della festa dove viene rapita Amelia/Maria ed è sostituita con la famosissima scena del Consiglio, capolavoro testuale e musicale. Non è l'unica modifica fatta ma certamente quella che più facilmente viene notata (altre modifiche significative sono il rifacimento del duetto Fiesco/Simone del primo atto e una nuova scena per Paolo che va al patibolo oltre a numerevoli ritocchi fatti qua e là).
Nella versione aggiustata trova quel successo che Verdi si augurava fin dalla prima recita. Ma sarà "breve gloria" perché esce ancora di repertorio, venendo ripresa ogni tanto ma non con l'assiduità con cui viene rappresentata dal 1971 (data in cui Abbado e Strehler la faranno amare dal pubblico e dalla critica, con una regia attenta al libretto e, secondo il mio parere che condivido, da riscoprire unita ad un Piero Cappuccilli in stato di grazia che mostra nobiltà quando serve ma che sa diventare un padre premuroso e che, per la prima e unica volta, inneggia alla Pace nella famosa scena del Consiglio con il giusto tono che ha un sovrano amato senza scadere né nella politica né in un buonismo smielato che alletta non pochi cantanti). Da allora è veramente entrata in repertorio.
Ho detto che viene ripresa ogni tanto perché bisogna ricordare certamente l'edizione del 1939 andata in scena al Metropolitan dove il ruolo del titolo era sostenuto da Lawrence Tibbett ma Paolo Albiani era interpretato da un debuttante Leonard Warren, artista che con Verdi dividerà i momenti più importanti della sua vita. Edizione da conservare più per il significato storico che non per la resa musicale dato che si tratta di cantanti con uno stile che oggi non piacerebbe a nessuno o quasi, lo stesso Warren con il passare degli anni ci fornirà prestazioni più "moderne", una per tutte il suo Iago con Del Monaco e la Tebaldi (non ho citato a caso questo personaggio essendo la versione perfezionata di Paolo Albiani). Gli anni non sono passati inutilmente.
Nel fare un excursus tra le registrazioni di quest'opera chiedo scusa se non inizio con la già citata edizione del 1971 (anche se a noi è pervenuta l'edizione in studio con José Carreras nel ruolo di Gabriele Adorno) ma con l'edizione del 1958 con Tito Gobbi (Simone), Leyla Gencer (Maria/Amelia), Giorgio Tozzi (Fiesco) e Giuseppe Zampieri (Gabriele Adorno).
Tito Gobbi gioca sulla recitazione come farà per tutta la carriera, la sua voce glielo consentiva... C'è da dire che questo personaggio si presta a più letture e Tito Gobbi le usa praticamente tutte cambiando espressione di continuo. La voce non è così potente come, per esempio Cappuccilli o Taddei, ma le sfumature che riesce a trovare nel duetto con la ritrovata figlia (qui una Leyla Gencer alle prese con un ruolo insolito di "brava bimba") sanno scusare queste mancanze (e anche quel poco simpatico saltino in alto in "SOLTANTO" verso la fine delle "Gioie Romite").
Il soprano turco offre diversi punti di positiva sorpresa come ad esempio in "Come in quest'ora bruna" dove con la voce rende bene lo Iodio marino e cerca di riprodurre l'ondeggiare del mare. Chi non conosce quest'edizione, non deve pensare a una specie di imitazione dei versi degli uccelli della leoncavalliana Ballatella di Nedda!!!
Leyla Gencer nonostante un'intonazione perfetta ed un tono pieno di colori, nella scena del Consiglio, non riesce ad essere trascinante come Mirella Freni mentre è impareggiabile nel dare l'addio al Padre morente (un Tito Gobbi commoventissimo).
Giorgio Tozzi mostra un nobilissimo Fiesco fin dall'aria iniziale dove non mostra il livore che lo caratterizzerà per buona parte dell'opera ma tutto il dolore di un padre che ha perso la figlia, lo prova l'ultima cavernosa nota, su cui si può discutere a lungo, la quale fa quasi sentire il desiderio che quest'uomo ha, di finire nella fossa al posto di Maria).
Tra i Grandissimi è bello parlare di un Simone che sa cosa significa "Belin". Giuseppe Taddei è forse il miglior baritono ligure che abbia saputo far immaginare come avrebbe parlato il vero Doge Genovese. La voce di Taddei è pastosa e calda che rende credibile il fatto che un corsaro al servizio della Repubblica ligure abbia potuto arrivare al soglio. La Scena del consiglio poi ha una potenza che rende palpabile la fatica di quest'uomo per recuperare ciò che i Patrizi, da un lato, e la Plebe invidiosa (qui simboleggiata da Paolo Albiani), dall'altro, gli avevano tolto.
La scena della morte rende l'idea sia di una vita che si spegne ma anche di una nave che sappia tornare nel mare da cui è stata troppo lontana.
Ora è arrivato il momento di parlare dell'edizione scaligera storia dove il protagonista, Piero Cappuccilli, con Claudio Abbado, dimostra come sempre una straordinaria robustezza vocale, magari privo di particolari raffinatezze, uso cantare sempre sul forte, ma probabilmente ineguagliato Simone dei nostri giorni.
Tito Gobbi ed anche Silveri, Milnes, Bruson, Nucci, sono stati famosi interpreti del Doge, ma proprio in virtù della citata edizione scaligera con Abbado, Cappuccilli più di altri è stato identificato nel ruolo. Mirella Freni nell'interpretazione di Amelia gioca tutte le sue carte con lo sfoggio della sua musicalità e bellezza timbrica, soprattutto da manuale il suo "T'ispiri un senso di patria carità" da pelle d'oca. Nicolai Ghiaurov mostra tutta la nobiltà di Fiesco senza mostrare quella becerità ahimé calcata da molti Fieschi, anche famosi. Il duetto del Terzo atto tra Simone ed il mancato suocero è un effluvio di note ben piazzate tra due nemici che si ritrovano e capiscono che non c'è più nulla che li divida.
La direzione di Abbado è piena di Iodio, ci ricorda ad ogni passaggio che personaggio sia il mare Ligure in questa storia... Non a caso è passata alla storia quest'edizione del Simone Boccanegra.
Ora però i tempi di quei fasti pare lontano. Torneranno? Dovremo viverli grazie ai dvd? ve lo saprò dire uscendo dal Regio.

Prologo [

Una piazza di Genova – A destra il Palazzo dei Fieschi – È notte
È il 1339 Sta per essere eletto il nuovo Doge e in città fervono le lotte fra il partito plebeo, capeggiato da Paolo Albiani, e quello patrizio legato al nobile Jacopo Fiesco. Paolo confida al popolano Pietro di sostenere l'ascesa al trono dogale di Simone Boccanegra, un corsaro che ha reso grandi servigi alla repubblica genovese, e di attendersi in cambio potere e ricchezza. Giunge Simone, angosciato perché da molto tempo non ha più notizie di Maria, la donna amata che gli ha dato una figlia e che per questo è tenuta prigioniera dal padre Jacopo Fiesco. Paolo convince il riluttante Simone ad accettare la candidatura.Pietro chiede al popolo di votare per Simone e avverte che dal palazzo dei Fieschi giungono dei lamenti di donna: forse è Maria, la fanciulla da tempo scomparsa. Maria Fieschi è morta. Fiesco finge di allontanarsi dal palazzo ma di nascosto osserva Simone, che entra nel palazzo in cerca della prigioniera. Dall'interno dell'edificio giunge un grido disperato: «Maria!» e proprio in quel momento il popolo acclama Simon Boccanegra nuovo Doge.
Tra il Prologo e il primo atto trascorrono venticinque anni.

Atto primo

Quadro primo

Giardino dei Grimaldi fuori Genova.Amelia attende Gabriele in riva al mare, (Come in quest'ora bruna), e quando il giovane la raggiunge lo supplica di non partecipare alla cospirazione contro Simone.Pietro annuncia l'arrivo del Doge e Amelia, temendo che egli venga a chiederla in sposa per il suo favorito, Paolo Albiani, supplica Gabriele di prevenirlo affrettando le nozze. Rimasto solo con Gabriele, Andrea Grimaldi (ossia Jacopo Fiesco sotto mentite spoglie) gli rivela che Amelia è in realtà un'orfanella di cui, lui e i Grimaldi, le hanno dato il nome della vera figlia dei Grimaldi e essendo degno di lei lo benedice.Arriva il Doge, che porge ad Amelia un foglio: è la concessione della grazia ai Grimaldi. La fanciulla, commossa, gli apre il suo cuore confessandogli di amare un giovane aristocratico e di essere insidiata dal perfido Paolo,e gli rivela di essere orfana (Orfanella il tetto umile). Simone, sentendo la parola orfana, la incalza con le sue domande e scopre che sono Padre e figlia.Al ritorno di Paolo, Simone gli ordina di rinunciare ad Amelia e il perfido uomo, per vendicarsi, organizza per la prossima notte il rapimento di Amelia.

Quadro secondo Sala del Consiglio nel Palazzo degli Abati.

Il Senato si è riunito e il Doge chiede il parere dei suoi consiglieri. Dalla piazza giungono i clamori di un tumulto e, affacciandosi al balcone, Simone scorge Gabriele Adorno inseguito dai plebei. Pietro, temendo che il rapimento di Amelia sia stato scoperto, incita Paolo a fuggire, ma il Doge lo precede ordinando. che tutte le porte siano chiuse: chiunque fuggirà sarà dichiarato traditore. Poi, incurante delle grida di «Morte al Doge!», fa entrare il popolo. La folla irrompe trascinando Fiesco e Gabriele, che confessa di aver ucciso l'usuraio Lorenzino, l'uomo che ha rapito Amelia per ordine di un «uom possente» del quale non ha fatto in tempo a svelare il nome; poi, ritenendolo responsabile del rapimento, si slancia su Simone per colpirlo. Sopraggiunge Amelia, si pone fra i due e supplica il padre di salvare Adorno, raccontando di essere stata rapita da tre sgherri, di essere svenuta e di essersi ritrovata nella casa di Lorenzino. Poi, «fissando Paolo», dice di poter riconoscere il vile mandante del rapimento. Scoppia un tumulto, patrizi e plebei si accusano a vicenda, Simone rivolge all'Assemblea e al popolo un accorato discorso, invocando pace e amore per tutti (Plebe! Patrizi! Popolo...). Gabriele gli consegna la spada ma il Doge la rifiuta e lo invita a rimanere agli arresti a palazzo finché l'intrigo non sia svelato. Si rivolge quindi a Paolo, di cui ha intuito la colpevolezza, e lo invita a maledire pubblicamente il traditore infame che si nasconde nella sala. Paolo, inorridito, è in tal modo costretto a maledire sé stesso.

Atto secondo

Paolo, bandito da Genova, chiede a Pietro di condurre da lui i due prigionieri, Gabriele e Fiesco, e versa una fiala di veleno nella tazza di Simone. Non contento, egli chiede a Fiesco, l'organizzatore confesso della rivolta, di assassinare il Doge nel sonno e, davanti al suo sdegnato rifiuto, lo fa riportare in cella e insinua in Gabriele il sospetto che Amelia si trovi in balia delle turpi attenzioni di Simone (Sento avvampar nell'anima). Quando giunge Amelia, il giovane l'accusa di tradimento con il Doge, di cui uno squillo di tromba annuncia l'arrivo. Gabriele si nasconde, Amelia in lacrime confessa al padre di amare l'Adorno e lo supplica di salvarlo. Simone, combattuto fra i doveri della sua carica e il sentimento paterno, la congeda. Beve quindi un sorso dalla tazza, notando che l'acqua ha un sapore amaro, e si assopisce. Gabriele esce dal suo nascondiglio e si slancia contro di lui per colpirlo, ma ancora una volta Amelia glielo impedisce. È il momento della rivelazione: il Doge si risveglia, ha un violento scontro verbale con Gabriele, che l'accusa di avergli ucciso il padre, e infine gli svela che Amelia è sua figlia.Il giovane implora Amelia di perdonarlo e offre al Doge la sua vita (Perdon, perdono Amelia). Di fuori giungono rumori di tumulti e voci concitate: i cospiratori stanno assalendo il Palazzo. In segno di riconciliazione il Doge incarica Gabriele di comunicare loro le sue proposte di pace e gli concede la mano di Amelia.

Atto terzo

Interno del Palazzo Ducale.
La rivolta è fallita, il Doge ha concesso la libertà ai capi ribelli, solo Paolo è stato condannanto a morte. Mentre si reca al patibolo, egli rivela a Fiesco di aver fatto bere a Simone un veleno che lo sta lentamente uccidendo e ascolta con orrore le voci che inneggiano alle future nozze di Amelia e Gabriele.
Giunge il Boccanegra, che sta cercando refrigerio al malessere che già lo pervade respirando sul balcone l'aria del mare. All'improvviso gli si avvicina Fiesco (nei panni di Andrea Grimaldi) che gli annuncia che la sua morte è vicina (Delle faci festanti al barlume). Da quella voce inesorabile, dopo averlo osservato bene in volto, Simone riconosce con stupore l'antico nemico, ch'egli credeva morto, e con un gesto magnanimo decide di rivelargli che Amelia è sua nipote. La commozione invade l'anima del vecchio patrizio, che troppo tardi comprende l'inutilità del suo odio. Un abbraccio pone fine alla lunga guerra.
Quando il corteo degli sposi torna dalla chiesa, Simone invita la figlia a riconoscere in Fiesco il nonno materno, benedice la giovane coppia (Gran Dio li benedici) e muore dopo aver proclamato Gabriele nuovo Doge di Genova.

A cura di
Don Marondio

Il Regio di Parma inaugura la stagione lirica 2010

2010-02-03T19:00:00.004+01:00

La settimana scorsa (il 29 gennaio) Il Regio di Parma ha inaugurato la propria stagione lirica.
L'opera proposta per l'apertura non è certo delle più eseguite del maestro Verdi, e, sinceramente, dopo la prima di Parma ne ho capito anche il perché. Certo, uno spettatore non dovrebbe basarsi su una unica rappresentazione per costruire il proprio giudizio, men che meno se ha visto lo spettacolo di livello oratoriale di Parma. Per cui mi riprometto di andare a vedere quest'opera quando ne avrò di nuovo occasione, magari con un cast che sia almeno al livello di uno sperduto teatro di provincia.
La inaugurazione, come sempre accade, ha visto schierarsi giornalisti, persone famose, le due TV di Parma che non mancano mai, e tanti tanti vestiti firmati spolverati per l'occasione.
Il titolo non è di quelli che fa cassa, e in effetti i posti liberi in sala erano fin troppi per una prima di stagione. Qualche palchetto interamente vuoto si è visto (il numero è aumentato dopo l'intervallo) e anche il loggione non era certo pieno di gente.

Complessivamente lo spettacolo richiama in mente la Corrida - dilettanti allo sbaraglio, famoso programma di Canale 5. Mancano solo Scotti e la sua valletta. Il pubblico, inoltre, è sprovvisto di campanacci e pentole, ma meglio così, sennò si rischia di uscire storditi a fine recita.
Il lato vocale è, certamente, il punto dolente di questa rappresentazione. Fanno eccezione solo la Antonacci e Bordogna. I punti più deboli, ma veramente deboli, sono il tenore Ivan Magrì e il baritono Guido Loconsolo.
Probabilmente, il pessimo esito della rappresentazione, è stata dovuta a una probabile, forse, indisposizione grave, ma credo molto grave, dei due cantanti.
La direzione ci è andata giù con mano pesante, e a volte questo è stato un bene. Almeno ha coperto, per quel che si poteva, le voci.
Il lato visivo è, certamente, quello meglio riuscito. L'allestimento è gradevole, divertenti i costumi e interessante la regia.

Insomma, uno spettacolo noioso, che spesso ha messo a dura prova la resistenza al sonno di buona parte delle persone. Accompagnato da un pubblico fiacco, annoiato, che ha premiato con applausi convinti solo la Antonacci (una spanna sopra tutti, ma non esente da problemi, soprattutto in acuto). Durante l'intervallo alcune signore del loggione hanno brancato il sindaco, dicendogli semplicemente che l'opera faceva schifo. Alla fine il fuggi fuggi generale, con applausi mosci elargiti, come sempre accade, dalla platea e parte dei palchi, e tanta tanta comprensione per il cast vocale.

Un Giorno di Regno: e chi riesce a ridere?

2010-01-27T00:05:00.014+01:00

La prossima opera che andremo a vedere sarà Un Giorno Di Regno ovvero il Finto Stanislao.
E’ la seconda opera di Verdi. Non è un gran successo poiché, si dice, che Verdi non riusciva a far ridere con le bare dei figlioli e di Margherita sotto i fogli dello spartito. E’ una dei tanti pretesti che usò il Maestro per liberarsi dall’impegno di musicare questo libretto eccessivamente sfrondato.
Diciamocelo in faccia senza finte balle. Verdi non sapeva far ridere e questa, insieme alla Luisa Miller, è forse la meno verdiana delle opere del Cigno di Busseto. A mio avviso, qui Verdi mostra quanto avesse studiato i compositori settecenteschi e, anche se non si sa quanto lo conoscesse, direi che strizza l’occhio in più punti al Cimarosa di cui oggi conosciamo solo Il Matrimonio Segreto ma all’epoca molto noto.
C’è da dire che è di estrema difficoltà. Ognuno ha le sue gatte da pelare e se non sa scuoiarle bene rovina tutta l’opera (il Direttore d’orchestra deve saper tenere in pugno tutta la partitura ma soprattutto il finale del primo atto dove, se non ha il polso forte, il palcoscenico diventa l’autobus 3 nell’ora di punta, il Cavalier di Belfiore ha una cavatina “a freddo” tremenda e deve tirare il quintetto “della cartina” e i finali d’atto, la Marchesa deve sempre stare in equilibrio tra recitazione e cantar bene come la palla da bowling senza mai cadere da nessuna delle due parti, i due bassi buffi devono stare attenti a non impastarsi quando cantano insieme (almeno 4 punti dell’opera), i due fidanzati non devono far venire il diabete anche se Edoardo viene dritto dritto dal Nemorino donizettiano e Giulietta è la classica “acqua senza sale” che non deve annacquare il resto.

Dopo l’Oberto questa è peggio di una doccia fredda per il pubblico melomane. La prima opera di Verdi già fa capire lo stile del giovane compositore, aspetto che qui non c’è. E’ un’imitazione della musica settecentesca che nulla aggiunge a quel repertorio. E’ il succo di quel che ha imparato dal Maestro che gli ha trovato “Papà” Barezzi.

TRAMA

La vicenda è tipica buffa, peccato che non si rida mai!

Atto I
Nel castello del Barone di Kelbar si fanno due sposalizi: quello combinato di sua figlia Giulietta col tesoriere Della Rocca e quello della marchesa Del Poggio col conte Ivrea. Ospite di Kelbar è il re di Polonia, Stanislao alias il cavalier Belfiore, già fidanzato della marchesa, che si è prestato alla finzione per consentire al vero monarca di combattere i suoi nemici in incognito e per ciò ha dovuto lasciare la sua amata.
Edoardo, nipote spiantato del tesoriere e amante di Giulietta, è disperato e vuole arruolarsi sotto Stanislao. La marchesa, giunta al castello, vuole aiutare i due giovani al pari del finto re, che offre al tesoriere un importante incarico se rinuncia alle nozze. Quando il Barone cerca il Tesoriere per la sigla del contratto nuziale, questi di conseguenza rifiuta e tra i due scoppia un litigio furibondo. Accorre la marchesa con Edoardo e Giulietta, e compare anche il re, indignato per il troppo chiasso. Il barone è costernato per la figuraccia fatta coll'illustre ospite.

Atto II
Edoardo confida ai servitori la sua tristezza. Il finto Stanislao concretizza l'offerta al tesoriere, che ha col barone un secondo litigio musicato mirabilmente. In separata sede, la marchesa Del Poggio e il sedicente re si affrontano in una serie di schermaglie. La donna pensa di riconoscere l'antico amante, ma Belfiore insiste nella finzione. Viene annunciato il conte Ivrea e l'imminente matrimonio della marchesa, mentre Edoardo si dispera con Giulietta perché, se anche lo zio rinunciasse a lei, egli dovrebbe arruolarsi comunque col Re. Questi, sopraggiunto Ivrea, usa la sua autorità per impedire il matrimonio con la Del Poggio. In extremis una lettera del vero Stanislao chiarisce il tutto, esonerando il cavaliere dalla simulazione, ma non prima che egli abbia strappato al barone, con un'ultima "régia" imposizione, il consenso a maritare Giulietta a Edoardo. La marchesa si riconcilia subito col vecchio fidanzato. Le due nozze iniziali si fanno, ma con mariti diversi. Tripudio generale.

A cura di
Don Marondio

Introduzione alla Damnation de Faust

2010-01-12T23:32:00.010+01:00

Venerdì 15 gennaio presso la sala Halle aux Grains di Toulouse andrà in scena in forma da concerto La Damnation de Faust di Hector Berlioz. Per alleggerire la futura recensione ho pensato di scrivere poche righe su questa composizione, che per i più saranno delle ovvietà, ma per chi non conosce quest’opera potrebbero essere interessanti. Di sicuro farò felice il mio amico Don Rodrilir che trova noiosissimi questi preamboli. Hector Berlioz ha qui deciso di confrontarsi con il celebre mito di Faust. Ai quattro personaggi solisti Margherita (Mezzosoprano), Faust (Tenore), Mefistofele (Baritono o Basso, con varianti per le due voci), Brander (Basso), Berlioz ha deciso di aggiungerne un quinto: il coro ,vero e proprio protagonista al pari dei cantanti.
La Damnation de Faust è un ibrido, a metà tra un'opera e un oratorio. E' in effetti una "leggenda drammatica" in cui la forza persuasiva ed evocatrice della musica basta a sostenere l’interesse senza bisogno di alcun impianto scenico visivo. Jules Janin scrive che nessuna smessa in scena risulta utile: “non è un dramma, ma un sogno, un sogno di un poeta, di un pensatore, di un grande artista che ha visto Margherita e Faust come Amleto ha visto il fantasma, con l’occhio del suo spirito”.

Rispetto al romanzo di Goethe quest'opera si discosta radicalmente nel finale (come si evince dal titolo stesso "Damation"): nel romanzo dello scrittore tedesco l'anima del protagonista viene salvata da Dio, in Berlioz invece dopo un agghiacciante «pandemonium» sinfonico-corale, essa precipita con Mefistofele esultante negli abissi infernali. Per quanto se ne discuta ricordo con grande emozione l’allestimento che Hugo de Ana ha proposto a Parma nella stagione 2007 del Teatro Regio (vedi immagine in alto). Tuttavia, devo ammettere che, se da un lato era risultata davvero interessante, questa trasposizione visiva metteva spesso in difficoltà il coro, già alle prese con una parte difficilissima, che non poteva dare il meglio di sé così diviso sulla scena. Lo stesso spettatore si lasciava poi ammaliare dall’immediata visone scenografica, perdendo in questo modo la capacità di “vedere” le immagini musicali che il compositore ben realizza nella esaltante e futuristica, per l’epoca, partitura. La stessa prima esecuzione nel 1846, diretta dall'autore, fu in forma di concerto; e solo una cinquantina d'anni dopo venne adattata per la rappresentazione. Francesco Sabbadini definisce così la composizione del celebre musicista romantico: “Spettacolo senza scena, dunque, ma condotto in una sequenza, costruito in un «montaggio» quasi cinematografico che unisce episodi raffigurati nella fantasia dell'autore e rivissuti nella complicità onirica di quella dell'ascoltatore”. L’opera è divisa in 4 parti e venti scene. Nella prima parte Faust si trova in Ungheria a contemplare la natura. Nella seconda, il protagonista, che soffre per l’estatico incontro con la natura, entra in contatto con Mefistofele e viene tentato dalla sua malvagia figura attraverso una serie di incidenti inclusa l’incursione alle cave d'Auerbach dove trovano spazio la celebri canzoni del topo e della pulce. In fine Faust si addormenta e sogna Margherita. Nella terza parte Margherita incontra l’amato Faust nell sua stanza e i due si dichiarano il loro amore. Nell‘ultima parte Faust apprende che Margherita è accusata (ingiustamente) di avere avvelenato la madre e per salvarla decide di finire dannato in cambio della salvezza della giovane amata. Margherita è salva ma Faust spettano le fiamme dell’inferno.

Orchstre National du Capitole de Toulouse
Direttore Tugan Sokhiev
Marguerite Anna Caterina Antonacci
Faust Stuard Neill
Méphistophélès Sir Willard White
Brander René Schirrer

A cura di Renzo Gobbettino

Il nastro bianco che precede la svastica.

2009-12-17T15:00:00.013+01:00

Dopo “Funny games”, replica hollywoodiana della precedente versione europea dello stesso controverso film, il regista austriaco Michael Haneke torna in Europa, in Germania per l’esattezza, con il suo ultimo lavoro vincendo, meritatamente, il primo premio a Cannes.
Autore di pellicole originali e tormentate, Haneke si è sempre fatto portavoce della violenza in tutte le sue forme; violenza che egli non cerca di motivare, ma solamente di riportare nella sua versione più fedele. E se era arrivato a conquistare il “grande pubblico” facendosi conoscere con il bellissimo “La pianiste” (complice del successo la brava protagonista Isabelle Huppert) è ritornato in parabola discendente ai cinema d’essay con i successivi film di cui meritevole di menzione è “Le temps de loups” per poi approdare, inspiegabilmente, ad Hollywood.

Chi avrà la pazienza (e la forza!) di vedere questo lungo e angosciante film scoprirà l’indubbia capacità di Haneke, già dimostrata in precedenza, ma sicuramente palesata in questo film, di dirigere le scene. Il suo abbacinante utilizzo del bianco e nero si accompagna ad una magistrale fotografia su modello di film e fotografie di inizio secolo.
Protagonisti e comparse sono scelti accuratamente, ognuno adatto nel proprio ruolo e preciso nella recitazione, essi aiutano a dare peso e coinvolgimento al film, contribuendo a creare il clima di tensione che permane durante tutta la lunga durata della pellicola.
La costrizione che genera violenza, la privazione che genera odio, la regola ferrea che scritta sulla pietra sfonda gli animi e si impadronisce delle coscienze, privandole di quell’umanitas che l’uomo, in tanti millenni, aveva creduto d’aver ormai acquisito e inglobato in se stesso, tanto da non doverla più richiamare: è questa l’infanzia del nazismo? Essa parte dalla crudeltà infantile di innocenti mani castrate dalla frustrazione e dall’incomprensione, per poi arrivare ai tanto conosciuti e temuti effetti?
I critici hanno visto nel film un racconto sui prodromi del nazismo, ma Haneke è stato molto astuto ad ambientare la sua storia in un paesino della Germania del nord, proprio nel 1914, agli inizi della Grande guerra. In questo modo ha raccontato la sua versione dei fatti (e lo ha saputo fare in maniera impeccabile) lasciando l'arduo compito di tirare le somme allo spettatore e alla critica.
Per altri film di questo regista alla "Niente da nascondere" poteva sembrare una soluzione di comodo; in questo è l'intelligente presa di coscienza che alcune cose non si possono raccontare, perché laddove la realtà è complessa e poliedrica la parola è quasi sempre deficitaria.
Haneke ha composto un interessantissimo e doloroso tassello di un quadro molto più doloroso, difficoltoso e angosciante che storia, romanzi e film ci hanno riportato, in parte.
Gli anelli ed i tasselli mancanti li dovremo inserire noi, perché poco hanno a che fare con il film, così come spetterà a noi la lettura finale di quel quadro, sempre se avremo la voglia o l'interesse di farlo.

A cura di Viùlett la Monaca di Monza

Dialogues des Carmélites a Toulouse

2009-11-28T01:15:00.007+01:00

I Dialogues des Carmélites, seconda opera in cartellone della stagione lirica, sono andati in scena ieri a Toulouse accolti alla prima da uno strepitoso successo di pubblico. Il teatro purtroppo non era esaurito come avviene di solito, tuttavia devo ammettere che quello a cui ho assistito è stato lo spettacolo più completo visto sin’ora in questa città, tanto peggio quindi per gli assenti! Opera in tre atti di Francis Poulenc, i Dialoghi delle Carmelitane andarano in scena per la prima volta nel 1957 alla Scala di Milano. La storia, tratta dalla novella Die Letzte am Schafott (The Last on the Scaffold) di Gertrud von Le Fort, si ispira a un fatto realmente accaduto, e cioè all'esecuzione, nel 1794, durante il Regime del Terrore, di sedici religiose francesi, note come le "Beate Carmelitane di Compiègne", che si erano rifiutate di rinunciare ai loro voti.

I dialoghi sono in gran parte impostati sul recitativo, con una linea melodica che segue da vicino il testo. Le armonie sono lussureggianti, con improvvisi colpi di scena strazianti che sono caratteristici dello stile di Poulenc. Profondi sentimenti religiosi sono particolarmente evidenti nella splendida creazione a cappella dell’Ave Maria e nel Ave verum corpus. Il libretto è denso di significati e frutto di uno studio psicologico molto profondo del controverso personaggio della protagonista. Il vero soggetto dell’opera è lo scontro-confronto tra la morte della priora e quella di Blanche che attraverso la musica di Poulenc assume pienamente tutto il suo pathos. La terribile agonia della priora libera misteriosamente Blanche alla morte, che essa stessa sceglierà, della sua paura viscerale. Tanto risulta miserabile il trapasso della madre superiora, sopraffatto dall’incertezza e dal panico alla fine di una vita esemplare, quanto è eroica invece la morte di Blanche, che da sola serenamente sceglie, riscattando tutta una vita dominata dalla paura. L'opera consolida la scoperta musicale e religiosa fatta di Poulenc nel 1936-1940, quando la morte di un caro amico lo spinse alla riscoperta della fede cattolica e ad una nuova maturità musicale. Nei Dialogues des Carmelites, Poulenc si richiama apertamente ad influssi di Monteverdi, Debussy, Verdi e Moussorgski. L’utilizzo del recitativo trae modello dal incoronazione di Poppea di Monteverdi e di Pelléas e Mélisande, l'atmosfera epica fa eco al Boris Godunov di Mussorgsky e al Don Carlos di Verdi. La scena cruciale per la comprensione del lavoro si trova nel terzo quadro del primo atto, quello in cui Blanche e Constance si interrogano sul significato più profondo della morte. Ed è su questo tema che trae respiro tutta l'opera. I Dialogues des Carmelites raccontano contemporaneamente la storia commovente di avventura personale e di un destino collettivo: entrambi sono uniti nell'ultima scena, in uno scenario meraviglioso, dove si sovrappongono al coro della folla il coro delle monache che cantano la Salve Regina, le cui voci si spengono una dopo l'altra al suono di colpi di ghigliottina.
Ancora una volta la rappresentazione si è svolta nella sala da concerti “Halle aux grains” e questo ha permesso al regista di sfruttare gli ampi spazi concessi da questo ambiente. La messa in scena di Nicolas Joel è stata semplice e lineare: sullo sfondo permane per l’intera durata della rappresentazione una serie di logge i cui “archi” hanno la forma e il colore di lame di ghigliottine. Il palcoscenico rimane quasi sempre vuoto: solo una poltrona all’inizio, un letto per la badessa morente e una tomba verso la fine. Il resto è stato realizzato attraverso l’utilizzo sapiente delle luci. La musica, la scenografia e quindi le luci si sono fuse in un tutt’uno davvero di suggestivo ed empatico effetto. Il cast vocale è stato nel complesso all’altezza della bellissima rappresentazione scenica. Punta di diamante della produzione a mio avviso è stata l’interpretazione eccellente della Priora incarnata da Sylvie Brunet. Ottima, anche vocalmente, l’interpretazione di Suor Costanza da parte di Anne-Catherine Gillet, la cui voce mi ha colpito per estensione purezza e precisione. Sottotono la protagonista Sophie Marin-Degor la cui interpretazione non mi ha molto appassionato e la cui voce ho trovato molto ovattata. A dire il vero ho faticato per tutta l'opera a comprenderne la vocalità. Il pubblico lo ha sottolineato negli applausi finali, riservando a lei applausi di cortesia e a Suor Costanza e alla Priora un’autentica ovazione. L’orchestra diretta da Patrick Davin, a mio parere, ha saputo rendere tutti i colori di questa musica così sublime che mi riproporrò di ascoltare al più presto ogni qual volta mi sarà possibile.

A cura di
Renzo Gobbettino

Flagstaff in Fidenza, si chiude?... Firmate la Petizione!!!

2009-11-28T00:04:00.001+01:00

Cari amici,
abbiamo saputo, con dispiacere, che l'evento culturale in questione rischia seriamente di non avere il sostegno economico da parte dell'Amministrazione del Comune di Fidenza. Vi invitiamo pertanto a sottoscrivere la petizione che trovate al seguente link: Petizione in favore dell'evento Flagstaff in Fidenza
Nella pagina troverete maggiori informazioni.
Grazie di cuore a tutti :)

Tancredi:viaggio tra le edizioni discografiche

2009-11-16T22:28:00.024+01:00

La prossima opera che si andrà a vedere sarà il Tancredi. Opera poco rappresentata ma che ultimamente sta ritrovando il giusto posto nel repertorio affermato. Ognuno ha i suoi gusti ma certamente la musica è di gran qualità (si può criticare che la suddivisione in due atti così lunghi, specie il primo, possa far perdere la pazienza a chi non dà del Tu a Rossini).

Dovendo parlare dei dvd e cd di quest'opera, dato che è OBBLIGATORIO andare a Teatro preparati (come sono care le signore che dicono alla vicina di posto "Mo' entra Tizio e dice questo, questo e questo poi esce per fare quest'altro!" da insegnarli il finale della Tosca!), sono di parte poiché comincio con la prima edizione da me ascoltata del Tancredi con Marilyn Horne, Lella Cuberli, Nicola Zaccaria ed Ernesto Palacio diretti da Ralf Weikert (è l'edizione dalla Fenice) e da allora mai più lasciata dal tanto che mi piglia cuore e orecchio.

Marilyn Horne ha legato la carriera a tanti ruoli ma soprattutto al cavaliere esiliato che si fa onore prima di sposarsi/morire (a seconda del finale che si usa). Dal suo ingresso con quel tono tra il maschile e l'adolescenziale ci fa capire che abbiamo davanti a un giovane che sa quel che vuole che però, con la sola voce soprattutto nel duetto con gli archi in "Deliri, sospiri accenti contenti!", ci fa comprendere gli stati d'animo del personaggio tenendo ben conto che Tancredi non deve farsi riconoscere e quindi trattenere tutto (gli unici due momenti in cui è da solo rivela appieno la gioia del tornare, nella cavatina, e l'amarezza nell'aria del secondo atto).

Le fa da "spalla" una splendida Lella Cuberli che sfrutta bene i momenti cantabili di Amenaide senza eccedere in acuti e sovracuti ma mostrando che materiale vocale e tecnica possedeva. Tra le cose più belle di questo disco è "Giusto Dio" dove l'animo straziato di Amenaide e la bellezza della musica si fondono divinamente. Il fatto che sia un magnifico "comodino" (teatralmente parlando) è dato dalla perfetta sintonia che le due donne mostrano nel duetto del primo atto "L'aura che intorno spiri". Nicola Zaccaria è un Orbazzano solido come il cemento, di sicura garanzia anche se qui è alle prese con un ruolo poco generoso per l'interprete. Ernesto Palacio colto in un momento splendido della sua carriera. Costoro mostrano bene i loro mezzi soprattutto nel duetto iniziale "Se amistà verace e pura" rispettando il fatto che è il tenore il vero trascinatore, nonchè virtuoso cantante e brigliato dalle note precise di Rossini stesso il quale gli permette un margine di discrezionalità da"E contento in tal momento",fino alla fine del brano tenuto conto anche del ruolo politico del personaggio.

Purtroppo non posso parlare della risposta italiana all'artista americana, Lucia Valentini Terrani, poiché non esistono testimonianze in commercio dell'integrale esecuzione di quest'opera. Gira un'edizione pirata su internet con Mariella Devia come Amenaide. E' da pelle d'oca ma dato che non è di facile reperimento preferisco non fare il sadico e lodare come, essendo diversissima dall'edizione sopra riportata, soprattutto per il fatto che la Valentini Terrani punta sul lato en travesti del ruolo e la Devia sfoggia a piene mani la sua splendida tecnica e il saper affrontare Rossini (dove ognuna si prende quasi l'esclusiva del accompagnamento degli strumenti in orchestra: le Viole e i violini per la Valentini-Terrani e i fiati per la Devia). Peccato che queste due donne abbiano lavorato poco insieme. I loro duetti fanno rimpiangere tante belle occasioni perse... Anche se la Valentini Terrani, molte le ha recuperate con un altro soprano che, ahimé, non aveva però gli acuti e la leggerezza di questa Amenaide.
Un'altra registrazione del Tancredi che merita di essere notata è quella con Bernadette Manca di Nizza e la Bayo. Due cantanti che vocalmente non sono proprio a loro agio ma hanno il merito di essere tra le poche filmate in unarecita di quest'opera...
Merito che ahinoi non va a chi tanto si è prodigata per far suscitare la curiosità verso quest'opera, ovvero Giulietta Simonato.
Una idea di come potesse essere il suo Tancredi ce lo dà Fiorenza Cossotto. E' un Tancredi che rispecchia bene il fatto di essere un ruolo en travesti che non scade mai nel volgare ma conserva alcuni aspetti non virili dovuti alla scrittura rossiniana e all'età del esule condottiero. La cavatina è cantata in modo da idealizzare il personaggio quasi fosse un cavaliere della Tavola Rotonda già in "Tu che accendi" s'intende questa lettura del personaggio aiutta in questo dai fiati magistralmente condotti dal direttore d'orchestra.

Tancredi: chi è costui?

2009-10-29T21:25:00.012+01:00

Visto che la prossima opera che verrà recensita su questo blog sarà il Tancredi di Rossini, vorrei presentarvi questo melodramma rossiniano poco nota al grande pubblico, mentre lo è assai di più ai melomani. Il primo punto è cercare di capire chi è il Tancredi che dà il nome a quest'opera.
Le ricerche da me fatte mi hanno portato a trovare tre Tancredi che si sono fatti valere nei libri di storia:

1. Tancredi d'Altavilla
visse tra il 1072 e il 1112. Guidò la Prima Crociata e fu reggente del Principato d'Antiochia e Principe di Galilea. Tancredi seguì nell'autunno del 1096 Boemondo (non è ben chiaro se fosse il nonno od il cugino di Tancredi) di Taranto alla prima crociata e già durante la traversa della penisola balcanica si distinse negli scontri che comportò il viaggio verso la Terra Santa. Durante il tragitto lasciò il resto dell'armata per addentrarsi fra i monti della Celicia.
Riuscì con l'aiuto dei cristiani armeni a riportare diverse vittorie per poi raggiungere il grosso dell'esercito crociato dinnanzi ad Antiochia (che, caduta infine nel giugno del 1098, sarebbe stata occupata a titolo personale da Boemondo I d'Altavilla) e condivise la sorte della truppa fino a Gerusalemme. Divenne reggente di Antiochia, qui Tancredi intraprese una politica di espansione; E’ ovvio dire che, per questo motivo, s’inimicò i potenti musulmani locali, i bizantini e gli altri principi crociati.
Stava progettando una spedizione contro gli armeni di Cilicia quando cadde ammalato e morì.
Questo valido uomo è giunto alla nostra conoscenza grazie a La Gerusalemme liberata di T. Tasso ove il personaggio di Tancredi è mitizzato nel valoroso guerriero, modello di virtù cavalleresche, che ama, non riamato, Clorinda, il simbolo della donna irraggiungibile; viceversa, Tancredi ignora l'amore per lui di Erminia, che era stata sua prigioniera. Tancredi ha un combattimento notturno nel corso del quale l'eroe colpisce a morte, senza riconoscerla,Clorinda la quale, prima di morire, gli chiede il battesimo. Tancredi dal dolore impazzisce. Tornato alla ragione, Tancredi uccide Argante e si lascia medicare, dopo il duello, da Erminia. Nonostante i pregi letterari (e alcuni aspetti marginali coincidenti)però non credo sia quello che ispirò Voltaire e Rossini per la composizione dei loro drammi.

2. Tancredi d'Altavilla

(?-1194) Re di Sicilia, figlio naturale di Ruggero duca di Puglia. Dopo essere stato conte di Lecce, succedette al cugino Guglielmo II alla sua morte nel 1189. Riuscì a respingere le pretese al trono di Sicilia di Riccardo Cuor di Leone, cognato di Guglielmo II e quelle di Enrico VI di Svevia, marito di Costanza d'Altavilla, sorella di Guglielmo I.
Pure questo non sembra il Tancredi che stiamo cercando anche se si avvicina moltissimo, soprattutto per l’eroicità con cui affronta i suoi nemici (la stessa che sconfiggerà il perfido Orbazzano nell’opera), per il fatto che mezza Sicilia gli era ostile, soprattutto quella parte che temeva che costui avrebbe sì ricavato benefici dalla casa normanna ma attirato contro di lui, e di conseguenza anche la Sicilia, l’ostilità del figlio del Barbarossa (anche qui è emblematico come Orbazzano riassumi bene quest’inimicizia) e per il fatto che lasci, di fatto, alla moglie il regno (come accade ad Amenaide nel finale tragico).

3. Tancredi d’Altavilla
Vissuto tra la fine del 900 (la nascita è incerta) e morta intorno al 1041 (pure questa è un po’ ballerina!). Della vita si sa poco se non che pur essendo della Bassa Normandia ebbe due mogli e dodici o tredici figli (i dati sono certi e inconfutabili!!!). I figli ebbero ruoli importanti per la storia del Meridione Italiano. Questo del Tancredi di Voltaire ha in comune il periodo di vita (Ricordo che nel dramma originario la vicenda è ambientata nel 1005!) ma dubito che lo sia essendo più abile a letto che in battaglia. Anche se però ebbe un figlio di nome Tancredi che venne in Italia per far conquiste ed è scomparso. Che sia lui il misterioso Tancredi?
Al momento il personaggio dell’opera di Rossini pare un’invenzione di palcoscenico più che un personaggio realmente esistito.

A cura di
Don Marondio

Un omaggio a Franco Corelli

2009-10-29T13:21:00.000+01:00

Il Trovatore di Giuseppe Verdi...

Biografia del GRANDISSIMO tenore su Wikipedia

Applauditissimo concerto dell'Orchestre National du Capitole

2009-10-25T01:15:00.012+02:00

Emozioni e tifo da stadio ieri sera all’ “Halle aux grains” di Toulouse per il secondo concerto in programma della stagione 2009/2010 dell’Orchestra National du Capitole. Stupefacente questa sala da concerti: orchestra al centro abbracciata tutt’intorno da due gradinate di spettatori, acustica eccellente e sensazione di essere avvolti a 360 gradi dalla musica. Non posso, inoltre, che confermare le mie impressioni positive già raccolte nelle precedenti produzioni d’opera che hanno coinvolto quest’orchestra ottimamente guidata dal suo giovane direttore musicale Tugan Sokhiev e che ha come direttore onorario Michel Plasson. Innanzitutto vorrei riportare come la campagna pubblicitaria d’informazione della stagione concertistica di Toulouse sia estremamente moderna, diretta ai giovani (5 euro l’ingresso per chi ha meno di 26 anni) e presente da mesi in tutta la città. E’ stato proprio per questo che, nonostante la scarsa frequentazione del repertorio prettamente sinfonico, mi sono deciso a trascorrere un sabato sera diverso dalle solite fumose e rumorose serate di fine settimana.

Festosi e briosi, i sette minuti dell’Overture da fete, op. 96 di Chostakovitc hanno scaldato l’atmosfera e il pubblico. Non a caso l’introduzione dell’overture fu scelta nel 1980 come inno dei giochi olimpici di Mosca.

A Brahms è stata dedicata la parte centrale della serata con il Concerto per Violino in re maggioine, op 77 interpretato brillantemente dalla giapponese Akiko Suwanai con “Dauphin” il suo luccicante Stradivari del 1714. Il primo movimento, Allegro non troppo, debutta con un'ampia orchestrazione sui cui poi si inserisce lo strumento solista. Il movimento si sviluppa con una vivacità al tempo stesso gioiosa e luminosa fino al termine quando il violino sembra planare sopra l’orchestra che punteggia ritmicamente. Il seguente Adagio, (così amato dalla mia collega Chiara) è inizialmente introdotto dall’oboe e poi ripreso dal violino che gli conferisce la tenerezza e il calore di cui si bagna tutto il movimento. Il finale, Allegro giocoso non troppo vivace, è nettamente d’ispirazione zingaresca e si conclude in maniera abbagliante. Applauditissima al termine della performace, Suwanai ci ha concesso un bis che purtroppo non ho riconosciuto.

Tuttavia, sono state le Variazioni Enigma di Elgar a scatenare un vero e proprio tifo da stadio con tanto di venti minuti di applausi addirittura ritmati. Amo in modo speciale questo compositore inglese a cavallo tra 800 e 900 e dopo essere stato folgorato dal famoso concerto per violoncello non posso che confermare di avere per le sue opere un predilezione particolare. Furono proprio le Variazioni Enigma a donare ad Edwar Elgar la notorietà. Da sempre queste 14 variazioni hanno suscitato curiosità: ciascuna di essa è infatti dedicata a una persona enigmaticamente rappresentata per delle iniziali o uno pseudonimo.

1- La prima Variazione (C.A.E.) è dedicata a Caroline Alice Elgar, sua moglie da qualche mese. Nella variazione sono ripetute le quattro note che Elgar era solito fischiettare al rientro da casa, qualcosa che ricordasse "Cara, sono a casa".

2- La seconda Variazione (H.D.S.-P.) è dedicata a Hew David Steuart-Powell, pianista dilettante, con il quale Elgar e Basil Nevinson erano soliti suonare musica da camera. Il brano è rapido, ternario e in stile di toccata.

3- La terza Variazione 3 (R.B.T.) è dedicata a Richard Baxter Townsend, anziano attore e mimo dilettante, capace di grandi variazioni del suo tono di voce, caratteristica esaltata nel brano, quasi una mazurka.

4- La breve quarta Variazione 4 (W.H.B.) è dedicata a William Meath Baker, vicino di casa dai modi bruschi ed energici.

5- La quinta Variazione (R.P.A.) è dedicata a Richard Penrose Arnold, pianista dilettante e figlio del poeta Matthew Arnold. La variazione è seriosa e intervallata da motti umoristici

6- La sesta Variazione (Ysobel) è dedicata a Isabel Fitton, violista allieva di Elgar. La melodia della variazione, elegiaca e trepidante, è appunto suonata da una viola.

7- La settima Variazione (Troyte) è dedicata a Arthur Troyte Griffiths, un architetto di cui sono rappresentati i tentativi, entusiasti ma vani e sconsolanti, di imparare a suonare il pianoforte.

8- L’ottava Variazione 8 (W.N.)è dedicata a Winifred Norbury, amica di famiglia dal carattere accomodante, descritto nella variazione nella tranquilla tonalità di sol maggiore.

9- La ben nota nona Variazione (Nimrod) è dedicata a August Johannes Jaeger, il migliore amico di Elgar. La melodia sembra rappresentare una passeggiata notturna durante la quale i due discutono dei lenti movimenti di Ludwig van Beethoven; le prime otto battute infatti ricordano, e si dice rappresentino, l'inizio del secondo movimento dell'ottava Sonata per pianoforte "Patetica".

10- La decima Variazione (Dorabella) è dedicata a Dora Mary Penny Powell, amica di cui i legni rappresentano la balbuzie (o secondo altri la risata) in una variazione frivola e che ricorda lo stile di Čajkovskij.

11- L’undicesima Variazione (G.R.S.) è dedicata a George Robertson Sinclair, energico organista della Cattedrale di Hereford. In particolare, la variazione descrive anche Dan, il bulldog di Sinclair, e una passeggiata dei tre lungo un fiume durante la quale Dan vi sarebbe caduto dentro.

12- La dodicesima Variazione 12 (B.G.N.) dedicata a Basil George Nevinson, violoncellista e "amico devoto" di Elgar. La melodia, contenente un assolo di violoncello, è struggente e ricorda lo stile di Purcell. In seguito, Nevinson ispirò Elgar nello scrivere il suo "Concerto per Violoncello".

13- Nella penultima Variazione (***) la mancanza di iniziali rende dubbia ogni identificazione. La melodia include una citazione dell’ouverture "Meeresstille und glückliche Fahrt" (Calma di mare e felice viaggio) di Mendelssohn, che farebbe pensare alla nobildonna Lady Mary Lyon e a Julia H. Worthingson, conosciute durante una crociera verso l’Australia, o a Helen Weaver, fidanzata di Elgar prima che emigrasse in Nuova Zelanda nel 1884. In alcuni punti i timpani ricordano i motori di una nave.

14- L’ultima Variazione 14 (E.D.U.) è dedicata a se stesso: Edoo era l'affettuoso nomignolo utilizzato per lui da sua moglie. Nell’imponente finale vengono ripresi i temi della prima e della nona variazione.

Se questo enigma di attribuire alle iniziali nomi amici o conoscenti dell’autore è stato risolto il secondo enigma che riguarda invece il tema musicale dell’opera rimane tutt’ora. Elgar stesso scrisse "L'enigma resterà un enigma" rivelando la presenza di un altro tema guida "più ampio e che percorre tutto il lavoro, senza essere mai suonato per intero: come in alcune pieces teatrali, il personaggio principale non è mai in scena".

Al termine del concerto Il maestro ha concesso il bis della settima variazione tra vere e proprie ovazioni di un pubblico attento educato e molto silenzioso durante tutto il concerto. Nel prossimo impegno in cartellone sono in programma musiche di Janacek, Penderecki, Ligeti e Jancek. Per me sono tutti degli sconosciuti e proprio per questo potrei decidere di “farci un salto”.

A cura di
Renzo Gobbettino

Traviata a Torino

2009-10-22T23:10:00.001+02:00

Per la gioia di tutti i fans di Elena Mosuc, alcune registrazioni audio sono già comparse su youtube.
Ho pensato di fare cosa gradita segnalandole.

Addio del Passato Live recording 14 ottobre 2009

Finale Live recording 14 ottobre 2009

Viola di mare: una storia d'amore e di libertà.

2009-10-21T16:17:00.027+02:00

In questi giorni bui dell’Italia, dove all’ordine del giorno si manifestano episodi di violenza sulle donne e di violenza su chi viene considerato “diverso”, è stato presentato un film illuminante al Festival del Cinema di Roma: “Viola di mare”.
L’Allegra Brigata Emiliana che viaggia da una città all’altra per veder vivere i più grandi amori sul palcoscenico, ha deciso oggi di recensire un film che, appunto, di un grande amore parla e vuole schierarsi dalla parte del sentimento.

Maria Grazia Cucinotta è stata la coraggiosa produttrice di una pellicola che ha avuto parto difficile, un po’ per la difficoltà del tema trattato, un po’ per la presenza quasi esclusiva di donne nella troupe e tra le protagoniste.

Tratto dal romanzo di Giacomo Pilati “Minchia di re” (“Viola di mare” è il nome siciliano della “Donzella di mare” detta anche in Sicilia “Minchia di re”, un pesce ermafrodita che nasce femmina deposita le uova e diventa maschio) ed ispirato ad una storia vera, il film, dopo aver ricevuto numerose porte in faccia, riesce a prender vita grazie alla collaborazione con la regista Donatella Maiorca, la casa produttrice Medusa film e con la cantante Gianna Nannini che firmerà l'intera colonna sonora dedicando al film il brano che gira spesso sulle nostre radio in questi giorni "Sogno".

Ritagliandosi una piccola e difficile parte nel film, la Cucinotta dà voce ad una storia d’amore e di libertà nella Sicilia risorgimentale del 1800, ma che alla luce dei fatti, potrebbe esser ambientata in qualunque periodo storico, anche oggi. Nella storia soprusi, ingiustizie e violenze sono protagoniste nella semplice vita di un paese sull’isola di Favignana.

Favignana, dove la terra si mescola al mare e il mare è passione viva, dove il profumo dei pomodori stesi sulla roccia a seccare al sole si mescola al profumo di ulivi e tamerici e il vento sembra poterli portare lontanissimo, quando, invece, si fermano sul mare. Una terra che da sempre ha attirato gli occhi avidi di registi e scrittori, Visconti tanto per citarne uno dei più importanti che l’ha resa immortale nel suo “Gattopardo”, e proprio questa terra è figura principale nel film dove profumi e colori ci vengono raccontati dalla bellissima fotografia di Roberta Angelini.

Protagonista del film è Angela, interpretata dalla bravissima Valeria Solarino, ragazza siciliana dai capelli corvini e dal forte temperamento, figlia del dispotico curatolo delle cave di tufo di Cala di Tramontana, rispettato da pochi e temuto da molti (l’attore è Ennio Fantastichini).

Angela sfida le predeterminate architetture familiari che la volevano “zita” (sposa) ad un ragazzo scelto dal padre-padrone e rifiutando il matrimonio dichiara il suo amore omosessuale per l’amica d’infanzia Sara (Isabella Ragonese).

Rinchiusa per mesi in una grotta, sarà la madre (Giselda Volodi) che, per salvare la vita della figlia, tenterà il tutto per tutto proponendo al marito un’ambigua soluzione. Forte del desiderio paterno di avere un figlio maschio, infatti, la madre decide di travestire Angela da maschio e con un torbido ricatto al prete, scaturente da un'altrettanto torbida relazione precedente, viene cambiato nome ad Angela che diventerà per tutti, dopo ventiquattro anni di vita vissuta come donna: Angelo.

L’ipocrisia generale, l’omertà e la paura per il potente padre permetteranno lo svolgimento delle legali nozze tra le due ragazze ed in tal modo il loro sogno d’amore.

“Bisogna che tutto cambi se vogliamo che tutto rimanga come è” scriveva Giuseppe Tomasi Di Lampedusa; e difatti tutto è cambiato nel volto di questa Italia che, però, mantiene tuttora il suo duplice cuore, dove i profumi della Sicilia ancora non oltrepassano il confine dell’isola e tutto rimane come è, immutato.

Non racconteremo oltre perché vogliamo invitare i nostri lettori a vederlo.
Riteniamo sia un film non solo meritevole d’esser visto, ma soprattutto meritevole di portare discussioni e pareri al riguardo nei cuori e nelle coscienze, affinché tutti quelli che danno per scontato il significato dell’amore sappiano rinfrancarlo e guardare oltre gli stereotipi di sempre.

L’Amore non ha colore e non ha sesso e noi dell’Allegra Brigata Emiliana siamo dalla sua parte.

A cura di
Viùlett la Monaca di Monza

Traviata a Torino

2009-10-21T15:59:00.019+02:00

In una soleggiata e fredda domenica di ottobre, noi dell’Allegra Brigata Emiliana, ci scuotiamo dal torpore che spesso con i primi freddi ci avvolge e ci dirigiamo, autostrada permettendo, in quel di Torino in vista di una Traviata che alla carta sembra esser quanto di meglio possa offrire il teatro odierno.

Gustato un delizioso, ma “salatissimo” bicerin offerto dalle gonfie tasche della Gjika Tour, prendiamo posto nel gremito Teatro Regio e incuranti della palpebra che tenderebbe a calare dopo cotante calorie, iniziamo l’ascolto sulle note di una delle più celebri ouverture della lirica e di Verdi.

Direttore d’orchestra è Gianandrea Noseda che porta a casa l’opera con tanti applausi, ma stacca tempi molto lenti e pur senza commettere errori non riesce ad entusiasmarci. La scena si apre con la brutta scena di Chantal Thomas sotto la regia di Laurent Pelly ripresa da Laurie Feldman.
Buona l’idea del finale con i cubi ricoperti di lenzuoli che danno un’idea cimiteriale (voluta o casuale??), ma terribilmente monotona e sgradevole nel resto dell’opera.
Per la maggior parte del tempo abbiamo davanti a noi una serie di cubi di diversa altezza e i cantanti che si arrampicano sull’uno o sull’altro mentre cantano le famose romanze.

Arriviamo dunque alla musica. Violetta Valéry è interpretata da una sempre corretta Elena Mosuc che non ci pare, tuttavia, in forma vocale strepitosa.
Cantante famosa e da noi sempre apprezzata, ha manifestato stavolta una certa difficoltà nei fiati presi troppo di frequente e se non ha saputo conquistare il pubblico con il libertino e periglioso finale del primo atto, ha sicuramente strappato grandi applausi e consensi (anche della sottoscritta) nel sentito “Addio del passato”.

Francesco Meli ci conferma ancora una volta il bellissimo timbro della sua voce. E’ interprete attento e la bella presenza scenica lo aiuta, riesce a rendere un Alfredo credibile e piacevole. Sebbene non dia il massimo nella famosa “Un dì felice, eterea” si riprende nel “Dei miei bollenti spiriti” e risolve bene la mai troppo apprezzabile “O mio rimorso”, dà la sua interpretazione migliore, in tutti i casi, nel terzo atto.

Carlos Alvarez è il grandissimo baritono ed interprete di sempre. La sua linea di canto denota un’eleganza e una cura che difficilmente si trovano facilmente nei teatri oggigiorno, purtroppo la voce era compromessa da un malessere che gli auguriamo con tanta stima di risolvere al più presto.
Bravi i comprimari e il coro che ci ha regalato un buon brindisi.

A cura di Viùlett la Monaca di Monza

Melodramma in tre atti
Libretto di Francesco Maria Piave
dal dramma La Dame aux camélias
di Alexandre Dumas figlio
Musica di Giuseppe Verdi

Personaggi Interpreti
Violetta Valéry soprano Elena Mosuc
Irina Lungu (17, 20, 22, 24, 28)
Alfredo Germont tenore Francesco Meli
Andrea Carè (17, 20, 22, 24, 28)
Giorgio Germont baritono Carlos Álvarez
Angelo Veccia (17, 20, 22, 24, 28)
Flora Bervoix mezzosoprano Anastasia Boldyreva
Annina soprano Bernadette Lucarini
Gastone, visconte di Letorières
tenore
Enrico Iviglia
Il barone Douphol baritono Paolo Maria Orecchia
Il marchese D'Obigny basso Mario Bellanova
Il dottor Grenvil basso Francesco Musinu
Giuseppe, servo di Violetta
tenore Ernesto Alejandro Escobar Nieto
Sabino Gaita (17, 20, 22, 24, 28)
Un domestico di Flora baritono Franco Rizzo
Marco Sportelli (17, 20, 22, 24, 28)
Un commissario baritono Riccardo Mattiotto
Marco Tognozzi (17, 20, 22, 24, 28)

Direttore d'orchestra Gianandrea Noseda
Regia e costumi Laurent Pelly
Regia ripresa da Laurie Feldman
Scene Chantal Thomas
Luci Duane Schuler
Assistente alla regia Annamaria Bruzzese
Assistente alle scene Philippine Ordinaire
Assistente ai costumi Jean-Jacques Delmotte
Assistente alle luci Gary Marder
Maestro del coro Roberto Gabbiani

Orchestra e Coro del Teatro Regio
Nuovo allestimento
in coproduzione con Santa Fe Opera Festival

A cura di
Viùlett la Monaca di Monza

Simon Boccanegra al Halle aux Grains di Tolouse

2009-10-19T14:49:00.006+02:00

Apre la stagione 2009/2010 del Théâtre du Capitole di Toulouse il Simon Boccanegra di Giuseppe Verdi e da vero melomane esule in terra straniera non potevo non essere presente. A dire il vero non conoscevo particolarmente bene quest’opera e occasione migliore non c’era per documentarmi in maniera più approfondita.

La prima rappresentazione di Simon Boccanegra ebbe luogo nel lontano 12 marzo 1857 al Teatro La Fenice di Venezia e fu un autentico fiasco. Oltre vent'anni dopo, Verdi rimaneggiò profondamente la partitura e coinvolse nella modificazione del tormentato libretto anche il genio di Arrigo Boito. E’ indubbio che la trama è articolata e oltremodo complicata; con difficoltà se ne riesce a venire a capo, ma contemporaneamente l’opera ci offre pezzi musicali di impareggiabile bellezza. Inoltre, ci si può divertire ad evidenziare all’ascolto come il Verdi degli anni di galera si intrecci con un Verdi più maturo alla ricerca di nuove soluzioni musicali nel tentavo di approdare ad uno stile finalmente slegato dalla solita prassi “recitativo aria cabaletta” e in grado di dare una maggiore importanza alla “parola scenica”. Se tuttavia, anche a seguito del rimaneggiamento, l’intreccio melodrammatico appare pur sempre sconclusionato l’opera in questione merita davvero di essere considerata tra le grandi realizzazioni dell’amato Peppino. Penso al preludio di archi al debutto del prologo o al duetto padre figlia e al concertato del primo atto e in fine ad un ruolo baritonale degno di grandi interpretazioni che ripagano ampiamente di un libretto poco felice

Protagonista è appunto Simon Boccanegra, valoroso corsaro che viene acclamato doge della Repubblica Genovese grazie anche al sostegno del fidato amico Paolo Albiati che sarà anche poi lo stesso che ne causerà la morte tradendolo. Nessuna grande storia d’amore è al centro dell’intreccio narrativo, ma rivalità politiche interne alla città e il rapporto d’affetto tra un padre tormentato e una figlia ritrovata sono il vero motore dell’opera. La moderazione e il sostegno della pace tra patrizi e plebei caratterizzano il governo del Doge; giustamente Simon Boccanegra può essere considerato a tutti gli effetti un vero e proprio manifesto politico. In realtà una storia d’amore più convenzionale è presente nel melodramma, ma è relegata sullo di una vicenda caratterizzata musicalmente da tinte fosche e oscure dove il richiamo musicale all’immagine del mare è forte e impregna tutta l’opera.

A causa di alcuni lavori di ristrutturazione la stagione in corso non si sta svolgendo al teatro dell’opera bensì in altri ambienti tra cui l’antico edificio del mercato del grano di Toulouse “Halle aux Grains” oggi adibito a ottima sala da concerti. La costruzione ha forma esagonale e le gradinate con il pubblico circondano il palcoscenico tutto intorno. Uno solo dei lati viene adibito a fondale offrendo al pubblico un inusuale punto di vista. Devo ammettere, per il posto a sedere in cui mi trovavo, che è stata davvero bello godere di una prospettiva così particolare che ha permesso di osservare comodamente da vicino sia le espressioni mimiche dei protagonisti sia osservare allo stesso tempo in faccia il direttore d’orchestra!

Regista di questa nuova produzione di Simon Boccanegra era Jorge Lavelli che ha optato per un’ambientazione minimale, dominata dal colore nero. Se da un lato questa sorta di monotonia scenografica ben si adattava al colore musicale di alcune parti dell’opera dall’altro dopo un po’ di tempo ha finito per stancarmi. Bisogna però dare atto al regista di avere saputo sfruttare ogni spazio della grande sala e di essere riuscito a far muovere masse e coro in maniera abbastanza dinamica.

L’impianto scenografico era costituito da una semplice parete nera su cui si aprivano di tanto in tanto delle porte (corredate di tendine metalliche tintinnanti tipo effetto night club). Un simpatico siparietto ha giovato a movimentare la serata: durante tutto il prologo un velo scuro copre il fondo della scena dietro cui dovrebbe poi comparire il soprano. Ovviamente la tela non si è staccata dal soffitto al momento dell’entrata della cantante la quale si è trovata a cantare mezza nascosta al pubblico tutta l’aria iniziale e per di più mentre tecnici e figuranti tentavano di strappare il velo per ripristinare la visuale. I costumi non erano di per sé brutti, ma sembravano alquanto confusi temporalmente: chi aveva armi da fuoco, chi aveva ancora le spade, chi sembrava vestito con abiti più novecenteschi chi con abiti prettamente ottocenteschi. Ciliegina sulla torta uno stuolo de angeli neri si calava dall’alto all’inizio del primo atto e ha poi portato fuori scena Simone morto al termine della rappresentazione. Il significato di queste presenze rimane tutt’ora un mistero.

Quanto al lato musicale devo dire che l’Orchestre National du Capitole diretta da Marco Armiliato, già apprezzata nel Faust di Gounod e nella Salomé di Strauss, ha dato prova di essere una grande orchestra. Raramente ho sentito orchestre di teatri d’opera di così alta qualità complice forse anche il repertorio sinfonico che abitualmente praticano nei numerosi concerti organizzati a Toulouse e non solo. La direzione è stata più che soddisfacente e ha trovato un buon equilibrio tra le parti più tetre della partitura, quelle più estatiche dei duetti d’amore e quelle più imperiose come nell’imponente concertato del primo atto. Al direttore e all’orchestra un sincero: Bravo! Anche il coro è stato per potenza e precisione davvero notevole.

Nota un po’ più dolente la parte prettamente canora. Non mi riferisco al fatto che non sia stata altezza di una prova sufficiente e del resto largamente ricompensata dai sonori applausi del pubblico (solamente espressi al termine della rappresentazione), mi riferisco soprattutto alla mancanza di una vera interpretazione capace di dare senso ad un’opera che non vive di grandi e famose arie.

Il baritono polacco Andrzej Dobber si è dimostrato cantante dalla voce salda e sicura tranne per qualche acuto un po’stimbrato, ma prettamente monocorde. Il canto tutto forte o mezzo forte è stato scarso in sfumature e la scarsa presenza scenica ha impedito di disegnare un vero personaggio a tutto tondo. Più credibile nei momenti di forza che nel comunicare sentimenti di commozione o di gioia. La voce a mio avviso tutto sommato ben si adatterebbe al repertorio verdiano.

Insufficiente la prova del basso armeno Arutjun Kotchinian tanto scenicamente quanto vocalemente. Dizione non pervenuta. Forse cantava in armeno?! Credibilissimo scenicamente e dal punto di vista canoro il baritono Robert Bork nel ruolo di Paolo Albiani. Dotato di voce non particolarmente bella, ma sonora e sicura anche in acuto Bork ha dato vita a un personaggio viscido e perfido davvero convincente.

Il soprano greco Alexia Voulgaridou, al debutto nel ruolo, è stata sostanzialmente corretta. La voce è ben sonora soprattutto nel registro acuto (più povera nei centri) che tuttavia è caratterizzato da un suono a volte metallico e non proprio morbido. Attenta ad eseguire nel modo più corretto possibile la parte è mancato a mio avviso quel coinvolgimento capace di regalare delle vere emozioni. Glaciale nel duetto iniziale con il suo amato, nel resto corretta, ma nulla di più.

Applausi scroscianti e successo personale, non condiviso dal sottoscritto, per il tenore italiano Stefano Secco nel ruolo di Gabriele Adorno. Ho avuto modo di ascoltare questo cantante al Teatro Regio di Parma sia come Rodolfo in Bohéme sia come Edgardo nella Lucia di Lammermoor e trovo che il ruolo di Gabriele sia troppo pensante per la sua vocalità. Il tenore nel Simon Boccanega richiede un tenore lirico spinto e la partitura è ricca di slanci drammatici. La voce è davvero leggera e inoltre la salita all’acuto mi da sempre l’idea di qualcuno che si strozza e purtroppo quello che mi vien da chiamare “effetto Topo Gigio” è sempre dietro l’angolo. Presto, Stefano Secco sarà anche protagonista del prossimo Don Carlo parigino.

Nel complesso la serata è stata caratterizzata da ottimi intenti musicali e orchestrali e da un cast sostanzialmente omogeneo che possiamo dire “ha portato a casa l’opera”, ma non mi ha particolarmente coinvolto.

Ah, mi sia permesso…VIVA VERDI!!!

A cura di
Renzo Gobbettino

Non è che il cielo vindice l'audace vorria fulminar??

2009-10-16T10:43:00.003+02:00

Da Vidalenzo a New York, la vita in musica di Carlo Bergonzi

2009-10-15T10:28:00.004+02:00

Busseto si è messa in ghingheri per festeggiare il suo Carletto, sabato scorso. Che poi era anche il compleanno del suo Peppino, ed era una bella coincidenza, visto che Bergonzi di Verdi è stato un interprete sublime. Non solo di Verdi, va bene, ma lui è un figlio della Bassa doc, le melodie dell’illustre compaesano le ha sempre avute in cuore più di tutte.

E così è bello sentirlo raccontare di quando il padre, casaro di Vidalenzo, lo portò per la prima volta a teatro, a sentire il Trovatore, a sette anni. E la mattina dopo la mamma lo trovò con lo scolapasta in testa e l’attizzatoio in mano, “Co fat, Carlèn? Mo mama, a fagh al trovatòr, Manrico…”

Dallo scolapasta al Met, al Covent Garden, alla Scala: è un bell’andare, mica tanti ce la fanno. Com’è andata quella bella corsa verso il successo e la gloria, ce lo racconta lui stesso nel bel video di Mauro Biondini, che il Comune di Busseto, con l’aiuto della Fondazione Cariparma, ha voluto regalare a Carlo Bergonzi. Ce lo siamo guardati insieme a lui, sabato sera al Teatro Verdi di Busseto, pieno di bussetani e di bella gente del mondo della lirica: Carlo Fontana, Scalera, Lucetta Bizzi, Leo Nucci (reduce dalla generale del Nabucco, tanto per dire di che pasta è fatto il neo parmigiano onorario Leo).

Nel video c’è Bergonzi stesso che si racconta, da affabulatore di razza, e ci sono tante belle immagini di una carriera lunga cinquant’anni e più, con la sua voce come colonna sonora. Ci sono le testimonianze dei colleghi, Magda Olivero, Raina Kabaivanska, lo stesso Leo Nucci. Corrono le facce dei loggionisti del Regio, quelli che lo hanno adorato e osannato, e qualche volta anche beccato, perché una volta non perdonavano nessuno, neanche i beniamini famosi reduci dai trionfi internazionali. E’ Bergonzi stesso a raccontare l’episodio famoso della chiusura in pianissimo sul “trono vicino al sol” che al Regio non piacque per nulla: all’uscita lo aspettavano in tanti e uno più audace si fece avanti e gli disse, più o meno, “ Ma cosa ti è venuto in mente?” E lui: “ Guarda che nella spartito Verdi in quel punto ci ha messo quattro p, pianissimo” “ E ben, se Verdi ha scritto così, vuol dire che ha sbagliato anche lui…”. Adesso diremmo, beato Bergonzi che era capace di farlo, quel pianissimo, e beati quelli che erano lì a sentire.

Storie piene di nomi che hanno fatto la storia della lirica: Del Monaco che lo fa arrivare al Met cedendogli due sue recite e poi gli sta vicino e lo aiuta anche a truccarsi, la Tebaldi che era sua compagna di studi al Conservatorio e poi partner in un’infinità di occasioni, la Callas, la Olivero, Karajan, Bruno Walter. La Scala, l’Arena, il Met, il mondo.

Ma c’è anche la storia del Carletto deportato in Germania in un lager, che canta l’Ave Maria a Natale e un sergente tedesco si commuove, gliela fa ripetere per pensare un momento alla mamma, e poi gli regala un filone di pane. E il ritorno a casa, dove lo saluta una bella moretta di Busseto, Adele, “ma io la chiamavo Dilon, perché, sapete com’è, era un po’…” e fa segno con le mani per dire che era bella in carne lì davanti. La bella ragazza diventa sua moglie, in tempi ancora grami, quando il giovanotto, allora ancora baritono, non aveva altro che le sue belle speranze. Tutta una vita insieme, in giro per il mondo, a New York come a Milano o a Busseto: sono insieme ancora adesso, i coniugi Bergonzi, e hanno festeggiato le nozze d’oro.

Storie di grandi successi, come la famosa recita dell’Aida all’Arena di Verona: “Quando entro in scena, ho una gamba che mi balla, non riesco a tenerla ferma, e mi dico, Carlo, sta a vedere che qua t’aspettano tutti e vai a fare una figura da chiodi. Poi comincio “Celeste Aida” e sento che la voce vien fuori bella, calma, serena, e la gamba non balla più”.(video in fondo alla pagina) Storie di delusioni, anche, poche ma ci sono anche quelle: prepara l’Otello, a fine carriera, fa la generale e tutto va bene, ma la sera della prima si ritrova afono e deve interrompere la recita.

Il video finisce, siamo già tutti un po’(tanto) commossi, e Bergonzi sale sul palco del “suo” teatro al braccio del sindaco e ringrazia tutti, con la voce ancora bella e il groppo in gola. Saluta i suoi colleghi, saluta i concittadini e chi è venuto da lontano per questa serata che ha il sapore un po’ dolce e malinconico di una bella vecchiaia, di uno che la vita se l’è bevuta con gusto e certo gli dispiace non essere più giovane e avere i malanni dell’età. Ma insomma, è pur sempre “al fiol dal caser ed Vidalens” e ha i piedi per terra, e lo sa che tocca a tutti prima o poi. Le ultime parole sono per i loggionisti del Regio di Parma, anche quelli che non ci sono più “perché il loggione di Parma mi ha voluto tanto bene”: per i vecchi, certo, ma anche per i giovani, “che tengano viva la tradizione” dice “e quando avranno qualche anno in più, dicano, sì, mi ricordo, c’era un tenore di Busseto, si chiamava Carlo Bergonzi”.

Poi ditemi, voi non avreste avuto le lacrime agli occhi?

A cura di
Leonora Prassede

AIDA - Arena di Verona

Nabucco al Regio di Parma: GLORIA al fantastico coro!!!

2009-10-13T23:59:00.002+02:00

Lo spettacolo di ieri ci ha regalato delle grandissime emozioni grazie al preparatissimo CORO del Regio di Parma. Nabucco è un’opera in cui il vero protagonista è il coro, e quello di Parma non ha mancato l’appuntamento. Già dall’apertura “Gli arredi festivi giù cadano infranti” il coro ci ha dimostrato le sue capacità, strappando i primi calorosi (gli unici veri di tutta la prima parte dell’opera) e intensi meritatissimi applausi. Insomma, il coro di Parma è bravo, e lo sappiamo, ma qui hanno rasentato la perfezione. Ascoltarlo è semplicemente pura goduria e soddisfazione. Bellissimo il famoso “Va pensiero” concluso con un pianissimo tenuto lungo (lunghissimo) fino a sfumarlo con una delicatezza e morbidezza d’emissione da manuale lasciando senza fiato un teatro intero. Che dire, il coro giustifica appieno il prezzo del biglietto.

La direzione, come nello scorso Festival Verdi, è stata affidata a Michele Mariotti e ha riscosso molto successo in teatro, ovviamente dividendo il pensiero del loggione; una parte a favore del giovane direttore, e una parte che non è rimasta particolarmente colpita dalle scelte operate. Personalmente appartengo al secondo gruppo. Non mi è piaciuta molto la Sinfonia, l’introduzione del “Va pensiero” e altri passaggi durante lo svolgimento dell’opera. Ad esempio, a me, non è piaciuto molto sentire, nella Sinfonia, il trombone che prevaricava sul resto dell’orchestra. Diciamo che spesso i fiati, in complesso, mi davano l’idea di essere staccati completamente dal resto dell’orchestra e l’effetto ottenuto non l’ho trovato per nulla gradevole. Non mi è nemmeno piaciuto molto l’effetto bandistico che spesso ho sentito. Qualcuno dice che Verdi l’ha scritta così…, sarà ma a me non ha garbato per nulla. I volumi orchestrali talvolta erano un po’ spinti, anche se va dato atto che il direttore ha seguito abbastanza bene i cantanti, obbligati però a spingere considerevolmente per superare l’orchestra. Per il resto la direzione, nel complesso, è stata di buon livello, certamente ha avuto la prestazione migliore, anche se a debita distanza, dopo il coro.

Per la parte canora, invece, il loggione si è mostrato profondamente diviso su tutto, pur convenendo sul fatto che, probabilmente oggi, per quello che passa il convento, questo sia uno dei migliori Nabucco realizzabile.

Nucci ha cominciato freddo e non si è molto sprecato, almeno nella prima parte dell’opera. Ha dalla sua però l’esperienza di anni di palcoscenico e, a differenza di molti altri cantanti, sa come gestire le proprie risorse. Lo dimostra soprattutto nel finale dell’opera. Con “Dio di Giuda” ha letteralmente strappato le ovazioni al pubblico in sala. In tanti però, lassù in loggione, hanno mostrato non poche perplessità e hanno fatto notare che l’età dell’amato baritono si sente.

La Theodossiou l’abbiamo trovata un po’ sottotono ieri sera. Se c’è qualcosa che non le manca è il volume dello strumento vocale, difficile non sentirla, anche quando orchestra e coro riempivano la sala. I difetti sono tutti quelli che ormai si trovano scritti nei vari forum d’opera o in blog nella rete. Gli acuti lanciati con scarso controllo, i piani e pianissimi ottenuti a gola stretta, insomma; tutto il contrario di quello che è l’ortodossia della tecnica canora. Però la signora ha grinta, e ammazza quanta!!!??? Una grinta che la porta, pur con eccessi veristi, a rendere abbastanza bene il ruolo, tra l’altro non proprio semplice, di Abigaille. Non era, comunque, al massimo ieri sera, dove, stranamente, ha reso meglio nei recitativi che nelle caballette. Ad esempio, ha reso meglio nel “Ben io t’invenni, o fatal scritto” che nella successiva “Salgo già del trono aurato”. Direi che il massimo, ieri sera, l’ha dato nell’aria finale “Su me morente, esanime”. Grande successo di pubblico alla fine anche per lei.

Zaccaria era Zanellato, in sostituzione dopo la defezione di Surjan. Personalmente non l’avevo mai sentito, o non mi ricordo di averlo sentito, e più che un vero basso, mi ha dato l’impressione di un baritono scuro. Diciamo che nel ruolo preferisco, per gusto mio personale, di più un vero basso. Nell’aria di entrata “Sperate o figli” non ha reso molto bene, probabilmente perché ancora freddo. I timidi applausi sono stati subito zittiti dal loggione. A tratti ho avuto l’impressione di una certa fatica, quasi di non farcela ad arrivare in fondo, soprattutto quando la parte verteva nel registro alto. Direi che si è ripreso dopo, in corso d’opera. Il punto migliore è stata la Scena III (Parte seconda) in “Vieni, o Levita” cantata, a mio avviso, veramente bene, ma passata nel più gelido silenzio del teatro.

Fenena era AnnaMaria Chiuri. L'impressione, personalissima, è di sentire un soprano, più che una mezzo. La sua prestazione non mi ha molto entusiasmato.

Ismaele è Bruno Ribeiro. Una buona performance quella del giovane tenore che avevamo tanto apprezzato nel Corsaro bussettano. La voce ha un grande corpo e corre facilmente per tutto il teatro. Non si spiega quindi per quale motivo, talvolta, spingeva tanto ritrovandosi con la voce molto indietro e, diversi acuti, sono suonati molto ingolati. Complessivamente però una buona prova e una bella voce. Speriamo che la coltivi con cognizione di causa.

La regia e la scenografia sinceramente mi hanno lasciato alquanto deluso, anzi, molto molto deluso. Un minimal scialbo e qualunquista del quale francamente, non c’ho capito nulla. E sinceramente, non riesco a capire il senso di una scenografia o di una regia che non è immediatamente percepibile dal spettatore in sala. Mi chiedo qualche senso abbia mai una scenografia che per nulla concorre nella realizzazione dello spettacolo. Per non parlare poi dei costumi. Poco comprensivo per me vedere gli ebrei e gli assiri vestiti in abiti moderni e vestiti uguali senza distinzione alcuna, soprattutto in contrapposizione ai vestiti tradizionali, ma decisamente brutti, dei protagonisti. Vedere Ribeiro conciato com’era in mezzo a gente vestita con abiti moderni, faceva francamente ridere, e tutt’ora ne devo capire il senso. Assurdo, infine, il primo vestito della Theoddossiou. Considerando che non è proprio filiforme, vedere gli abbellimenti che formavano un cono gelato con due palle proprio sopra le colline gemelle e il cono che puntava sulla Iolanda, era veramente di cattivo gusto. Così come il vestito della Scena seconda, con una mantella che faceva a pugni con il resto. (Ma poi perché gli assiri e gli ebrei erano vestiti uguali??? Non ci si capiva nulla!!!)

Lo spettacolo, complessivamente funziona, e i protagonisti ce la mettono tutta, ma veramente tutta, per rendere al massimo.

Di certo se qualcuno ha in mente di venire a Parma per vederlo, credo che il prezzo ne vale la candela, se non altro, perché potete sentire un coro formidabile e in grande forma. A loro, questa volta, va tutta la nostra stima e i nostri più calorosi applausi!!!

Il Festival parmigiano e il suo Sovrintendente Meli: metafora della congiura dei mediocri, delle lottizzazioni e del nepotismo!

2009-10-09T09:47:00.004+02:00

“Il Festival parmigiano e il suo Sovrintendente Meli: metafora della congiura dei mediocri, delle lottizzazioni e del nepotismo, che mettono a sacco con ridicole e costose celebrazioni le risorse pubbliche, la cultura, i valori di un luogo... e un Sindaco che protegge tutto questo! Sarà ricordato come il sindaco che non c'era!... c'erano in compenso i suoi portavoce, i suoi burattinai... "

Ciao amici,
navigando per la rete ho trovato questa lettera scritta da Luigi Boschi e pubblicata su ParmaOK.it. Secondo me merita di essere letta. Eccovi il link ParmaOK.it

Cruda, funesta smania....

2009-10-08T14:54:00.003+02:00

W la Costituzione!

2009-10-07T20:13:00.001+02:00

"Le convenienze e inconvenienze teatrali"alla Scala di Milano...ovvero...W LA MAMMA!: Se non ci fosse la mamma sarebbe dura resistere.

2009-10-07T00:25:00.011+02:00

"Le convenienze e inconvenienze teatrali" di Donizetti sono l'opera attualmente in scena alla Scala di Milano con la Regia del comico Antonio Albanese che debutta come regista. Un gran debutto. Anche se in quest'opera i veri protagonisti sono la coesione di tutti i personaggi e Mamma Agata, ruolo per basso buffo con verve e capacità di far ridere.
Il regista ha invero poco spazio anche perché la trama è veramente esigua che difficilmente si può tenere su senza un'adeguata compagnia di canto. L'impianto scenico era una spiaggia (che non ho capito se dovesse rappresentare la scenografia dell'opera che questa sgangherlata compagnia vuole mettere in scena o se effettivamente le prove avvenissero a Rimini Beach), i costumi ottocenteschi (anche se lo stesso abito per Mamma Agata e la figliola offriva un bello spunto comico essendo una il triplo dell'altra) e tutto il resto era fatto per supportare quest'ingombrante Mamma Agata nelle sue varie "pensate". Risultato: Risate a go go.

Iniziamo a parlare del cast partendo proprio dal ruolo cardine di quest’opera. Mamma Agata che era interpretata da Vincenzo Taormina, un cantante che si è dimostrato all’altezza del ruolo, giocando anche sulla sua imponente figura (alla fine delle Convenienze doveva esser portato via con una portantina ma, come mi ha fatto notare il mio vicino di posto,coloro che la spostavano si sono rifiutati e l’hanno lasciato lì), è stato buffissimo ottenendo un magnifico successo sia nella sua cavatina che nella famosa aria “Assisa a pié d’un sacco” ben giocata soprattutto nel mostrare l’ignoranza di questo personaggio inserendoci perfino una finta partenza poiché era sbagliato l’attacco. Il falsettone ben usato e sempre a proposito non dando mai fastidio, come potrebbe facilmente capitare a chi interpreta questo ruolo maschile en travesti.

Il resto del cast ha visto, per quanto riguarda, nomi mai sentiti prima fatta eccezioni per due cantanti già sentiti: Christian Senn (ne La Pietra del Paragone a Parma come Pacuvio dimostrando un’altra volta la bella tecnica di canto e che, anche se non è un mattatore, ben sa reggere le parti da caratterista come è quella di Biscroma Strappaviscere qui molto rassomigliante alla statua di Gioacchino Rossini che si vede nel foyer del teatro alla Scala) e Jessica Pratt (già ascoltata in Lucia Ashton e Elvira Valton; nel ruolo di Daria, la cantante che canta più per meriti matrimoniali che per meriti vocali, ha dimostrato di saper sfruttare i pochi momenti che lo spartito le consente ricevendo vere ovazioni alla fine della cavatina che le ha permesso di far sentire tutta la sua estensione vocale soprattutto nel lato acuto nonché nell’aria da baule che ha scelto nel secondo atto, era tratta dall’opera “Aureliano in Palmira” di Rossini).

Per bravura si è distinta Aurora Tirotta nei panni di Luigia, figlia di Mamma Agata mostrando di saper tenere le redini di un personaggio “comodino” a quello più importante di sua madre. Personalmente devo ringraziarla perché, nel momento dell’aria da baule in cui fa convince Guglielmo (interpretato da un Leonardo Cortellazzi, che ha giocato molto bene sulla pronuncia tedesca storpiata) quanto sia bella la musica italiana, mi ha fatto ascoltare un’aria da un’opera donizettiana a me sconosciuta:Fausta.

Buoni gli altri comprimari impegnati più sul lato recitativo che vocale, non per colpa loro ma dell’impostazione dello spartito.

Applausi calorosi per tutto il cast.

Segue trama dell’opera e locandina.

Trama

ATTO I

La scena si apre in un teatrino d'opera, dove stanno provando un'opera seria. La prima donna, Corilla, tiranneggia su tutti, aiutata dal marito, l'odioso Procolo, e nessuno capisce come si scriva il cognome del tenore tedesco Guglielmo. La prima donna esige che il dramma s'intitoli anziché Romolo ed Ersilia, Ersilia e Mommolo, attirando le proteste di Doratea, il musico, e le ire della "seconda donna", Luigia, e della sua mamma insopportabile, Agata; la quale pretende che la figlia e la prima donna facciano un duetto, per stabilire chi delle due reciterà. Le due cantanti tuttavia litigano sempre, Doratea scappa, e in seguito anche Guglielmo, dopo essere stato aggredito da mamma Agata. L'ispettore, per non annullare l'opera, decide di far cantare Agata nella parte di Ersilia, e Agata viene trascinata nel camerino gridando contro l'ispettore.

ATTO II

Inizia la parte più comica dell'opera: mamma Agata deve sostituire la prima donna (esilarante la parodia della "canzone del salice" dell' Otello rossiniano: Assisa a piè d'un salice diventa Assisa a piè d'un sacco). Nella scena del trionfo, Procolo è costretto a sostituire il tenore nella parte di Romolo, e stona tutte le parti. Durante la scena del sacrificio di Ersilia, Agata non fa che parlare quando non deve, e Corilla pretende di cantare alla fine dell'opera, per poter riposarsi. Tuttavia, l'ispettore, a causa della fuga del tenore e del musico, comunica la decisione del podestà e del consiglio di annullare l'opera. Per evitare di pagare i costi di produzione, tutti se ne vanno, lasciando l'Impresario in preda alla disperazione.

Cast

Direttore

Marco Guidarini

Regia

Antonio Albanese

Scene

Leila Fteita

Costumi

Elisabetta Gabbioneta

Personaggi

Daria

Jessica Pratt

Procolo

Simon Bailey

Biscroma Strappaviscere

Christian Senn

Agata

Vincenzo Taormina

Luigia

Aurora Tirotta

Guglielmo

Leonardo Cortellazzi

Pippetto

Asude Karayavuz

Cesare Salzapariglia

Chae Jun Lim

Impresario

Jong Min Park

Direttore del palcoscenico

Eugeniy Stanimirov

Un ispettore

Riccardo Massi

Messa da Requiem al Duomo di Parma

2009-10-06T17:23:00.004+02:00

Sarò sintetica (“la brevità gran pregio”): vorrei potervi dire le mie impressioni sulla Messa da Requiem del 1° ottobre, ma non posso perché dal mio posto non si sentiva niente.
O comunque non abbastanza da capirne qualcosa.
Noi miseri acquirenti dei posti a 10 euro eravamo piazzati nei transetti, vale a dire alle spalle del coro: dalla mia seggiolina vedevo la faccia di Maazel e la nuca di Vinograd. Immaginatevi che cosa potevo sentire, in una Cattedrale la cui acustica è già poco felice anche per chi è piazzato al centro della navata…
Diciamo che è stata una decisione sbagliata, quella di comprare il biglietto poco costoso, avrei fatto meglio a starmene a casa e guardarmi la diretta in tv. Almeno avrei saputo come erano vestite le due protagoniste, seduta comoda sul mio divano e non su una seggiola di legno accogliente come lo stivaletto malese o la Vergine di Norimberga. Oppure avrei dovuto buttarmi e rischiare gli ottanta euro della navata laterale. Invece mi sembrava di essere a una festa in cui gli altri invitati mangiano, bevono e si divertono e io posso solo sbirciare da lontano.
Mi sono consolata guardando in su, la meravigliosa cupola del Correggio tutta illuminata era lì, sulla mia testa e (cervicale permettendo) me la sono goduta in tutto il suo splendore. Mi arrivavano a tratti le note del Requiem, e a volte mi pareva anche di cogliere la voce dei cantanti, quella di Meli e quella di Vinograd soprattutto che erano dal mio lato. Per l’"Ingemisco" di Meli ho sopportato la seggiolina terribile e mi pare che ne valesse la pena, ma più che altro in fiducia… Di Vinograd posso dire che ha un bel colore scuro e niente più. La Vassileva non l’ho quasi sentita, la Barcellona un po’ di più ma non abbastanza. Orchestra e coro mi arrivavano impastati in un unico rimbombo, quindi evito di dire sciocchezze e mi fermo qui.
Il Duomo di Parma è una meraviglia, e entrarci è sempre un’emozione, anche dopo anni di assidue frequentazioni, ma per ascoltare la musica è meglio il teatro.

A cura di
Leonora Prassede

I foscari mi hanno pagato! (Sì, un acconto!)

2009-10-03T15:21:00.046+02:00

Con questa frase che afferma Loredano De’ Loredani dopo la morte del Doge Foscari. Il commento tra parentesi esprime la non completa soddisfazione personale mia che ho avuto da questi Foscari anche se il risultato complessivo è stato buono. Siamo a Venezia nell’ottobre 1457 (essendo fatto storico la data è precisa, anche perché il Doge Francesco Foscari morì esattamente 552 anni e due giorni fa, sette giorni dopo l’abdicazione). L’opera comincia a storia già iniziata. Infatti l’avversario al trono dogale di Foscari verrà trovato morto insieme al figlio, ovvero il padre di Iacopo dei Loredani (chiamato Loredano per evitare confusione con il suo omonimo rivale). Quest’ultimo giurerà vendetta e ci riuscirà. Iacopo Foscari, di costui il Doge ne è il padre, fu cacciato da Venezia per motivi politici e per ritornare andò a chiedere aiuto a Lodovico il Moro, nemico di Venezia ponendo in essere il reato politico di cui è accusato nel corso dell’opera.

Atto I
Nel Palazzo Ducale di Venezia si riuniscono i membri della Giunta e del Consiglio dei Dieci per prendere una decisione importante. Essi devono decidere se confermare o meno l’esilio di Jacopo Foscari, costui è stato arrestato appenarientrato nella città veneta. Quest'ultimo è incolpato del duplice omicidio del nonno e del padre di Jacopo Loredano, suo principale accusatore (Roberto Tagliavini, che ricopriva questo ruolo, ci ha ricordato che questo è il cattivo ma è sempre un nobile e non va rappresentato becero). Jacopo Foscari viene tratto dalle carceri per esser portato davanti al Consiglio. Egli decanta la bellezza della sua città e lo struggimento per il lungo esilio da essa (il ruolo del disgraziato figlio ieri sera era interpretato da Roberto De Biasio,a mio avviso, parecchio in difficoltà con la parte estremamente acuta, anche se essendo questo brano cantato “a freddo” mi sono detto “si scalderà poi migliora nel quadro della galera!". La speranza delude sempre e avrei voluto far ricorso in Cassazione contro la sentenza del Consiglio dei Dieci nella parte in cui facevano grazia della vita e disgrazia per le mie orecchie!!!) Lucrezia Contarini, interpretata da Tatiana Serjan, soprano dotata di una buona estensione, con voce leggermente metallica che, però, secondo me, necessita di perfezionamento anche perchè il mezzo vocale è particolarmente adatto alle eroine verdiane del primo Verdi. La prova di quel che dico è che il meglio di sé stessa lo ha dato nel duetto successivo con suo suocero moglie di Jacopo, difende l’innocenza del marito ma quando apprende che gli è stato comminato un nuovo esilio ella dà sfogo al suo sdegno contro i nobili veneziani. I senatori uscendo dal Consiglio invece inneggiano alla giustizia veneziana, che sa anche condannare il figlio di un Doge in carica. Il Doge Foscari, interpretato da Leo Nucci, il quale ha curato ogni dettaglio del personaggio come, ad esempio, la mano tremante e il passo affaticato, è rimasto solo e piange la condizione del figlio. Sopraggiunge la nuora Lucrezia e lo supplica di far annullare la sentenza; ma il Doge risponde che una lettera scritta da Jacopo pare accusarlo e nulla può più fermare la legge veneziana. Insieme piangono la cattiva sorte che colpisce l’amato congiunto (Leo Nucci, a dispetto degli anni molti, ha dimostrato di aver la residenza sul palcoscenico, personalmente, mi ha commosso nel duetto successivo con sua nuora; momento bellissimo sia per le parole usate da Francesco Maria Piave, sia per i due protagonisti che ci hanno messo veramente più il cuore che la voce anche se le sfumature ci sono state e molto belle e soprattutto perché il tenore non è chiamato in causa in questa scena).

Atto II
Richiuso nel carcere Jacopo Foscari vede in un momento di delirio il fantasma del Conte di Carmagnola, che pare accusarlo perché il padre lo aveva condannato a morte (qui giova ricordare una nota comica del regista che ha scambiato la descrizione “Cella a pozzo” intendendo piazzare un enorme cilindro, molto simile a un contenitore di acqua piovana, nel mezzo della scena invece le “celle a pozzo” sono quelle con la grata in alto anziché a lato). Jacopo Foscari, colpito dal cattivo presagio, sviene. Sopraggiunge Lucrezia per riferirgli del nuovo esilio e poi il padre; avvolti da una grande commozione essi pregano e sperano di potersi ricongiungere in futuro (Ho sempre pensato che questo quadro sia tutto sulle spalle del tenore e ne ho avuta la prova ieri sera dove, il fatto che De Biasio non fosse adatto a questo ruolo, ha tolto parecchia magia e commozione a questa scena creata da Verdi con una genialata che non rivedremo più in tutta la sua produzione ovvero tenere venti minuti di musica unendo un personaggio alla volta come se fossero tessere di un puzzle).
Nel quadro successivo, Jacopo Foscari viene condotto davanti al Consiglio che gli ordina di partire per l’esilio a Creta, senza neppure il conforto della moglie e dei figli. A questa prospettiva egli sente la morte già avvicinarsi (qui il nostro coro, diretto da Martino Faggiani, ha dimostrato di essere sempre di altissima qualità essendo questo un concertato dove il consiglio dei Dieci è un vero e proprio personaggio chiamato in una delle due pagine per lui più impegnative, l’altra è la scena corale che apre il terzo atto).

Atto III
Mentre San Marco si riempie di persone in festa per la prossima regata, Jacopo e Lucrezia si salutano e l’esiliato parte, brutalmente allontanato dai suoi cari da Loredano che ne affretta l’avvio. Il Doge solo e afflitto piange la scomparsa dei suoi tre figli ed ora l’abbandono del quarto. Sopraggiunge il Barbarigo (alias Gregory Bonfatti) che reca una confessione scritta da un reo che si accusa degli omicidi addebitati al figlio. Mentre il Doge esulta per la prova d’innocenza sopraggiunge Lucrezia portando la notizia della morte di Jacopo, deceduto per il gran dolore. Compaiono infine i membri del Consiglio che chiedono al Doge di rinunciare alla carica. Offeso e ferito egli depone le insegne ed esce accompagnato da Lucrezia. Mentre si allontana sente le campane di San Marco che annunciano già il nuovo Doge e, gemendo ancora, anch’egli muore (vera e propria scena del Doge Foscari con vera ovazione finale per Leo Nucci) (Per fortuna ,Byron prima e Piave poi, hanno risparmiato la crudezza della scena come realmente avvenne ancor più cruda ed efferata di ogni umano pensare).
Ultime parole vanno al regista Joseph Franconi Lee, il quale ha realizzato uno spettacolo senza la pomposità che ci si aspetterebbe ma con tutti gli elementi necessari e senza nessun disturbo alla comprensione della storia. Magnifici i costumi curati in ogni minimo dettaglio.
Il Direttore d'orchestra è stato Donato Renzetti

A cura di
Don Marondi

Preghiera di un melomane parmense!

2009-10-03T01:06:00.010+02:00

Fratelli, preghiamo il Signore per il nostro Teatro Regio, dal glorioso passato e triste presente:
ABE. Perché il Signore misericordioso perdoni gli ultimi orrori…
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. Perché accetti le buone, tante opere belle che ha realizzato nel passato, preghiamo.
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. Perché gli ridia il loggione d’una volta
Melomani: Ascoltaci o Signore.

Preghiamo anche per coloro che sono in lutto per il destino del nostro Teatro:
ABE. Perché il Signore ci conforti nel nostro dolore, preghiamo.
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. Perché la tristezza di oggi diventi gioia nel prossimo futuro, preghiamo:
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. Perché il Signore confermi in noi la fede, accresca la nostra speranza e ci dia più soldi per pagare i sempre più cari biglietti, preghiamo.
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE: Perché fermi l'aumento del prezzo del biglietto, i pagamenti stratosferici senza senso, preghiamo:
Melomani. Ascoltaci o Signore.

Preghiamo il Signore per tutti noi melomani pellegrini in questo mondo:
ABE. Perché ci conforti e ci confermi qualche bella opera nei nostri teatri, ovunque siano, preghiamo:
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. Perché ci permetta di godere di nuovo di tanto buon e bel canto, preghiamo:
Melomani: Ascoltaci o Signore.
ABE: Perché si degni di esaudire le nostre umili suppliche, ma veramente umili, preghiamo:
Melomani: Ascoltaci o Signore.

Preghiamo il signore per tutti quelli che lavorano in teatro
ABE. Perchè mantenga sempre così bravo e bello il coro del nostro teatro, unica luce in tanto buio, preghiamo:
Melomani. Ascoltaci o Signore.
ABE. per tutti coloro che sgobbano dietro le quinte senza mai prendere un diretto applauso, preghiamo:
Melomani. Ascoltaci o Signore.

Signore misericordioso, abbi pietà di noi!!!

2009-10-01T17:25:00.002+02:00

A tutti voi amici....

BUON FESTIVAL VERDI

Stagione 2009-2010

2009-09-13T19:14:00.003+02:00

Dopo troppo brevi e meravigliose vacanze, l'Aber al completo è pronta a riprendere il duro lavoro di spettatori nei principali teatri italiani e non solo (vista la presenza all'estero di un noto fannullone che non ha nemmeno recensito il Faust e la Salomé visti al teatro dell'opera di Toulouse). Il Festival Verdi, seppure quest'anno sia di scarso interesse, è alle porte e anche qui in Francia la stagione aprirà i battenti con un opera di Peppino, il Simon Boccanegra. Invidio chi in Scala potrà essere presente al debutto in Gilda della promettente Jessica Pratt, chi potrà assistere al concerto di Fiorenza Cedolins e alla Traviata di Torino con Mosuc, Meli e Alvarez. Questo solo per citare gli impegni più attesi. Dunque...pronti...attenti...VIA!

Renzo Gobbettino

2009-07-28T14:22:00.001+02:00

Oh..., rimembranze!!!

Contradditorio su Aci

2009-07-25T23:00:00.003+02:00

Poiché non si è trovato un punto di incontro sullo spettacolo in questione, si riporta la risposta di Lucia Pinghella, l’altro membro Abe presente allo spettacolo. È possibile leggere il commento a cui si fornisce risposta al seguente link.

Se sostanzialmente sono d’accordo sui cantanti (anche se i sarei meno benevola con la Rosique che m’ è parsa un po’ alterna( in quanto a volte le uscivano degli acuti un po’ sgraziati) sono d’accordo invece sulla ottima prova della Mingardo e sulla decisamente pessima prova di Abete (per me inascoltabile)!
Non sono assolutamente d’accordo sulla regia che invece secondo me è stata il punto di forza dello spettacolo! Spiego: ho riscontrato in quest’opera lo stesso problema che avevo riscontrato nella Partenope ovvero: un netto squilibrio sia teatralmente che musicalmente parlando tra i due atti ( un primo atto: al limite della noia con abbondanza di recitativi ed una sola grande aria o poco più (se non ricordo male) ed un secondo atto invece dove la storia inizia a dipanarsi prendendo finalmente il volo di pari passo con la musica dove prende il via un susseguirsi di bellissime arie )
Ben venga perciò un regia un po’ meno tradizionale: la prima parte dell’opera, se non fosse stata supportata da un aspetto visivo un po’ originale e coinvolgente avrebbe messo a dura prova anche i più ostinati aficionados del barocco! Regia che crea dunque un’ ambientazione un po’ surreale ( mi ha ricordato certi quadri di Dalì )dove gli elementi della natura e della civiltà organizzata si fondono: siamo tra le mura di un interno borghese di villa un po’ in decadenza dove il pavimento marmoreo si fonde con la sabbia di una spiaggia che avanza (forse una metafora di natura e civiltà che si scontrano e si fondono?) comunque ho trovato affascinante l’effetto visivo! Il tutto poi è supportato da videoproiezioni sui muri, di elementi naturali (per lo più animali) quali citazioni espressamente prese dal libretto, volte a sottolineare la presenza ed il carattere dei vari personaggi,(aquila per Aci , farfalla per Galatea e serpente per Poliremo)In quanto alla presenza dei “doppi” direi che pur non rivelandosi un’idea originalissima (perchè già vista in altre opere ha assolto a più funzioni:
a. Dare nel contempo, di una stessa storia, la visione dell’estetica barocca (attraverso l’azione scenica più misurata dei cantanti) e la visione dell’estetica teatrale moderna (attraverso l’interpretazione dei mimi);
b. Rendere la storia più fruibile allo spettatore perché la traduzione più moderna la rende più vera e più vicina : debbo dire infatti mai come nella scena finale di sesso mi era capitato di dare un senso concreto alle parole di un’aria barocca (perché di solito queste mi scivolano via come una serie di belle parole atte solamente ad assolvere una funzione estetica);
c. E’ vero che se voleva attualizzare poteva anche scegliere di far interpretare direttamente ai cantanti le azioni svolte dai mimi senza crear questa situazione di “doppi” ma è anche vero che questa soluzione i cantanti moto più liberi di concentrarsi sul canto senza costringerli improbabili acrobazie come spesso succede (non dimentichiamoci che questo regista prime di dedicarsi alla regia era cantante lirico per cui conosce le esigenze sceniche de cantanti;
d. Creare nel contempo quel gioco di equivoci e ambiguità caratteristica peculiare del barocco anche se sotto altre forme.

Lucia Pinghella

Non si parla solo d'opera.... la trattoria dell'acquasanta

2009-07-24T23:31:00.010+02:00

Cari lettori,
qui fa caldo e ahinoi il tempo da stare accanto al computer è poco. Ci scusiamo per il ritardo delle recensioni operistiche. Intanto vi narro questa disavventura capitatami pochi giorni or sono.
A causa di lavoro mi sono trovato in zona PortoVenere in Iiguria. Dovevo andare su di una montagna a mangiare in un ristorante con veduta sul golfo di La Spezia. Noi preti di campagna abituati ad andare a piedi, se si deve far tanta strada si fa guidare il campanaro, ci siamo persi. Il Tempo passa e la fame avanza.
Intanto io e colleghi ci inganniamo parlando di temi profondi (come la fiducia nel prossimo... autista perché il sottoscritto è guidatore da Pianura Padana! per esempio) e, quasi senza accorgercene con un rosario in mano, Scendiamo a valle e mangiamo nella prima "mangiatoia" che troviamo. E' in una frazioncina di La Spezia di nome Acquasanta dove v'è la trattoria che reca lo stesso nome. Nome ideale per sfamare pastori d'Anime.
Be' più che l'acquasanta è una manna. Il cuoco, al quale lasciammo fare tutto non conoscendo il posto e per metterlo alla prova, ci servì spaghetti ai muscoli che erano una meraviglia. Cotti al punto giusto. Rapporto pasta/muscoli (il contenuto delle cozze) non vedeva prevalere uno dei due elementi sull'altro. Con un primo così pensai, qualunque cosa mi portano, non piglio una fregatura. Invece la frittura di pesce che seguiva si dimostrò l'accoppiata giusta.
Era talmente fatta bene che non ha fatto male allo stomaco a chi della comitiva ha problemi di digestione del fritto.
L'unico rammarico è stato che dovendo guidare ho dovuto rinunciare a una cassata che pareva made in Sicilia con tutti i crismi altrimenti rischiavo calo della palpebra.
Prezzi adeguati al cibo (30 euro a testa comprensivi di acqua, vinello bianco della casa che era buono e adatto per le Messe e un caffé da plauso di un commensale napoletano DOC) e cameriere discreto, cortese, veloce ma non alla speedy gonzales
Insomma, Trattoria dell'Acquasanta... Ego Te Absolvo e alla grande!

A cura di

Don Marondio

Due chiacchiere su Adriana Lecouvreur

2009-07-04T09:26:00.010+02:00

Dopo un lungo silenzio tornano le introduzioni all’opera.
La prossima opera sarà “Adriana Lecouvreur” ma, prima di parlare del capolavoro musicato da Cilea, vorrei presentarVi Adrienne Couvreur (quella realmente esistita, nata a Epernay il 05/04/1692 – morta a Parigi il 20/03/1730 a quasi 38 anni, il Lecouvreur è il cognome d’arte).
Era un’attrice teatrale, figlia di una lavandaia e di un cappellaio. A seguito di un trasferimento della famiglia per motivi di lavoro del padre viene a contatto col mondo del teatro e a quattordici anni inizia a recitare.
Già qui si crea il legame col mondo dell’opera dato che recita il ruolo di Paolina nel Poliuto di Corneille (dal quale Donizetti un secolo dopo prenderà spunto per l’omonima opera). Diventerà una star internazionale (recitando testi di Corneille, Voltaire soprattutto ma non solo)e acquisirà quel bon ton necessario per stare nel bel Mondo. Con queste armi farà innamorare di sé Maurizio di Sassonia e la loro storia durerà per parecchi anni finendo a causa di tradimenti dell’uomo.
Il successo le porterà non poche inimicizie all’interno del mondo del teatro.
La morte è avvolta nel mistero anche se è strano come Luisa Enrichetta Francesca d’Harnoncourt-Lorena Contessa di Buillon (ragazzi questa qui aveva una carta d’identità che pesava dieci chili!!!), innamorata anch’essa di Maurizio di Sassonia, fu così presente e vicina alla Lecouvreur negli ultimi mesi di vita proprio quando la salute dell’artista peggiorava sempre più (un po’ come fa Jessica Fletcher nel telefilm che fanno vedere in questi giorni!!!).

Lasciando la vera Adriana nella sua tomba, iniziamo a interessarci di quella a noi più nota. Il discorso non può che iniziare dalla citazione delle due edizioni di riferimento (a mio parere sono quattro facendovi rientrare quella video con Marcella Pobbe, Nicola Filacuridi e Fedora Barbieri e quell’altra con Mirella Freni e Fiorenza Cossotto) e che sono: l’edizione edita dalla Decca con Renata Tebaldi, Giulietta Simionato e Mario Del Monaco e la celebre con Franco Corelli, Magda Olivero, Giulietta Simionato e Ettore Bastianini.
Strano che le due edizioni sopra citate abbiano due soprani così diversi come stile: Renata Tebaldi (una cantante che usa la splendida voce e i suoni che emette per uscirne a testa alta senza preoccuparsi della recitazione, sicura del fatto che le note beeranno quanto basta l’ascoltatore e n’ha ben d’onde!) e Magda Olivero (soprano che, oltre a cantare, si preoccupa dello scavo psicologico e di rendere credibile le parole che sono scritte nel libretto, fatto tipico di tutti i soprani di area callasiana).
La differenza la si nota fin da quella che possiamo definire la cavatina del soprano (“Io son l’umile ancella”). Renata Tebaldi pone al centro dell’aria il verso “L’eco del dramma uman” più che su quello precedente (“Del verso io son l’accento”) come invece fa Magda Olivero.
Lettura quest’ultima a noi più conosciuta dato che, delle due, è quella più utilizzata dai soprani che si accostano a questo ruolo.
In questo secondo filone interpretativo dovremmo trovare Leyla Gencer. Dico “dovremmo” perché se il declamato iniziale pare la lettura della lettera della Lady, l’aria che segue non ha quel “eau de toilet” da primadonna che ci si aspetterebbe ma un modesto ritratto di chi cerca i fari della ribalta perché sta bene sul palcoscenico. Che sia un personaggio idealizzato lo si capisce da quel “Ei non sa mentir” del secondo atto che fa venir voglia di chiedere il fidanzamento e non si capisce che cerchi il Principe di Sassonia in un’altra donna.
Un’altra perla di questo soprano è il rendere vera e piena di sicurezza la frase “M’è questa casa ignota… Il mio consiglio è incerto!”.
A metà tra le due letture sopra descritte troviamo quella di Marcella Pobbe, la quale punta su un’interpretazione molto formale nei primi due atti con un mutamento radicale nel terzo atto quando s’infuria con la Principessa di Buillon (peccato per lei che il mezzosoprano che interpreta questo ruolo è Fedora Barbieri, colei che probabilmente ha dato il lato più battagliero ai personaggi scritti per questa corda) per calarsi in un’amarezza mista a depressione nel quarto atto.
Per concludere non possiamo non citare Mirella Freni, la più attuale delle Grandi Adriana Lecouvreur, protagonista della mitica edizione Scaligera.
E’ una lettura tutta freniana, qualcuno malignò se non ricordo male dicendo che aveva visto la “Mirella Lecouvreur”. Le due arie del primo e quarto atto sono una beatitudine per l’orecchio mentre gli altri due atti si basano sulla recitazione che tende a rappresentare la vera Adriana Lecouvreur, con toni eleganti, raffinati ma non da primadonna anche se le unghie le sa tirar fuori nel terzo atto e nel secondo mostra la bontà di questa donna che, per amore del suo uomo, aiuta la rivale. Peccato che tale lealtà riceverà un gramo ricompenso.
Dopo questa presentazione si va a teatro per vedere l’edizione Torinese di quest’opera.
Seguirà Recensione. Intanto Pax Et Bonum a tutti!

A cura di

Don Marondio